Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Ellida Wangel: eine Frau, gefangen in der Enge eines konventionellen Lebens, getrieben von einer unbändigen, unbestimmten Sehnsucht – einer Sehnsucht nach etwas, das sie selbst nicht ganz greifen oder benennen kann. Immer wieder treiben die Gedanken der Arztfrau hinaus zum Wasser, zum wilden Ozean, zum Offenen: zu einer Vergangenheit, die sie nicht loslässt. Erstickt von der Sicherheit und Fürsorge ihres Ehemanns, findet sie sich verfolgt von der Erinnerung an eine alte Liebe. Ein Seemann, der ihr einst ein Versprechen abnahm, ist nach Jahren zurückgekehrt. Und Ellida gelangt an einen Wendepunkt, der ihr Leben und das ihrer Familie für immer verändern kann.



DIEFRAUVOMMEER stellt Fragen von existenzieller Dringlichkeit. Was bedeutet es, ein selbstbestimmtes Leben zu führen? Wie viel Freiheit erträgt eine Beziehung? Und kann man sich je ganz von der Vergangenheit lösen?



Es geht um Autonomie, das Recht auf einen eigenen Weg, unabhängig von gesellschaftlichen Erwartungen. Doch während Ibsens Protagonistinnen diesen Kampf sonst oft mit Trotz oder offener Rebellion führen, ist Ellidas Konflikt leiser, innerlicher. Ihre Sehnsucht schreit nicht laut hinaus, sie wächst und nimmt nach und nach mehr Raum ein, tief in ihr, Tag für Tag, drängend und unausweichlich.



Eine Geschichte von großer emotionaler Wucht. Eine Geschichte über die Suche nach dem Selbst und individueller Freiheit. Eine Geschichte über das, was bleibt, wenn die Wellen sich glätten – und über das, was immer weiterruft.

Ellida Wangel: eine Frau, gefangen in der Enge eines konventionellen Lebens, getrieben von einer unbändigen, unbestimmten Sehnsucht – einer Sehnsucht nach etwas, das sie selbst nicht ganz greifen oder benennen kann. Immer wieder treiben die Gedanken der Arztfrau hinaus zum Wasser, zum wilden Ozean, zum Offenen: zu einer Vergangenheit, die sie nicht loslässt. Erstickt von der Sicherheit und Fürsorge ihres Ehemanns, findet sie sich verfolgt von der Erinnerung an eine alte Liebe. Ein Seemann, der ihr einst ein Versprechen abnahm, ist nach Jahren zurückgekehrt. Und Ellida gelangt an einen Wendepunkt, der ihr Leben und das ihrer Familie für immer verändern kann.



DIEFRAUVOMMEER stellt Fragen von existenzieller Dringlichkeit. Was bedeutet es, ein selbstbestimmtes Leben zu führen? Wie viel Freiheit erträgt eine Beziehung? Und kann man sich je ganz von der Vergangenheit lösen?



Es geht um Autonomie, das Recht auf einen eigenen Weg, unabhängig von gesellschaftlichen Erwartungen. Doch während Ibsens Protagonistinnen diesen Kampf sonst oft mit Trotz oder offener Rebellion führen, ist Ellidas Konflikt leiser, innerlicher. Ihre Sehnsucht schreit nicht laut hinaus, sie wächst und nimmt nach und nach mehr Raum ein, tief in ihr, Tag für Tag, drängend und unausweichlich.



Eine Geschichte von großer emotionaler Wucht. Eine Geschichte über die Suche nach dem Selbst und individueller Freiheit. Eine Geschichte über das, was bleibt, wenn die Wellen sich glätten – und über das, was immer weiterruft.

Liebe Fans, lasst die Sektkorken knallen, werft Konfetti und tanzt auf den Tischen! Es gibt großartige News von Überflieger Alexander Eder: Nicht nur, dass der Mann mit der tiefen Stimme noch für diesen Herbst sein neues Album "Quer durch die Bank" angekündigt hat und mit "Der Doktor hat gesagt" und "Julia und Romeo" gleich zwei Releases als Vorgeschmack vom Stapel lässt, wird er mit seiner genialen Band 2026 auch auf große "Quer durch die Bank"-Tournee durch Österreich, Deutschland und die Schweiz gehen. Mit im Gepäck seine großen Hits wie "7 Stunden", "Für diesen Moment", "Ganz normal gestört", "Mehr als Freundschaft", "Therapie", "Der allerletzte Tanz" uvm. sowie die Songs vom neuen Album "Quer durch die Bank".



Der Titel ist dabei Programm, so ein bisschen "Quer durch die Bank – mit dem Kopf durch die Wand", schmunzelt Alexander Eder, und fügt hinzu: "Das beschreibt uns als Typen einfach sehr gut!"



Bereits seine erste "Die nicht ganz Normal"-Tournee bescherte Alexander Eder ausverkaufte Hallen und hinterließ bei den Fans bleibenden Eindruck und Euphorie, denn bei Eder-Konzerten geht es so richtig zur Sache: "Wir mögen‘s einfach laut und nehmen uns selbst und das Leben nicht zu ernst – und diese Fröhlichkeit und Ausgelassenheit möchten wir auch auf unsere Fans übertragen. Wir freuen uns einfach, mit den Leuten ‚durchzudrehen‘ und zwei Stunden lang einfach mal die Welt und all die Sorgen da draußen zu vergessen und gemeinsam eine geile Zeit zu verbringen!"



Mit "Quer durch die Bank" setzt Alexander Eder seine beeindruckende Karriere unaufhaltsam fort, die nur eine Richtung kennt: aufwärts. Auch auf Social Media spielt Alexander Eder in der absoluten Topliga mit 3,2 Millionen TikTok Fans, 900.000 Spotify Followern, fast 720.000 auf Instagram, rund 315.000 auf Facebook und über 310.000 auf Youtube.



Am meisten liebt er es aber, gemeinsam mit seiner Band live auf der Bühne zu stehen. "Ich freu mich schon riesig, mit der ganze Crew wieder on the road zu sein – das ist wie eine Klassenfahrt mit Freunden. Die letzte Tournee war einfach ein Wahnsinn!"



Das war auch der einhellige Tenor der Fans – also rasch Tickets sichern!

Hanskaspas Enkel (Zündschnur Ulli Troy und seine beiden Cousins Richard und Jos Natter) unterstützen die Pfarre St. Kolumban bei ihrem großen Sanierungsprojekt mit einem Benefizkonzert und haben wie üblich schräge, ausgefallene und "schwarz-humörige" Lieder im Gepäck.

Elena Uhlig und Fritz Karl, das beliebte Schauspielerpaar, präsentieren mit "Beziehungsstatus: erledigt" einen humorvollen und tiefsinnigen Abend über die Höhen und Tiefen des Beziehungslebens. Das Programm bietet eine abwechslungsreiche Mischung aus Texten von Erich Kästner, Kurt Tucholski, Paulo Coelho und Elena Uhlig selbst. Dabei taucht das Publikum schnell in die facettenreichen Geschichten verschiedenster Paare ein, in denen harmlose Gespräche oft zu dramatisch-komischen Ereignissen eskalieren.

Uhlig und Karl bringen mit viel Spielfreude und Schabernack die ganze Bandbreite der Liebe auf die Bühne – von leidenschaftlicher Verliebtheit über grotesk komische Eheprobleme bis hin zu denheiteren Abgründen des Trennungsschmerzes. "Beziehungsstatus: erledigt" garantiert einen kurzweiligen,unterhaltsamen Abend voller Lachen und Nachdenklichkeit, der mit viel Szenenapplaus belohnt wird. Ein Muss für alle, die große Schauspielkunst und pointierte Texte lieben!

Elena Uhlig und Fritz Karl, das beliebte Schauspielerpaar, präsentieren mit "Beziehungsstatus: erledigt" einen humorvollen und tiefsinnigen Abend über die Höhen und Tiefen des Beziehungslebens. Das Programm bietet eine abwechslungsreiche Mischung aus Texten von Erich Kästner, Kurt Tucholski, Paulo Coelho und Elena Uhlig selbst. Dabei taucht das Publikum schnell in die facettenreichen Geschichten verschiedenster Paare ein, in denen harmlose Gespräche oft zu dramatisch-komischen Ereignissen eskalieren.

Uhlig und Karl bringen mit viel Spielfreude und Schabernack die ganze Bandbreite der Liebe auf die Bühne – von leidenschaftlicher Verliebtheit über grotesk komische Eheprobleme bis hin zu denheiteren Abgründen des Trennungsschmerzes. "Beziehungsstatus: erledigt" garantiert einen kurzweiligen,unterhaltsamen Abend voller Lachen und Nachdenklichkeit, der mit viel Szenenapplaus belohnt wird. Ein Muss für alle, die große Schauspielkunst und pointierte Texte lieben!

Ellida Wangel: eine Frau, gefangen in der Enge eines konventionellen Lebens, getrieben von einer unbändigen, unbestimmten Sehnsucht – einer Sehnsucht nach etwas, das sie selbst nicht ganz greifen oder benennen kann. Immer wieder treiben die Gedanken der Arztfrau hinaus zum Wasser, zum wilden Ozean, zum Offenen: zu einer Vergangenheit, die sie nicht loslässt. Erstickt von der Sicherheit und Fürsorge ihres Ehemanns, findet sie sich verfolgt von der Erinnerung an eine alte Liebe. Ein Seemann, der ihr einst ein Versprechen abnahm, ist nach Jahren zurückgekehrt. Und Ellida gelangt an einen Wendepunkt, der ihr Leben und das ihrer Familie für immer verändern kann.



DIEFRAUVOMMEER stellt Fragen von existenzieller Dringlichkeit. Was bedeutet es, ein selbstbestimmtes Leben zu führen? Wie viel Freiheit erträgt eine Beziehung? Und kann man sich je ganz von der Vergangenheit lösen?



Es geht um Autonomie, das Recht auf einen eigenen Weg, unabhängig von gesellschaftlichen Erwartungen. Doch während Ibsens Protagonistinnen diesen Kampf sonst oft mit Trotz oder offener Rebellion führen, ist Ellidas Konflikt leiser, innerlicher. Ihre Sehnsucht schreit nicht laut hinaus, sie wächst und nimmt nach und nach mehr Raum ein, tief in ihr, Tag für Tag, drängend und unausweichlich.



Eine Geschichte von großer emotionaler Wucht. Eine Geschichte über die Suche nach dem Selbst und individueller Freiheit. Eine Geschichte über das, was bleibt, wenn die Wellen sich glätten – und über das, was immer weiterruft.

Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Die Geschichte des Handels ist eine Geschichte der Verflechtungen – von Märkten und Menschen, von kolonialen Strukturen, globaler Ausbeutung und kultureller Aneignung. Mit dem Musiktheaterstück WAXTRADERS (AT) verschiebt die GROUP50:50 den Fokus von Zahlen und Handelsbilanzen auf die Stimmen jener, die textilen Stoffen Leben eingehaucht haben.

Über zwei Jahrhunderte erstreckt sich die Erzählung, die von den Baumwoll- und Tuchmärkten Europas bis in die Märkte, Schneidereien und Straßen der heutigen Metropolen in West- und Zentralafrika reicht.

Es begann als koloniale Handelsware: europäische Stoffe, produziert für den afrikanischen Markt, etwa in Form der Indiennes, die im 18. Jahrhundert gegen Sklaven getauscht wurden, oder der Waxstoffe, produziert in der Schweiz und vertrieben von der Handelsgesellschaft der Basler Mission. In westafrikanischen Händen wurden die Stoffe zum verbindenden Element einer eigenständigen Mode- und Kulturbewegung. WAXTRADERS erzählt die Geschichten der Menschen dahinter: von den legendären Traderinnen, die in den 1960er Jahren die westafrikanischen Märkte beherrschten, bis hin zu jenen, die sich heute in einer von Billigimporten überfluteten Wirtschaft behaupten.

Mit seiner Mischung aus Musik, Performance und dokumentarischem Material wird WAXTRADERS zu einem musikalischen Archiv jener, die den Stoffen ihren Wert gaben – und oft unsichtbar blieben. Die Musik schöpft aus den Archiven westafrikanischer Popmusik, kombiniert mit neuen Kompositionen, die in Zusammenarbeit mit Musikschaffenden aus Ghana und der Demokratischen Republik Kongo entstanden sind. Mode und Kostüme spielen eine zentrale Rolle:
Verwendet werden Waxprints, deren Muster auch politisch lesbar sind – als Symbole für Macht, Widerstand und kulturelle Identität.

Das Musiktheaterstück ist Teil des größeren Projekts WAX UNITED (AT), das sich multidisziplinär mit den kolonialen und postkolonialen Handelsverflechtungen zwischen Europa und Westafrika auseinandersetzt.

Die Geschichte des Handels ist eine Geschichte der Verflechtungen – von Märkten und Menschen, von kolonialen Strukturen, globaler Ausbeutung und kultureller Aneignung. Mit dem Musiktheaterstück WAXTRADERS (AT) verschiebt die GROUP50:50 den Fokus von Zahlen und Handelsbilanzen auf die Stimmen jener, die textilen Stoffen Leben eingehaucht haben.

Über zwei Jahrhunderte erstreckt sich die Erzählung, die von den Baumwoll- und Tuchmärkten Europas bis in die Märkte, Schneidereien und Straßen der heutigen Metropolen in West- und Zentralafrika reicht.

Es begann als koloniale Handelsware: europäische Stoffe, produziert für den afrikanischen Markt, etwa in Form der Indiennes, die im 18. Jahrhundert gegen Sklaven getauscht wurden, oder der Waxstoffe, produziert in der Schweiz und vertrieben von der Handelsgesellschaft der Basler Mission. In westafrikanischen Händen wurden die Stoffe zum verbindenden Element einer eigenständigen Mode- und Kulturbewegung. WAXTRADERS erzählt die Geschichten der Menschen dahinter: von den legendären Traderinnen, die in den 1960er Jahren die westafrikanischen Märkte beherrschten, bis hin zu jenen, die sich heute in einer von Billigimporten überfluteten Wirtschaft behaupten.

Mit seiner Mischung aus Musik, Performance und dokumentarischem Material wird WAXTRADERS zu einem musikalischen Archiv jener, die den Stoffen ihren Wert gaben – und oft unsichtbar blieben. Die Musik schöpft aus den Archiven westafrikanischer Popmusik, kombiniert mit neuen Kompositionen, die in Zusammenarbeit mit Musikschaffenden aus Ghana und der Demokratischen Republik Kongo entstanden sind. Mode und Kostüme spielen eine zentrale Rolle:
Verwendet werden Waxprints, deren Muster auch politisch lesbar sind – als Symbole für Macht, Widerstand und kulturelle Identität.

Das Musiktheaterstück ist Teil des größeren Projekts WAX UNITED (AT), das sich multidisziplinär mit den kolonialen und postkolonialen Handelsverflechtungen zwischen Europa und Westafrika auseinandersetzt.

Die Geschichte des Handels ist eine Geschichte der Verflechtungen – von Märkten und Menschen, von kolonialen Strukturen, globaler Ausbeutung und kultureller Aneignung. Mit dem Musiktheaterstück WAXTRADERS (AT) verschiebt die GROUP50:50 den Fokus von Zahlen und Handelsbilanzen auf die Stimmen jener, die textilen Stoffen Leben eingehaucht haben.

Über zwei Jahrhunderte erstreckt sich die Erzählung, die von den Baumwoll- und Tuchmärkten Europas bis in die Märkte, Schneidereien und Straßen der heutigen Metropolen in West- und Zentralafrika reicht.

Es begann als koloniale Handelsware: europäische Stoffe, produziert für den afrikanischen Markt, etwa in Form der Indiennes, die im 18. Jahrhundert gegen Sklaven getauscht wurden, oder der Waxstoffe, produziert in der Schweiz und vertrieben von der Handelsgesellschaft der Basler Mission. In westafrikanischen Händen wurden die Stoffe zum verbindenden Element einer eigenständigen Mode- und Kulturbewegung. WAXTRADERS erzählt die Geschichten der Menschen dahinter: von den legendären Traderinnen, die in den 1960er Jahren die westafrikanischen Märkte beherrschten, bis hin zu jenen, die sich heute in einer von Billigimporten überfluteten Wirtschaft behaupten.

Mit seiner Mischung aus Musik, Performance und dokumentarischem Material wird WAXTRADERS zu einem musikalischen Archiv jener, die den Stoffen ihren Wert gaben – und oft unsichtbar blieben. Die Musik schöpft aus den Archiven westafrikanischer Popmusik, kombiniert mit neuen Kompositionen, die in Zusammenarbeit mit Musikschaffenden aus Ghana und der Demokratischen Republik Kongo entstanden sind. Mode und Kostüme spielen eine zentrale Rolle:
Verwendet werden Waxprints, deren Muster auch politisch lesbar sind – als Symbole für Macht, Widerstand und kulturelle Identität.

Das Musiktheaterstück ist Teil des größeren Projekts WAX UNITED (AT), das sich multidisziplinär mit den kolonialen und postkolonialen Handelsverflechtungen zwischen Europa und Westafrika auseinandersetzt.

Yonatan Esterkin nach Asher Kravitz
Inszenierung: Stefan Otteni

Shosha ist eine Hündin. Und sie ist jüdisch. Zumindest sagen das die Menschen, bei denen sie lebt: ihre Familie, die sie liebt. Sie gehört zu ihr, sie gibt Shosha Sicherheit; sie kennt ihre Stimmen, ihre Gerüche, ihren Alltag. Doch etwas verändert sich, im Deutschland der 1930er Jahre. Erst ist es nur ein Tonfall. Dann ein Gesetz. Dann ein Schild am Zaun. Nachbarn schweigen, Türen fallen ins Schloss. Shosha wird von ihrer Familie getrennt, wird weitergereicht, erlebt Fürsorge, Missbrauch, Nähe und Entfremdung. Und wird dabei zum Spiegel einer Welt, in der sich Menschlichkeit Stück für Stück auflöst: eine still erlebende Figur am Rand einer entfesselten Geschichte, die in den Abgrund der Shoah führt.

SHOSHA, nach dem Roman A Jewish Dog von Asher Kravitz, erzählt die Jahre des Nationalsozialismus aus der Perspektive eines Tieres und macht so auf ungewöhnliche Weise erfahrbar, was oft sprachlos macht. Es geht um Ausgrenzung und um Loyalität, um die Frage, wer wir sind und wer wir sein dürfen. Shoshas Hundeblick ist klar, offen, frei von Hass. Sie urteilt nicht. Und gerade deshalb zeigt ihre Perspektive mit erschütternder Deutlichkeit, was passiert, wenn Menschen beginnen, einander die Menschlichkeit abzusprechen. Wenn sie aufhören, sich als Gleiche zu sehen.

Unsere Inszenierung richtet sich an ein jugendliches und erwachsenes Publikum und erzählt eine Geschichte von Verlust, aber auch von Treue, von Mut und der Sehnsucht, irgendwann und irgendwo wieder Hoffnung und Heimat zu finden.

Mutter stirbt jeden Tag – und steht dann einfach wieder auf! Denn Mutter ist Opernsängerin und ihre vielen Tode auf der Bühne nur Teil der fantastischen Inszenierungen, in denen sie auftritt. Mal haucht sie theatralisch als elegante Diva ihr Leben aus, mal endet sie als böse Hexe im Ofen oder fällt tragischen Verwicklungen zum Opfer. Und genießt anschließend strahlend den verdienten Applaus!

In Carla Haslbauers Bilderbuch DIE TODE MEINER MUTTER, für die Bühne adaptiert von Daniela Egger, geht es nicht um Endlichkeit, sondern um die Freude an der Verwandlung und Verkleidung, um den Spaß am Spiel mit unterschiedlichen Charakteren – und die manchmal unbegreiflichen Dinge, die Eltern außerhalb des Familienlebens so tun.

Wechselnde Rollen, fantastische Bilder, unerwartete Wendungen und Wandlungen – das ganze bunte, volle Leben der Bühnenwelt bringt mit Witz und Charme die Erkenntnis: Menschsein heißt Vielfalt, nichts ist in Stein gemeißelt, alles kann sich verändern, nach einem Abschied kommt ein Wiedersehen, nach Tränen auch irgendwann wieder ein lautes Lachen.

Für kleine Zuschauerinnen und Zuschauer ist das Stück ein mitreißendes Theatererlebnis voller Humor und Überraschungen, für die Großen ein feinsinniges Gedankenspiel über die Möglichkeit, sich immer wieder neu zu erfinden.

DIE TODE MEINER MUTTER von Carla Haslbauer, für die Bühne bearbeitet von Daniela Egger

Mit Bettina Wechselberger / Rebecca Hammermüller / Arndt Rausch
Inszenierung: Michael S. Wilhelmer / Musikalisches Konzept: Bettina Wechselberger / Musikalische Leitung und Klavier: Arndt Rausch / Bühne und Kostüm: Luisa Costales Pérez-Enciso / Licht: Simon Prantner

Mutter stirbt jeden Tag – und steht dann einfach wieder auf! Denn Mutter ist Opernsängerin und ihre vielen Tode auf der Bühne nur Teil der fantastischen Inszenierungen, in denen sie auftritt. Mal haucht sie theatralisch als elegante Diva ihr Leben aus, mal endet sie als böse Hexe im Ofen oder fällt tragischen Verwicklungen zum Opfer. Und genießt anschließend strahlend den verdienten Applaus!

In Carla Haslbauers Bilderbuch DIE TODE MEINER MUTTER, für die Bühne adaptiert von Daniela Egger, geht es nicht um Endlichkeit, sondern um die Freude an der Verwandlung und Verkleidung, um den Spaß am Spiel mit unterschiedlichen Charakteren – und die manchmal unbegreiflichen Dinge, die Eltern außerhalb des Familienlebens so tun.

Wechselnde Rollen, fantastische Bilder, unerwartete Wendungen und Wandlungen – das ganze bunte, volle Leben der Bühnenwelt bringt mit Witz und Charme die Erkenntnis: Menschsein heißt Vielfalt, nichts ist in Stein gemeißelt, alles kann sich verändern, nach einem Abschied kommt ein Wiedersehen, nach Tränen auch irgendwann wieder ein lautes Lachen.

Für kleine Zuschauerinnen und Zuschauer ist das Stück ein mitreißendes Theatererlebnis voller Humor und Überraschungen, für die Großen ein feinsinniges Gedankenspiel über die Möglichkeit, sich immer wieder neu zu erfinden.

DIE TODE MEINER MUTTER von Carla Haslbauer, für die Bühne bearbeitet von Daniela Egger

Mit Bettina Wechselberger / Rebecca Hammermüller / Arndt Rausch
Inszenierung: Michael S. Wilhelmer / Musikalisches Konzept: Bettina Wechselberger / Musikalische Leitung und Klavier: Arndt Rausch / Bühne und Kostüm: Luisa Costales Pérez-Enciso / Licht: Simon Prantner

Die Nacht ist warm und voller Magie, der Wald geheimnisvoll, Schatten flüstern, Licht tanzt zwischen den Bäumen: In Shakespeares Sommernachtstraum vermengen sich Traum und Wirklichkeit, Lust und Verwirrung, Ordnung und Anarchie. Die Liebe stolpert, taumelt, findet sich neu – nichts bleibt, wie es war.

Vier junge Menschen zieht es in den Wald, getrieben von Sehnsucht und Neugier, von Leidenschaft und Eifersucht, von Gefühlen, die sie selbst nicht vollständig zu fassen vermögen. Sie suchen sich, verlieren sich, werden manipuliert und getäuscht. Währenddessen geraten die Feenkönigin Titania und ihr Gemahl Oberon in einen Machtkampf, der auch die Menschen seinem Zauber unterwirft, sie in einen Strudel zieht, ihre Welt aus den Angeln hebt. Und mittendrin: eine Truppe von Handwerkern, die versuchen, ein Theaterstück aufzuführen – eine groteske Parodie auf die große Tragödie der Liebe, während um sie herum das Chaos tobt.

Doch so traumverloren dieser Wald auch scheint: Die Zauberei entlarvt nur, was in den Menschen ohnehin schon schlummert. Sie verstärkt, verwirrt, bringt ans Licht, was im Verborgenen liegt. Und Shakespeare spielt mit den Regeln der Gesellschaft – er bricht sie, dreht sie ins Absurde, verwirft sie, nur um sie am Ende doch wieder einzufangen. Die Liebenden kehren zurück in ihre Welt, aber sie haben den Wald durchquert, sie haben sich gesehen, verwandelt, erfahren, dass Liebe kein fester Zustand ist, sondern ein ständiges Werden.

EIN SOMMERNACHTSTRAUM ist ein Tanz auf dem schmalen Grat zwischen Vernunft und Ekstase, zwischen Kontrolle und Hingabe. Die Welt verlangt nach Ordnung – doch die Liebe folgt nur ihren eigenen Gesetzen.

Die Nacht ist warm und voller Magie, der Wald geheimnisvoll, Schatten flüstern, Licht tanzt zwischen den Bäumen: In Shakespeares Sommernachtstraum vermengen sich Traum und Wirklichkeit, Lust und Verwirrung, Ordnung und Anarchie. Die Liebe stolpert, taumelt, findet sich neu – nichts bleibt, wie es war.

Vier junge Menschen zieht es in den Wald, getrieben von Sehnsucht und Neugier, von Leidenschaft und Eifersucht, von Gefühlen, die sie selbst nicht vollständig zu fassen vermögen. Sie suchen sich, verlieren sich, werden manipuliert und getäuscht. Währenddessen geraten die Feenkönigin Titania und ihr Gemahl Oberon in einen Machtkampf, der auch die Menschen seinem Zauber unterwirft, sie in einen Strudel zieht, ihre Welt aus den Angeln hebt. Und mittendrin: eine Truppe von Handwerkern, die versuchen, ein Theaterstück aufzuführen – eine groteske Parodie auf die große Tragödie der Liebe, während um sie herum das Chaos tobt.

Doch so traumverloren dieser Wald auch scheint: Die Zauberei entlarvt nur, was in den Menschen ohnehin schon schlummert. Sie verstärkt, verwirrt, bringt ans Licht, was im Verborgenen liegt. Und Shakespeare spielt mit den Regeln der Gesellschaft – er bricht sie, dreht sie ins Absurde, verwirft sie, nur um sie am Ende doch wieder einzufangen. Die Liebenden kehren zurück in ihre Welt, aber sie haben den Wald durchquert, sie haben sich gesehen, verwandelt, erfahren, dass Liebe kein fester Zustand ist, sondern ein ständiges Werden.

EIN SOMMERNACHTSTRAUM ist ein Tanz auf dem schmalen Grat zwischen Vernunft und Ekstase, zwischen Kontrolle und Hingabe. Die Welt verlangt nach Ordnung – doch die Liebe folgt nur ihren eigenen Gesetzen.

Die Nacht ist warm und voller Magie, der Wald geheimnisvoll, Schatten flüstern, Licht tanzt zwischen den Bäumen: In Shakespeares Sommernachtstraum vermengen sich Traum und Wirklichkeit, Lust und Verwirrung, Ordnung und Anarchie. Die Liebe stolpert, taumelt, findet sich neu – nichts bleibt, wie es war.

Vier junge Menschen zieht es in den Wald, getrieben von Sehnsucht und Neugier, von Leidenschaft und Eifersucht, von Gefühlen, die sie selbst nicht vollständig zu fassen vermögen. Sie suchen sich, verlieren sich, werden manipuliert und getäuscht. Währenddessen geraten die Feenkönigin Titania und ihr Gemahl Oberon in einen Machtkampf, der auch die Menschen seinem Zauber unterwirft, sie in einen Strudel zieht, ihre Welt aus den Angeln hebt. Und mittendrin: eine Truppe von Handwerkern, die versuchen, ein Theaterstück aufzuführen – eine groteske Parodie auf die große Tragödie der Liebe, während um sie herum das Chaos tobt.

Doch so traumverloren dieser Wald auch scheint: Die Zauberei entlarvt nur, was in den Menschen ohnehin schon schlummert. Sie verstärkt, verwirrt, bringt ans Licht, was im Verborgenen liegt. Und Shakespeare spielt mit den Regeln der Gesellschaft – er bricht sie, dreht sie ins Absurde, verwirft sie, nur um sie am Ende doch wieder einzufangen. Die Liebenden kehren zurück in ihre Welt, aber sie haben den Wald durchquert, sie haben sich gesehen, verwandelt, erfahren, dass Liebe kein fester Zustand ist, sondern ein ständiges Werden.

EIN SOMMERNACHTSTRAUM ist ein Tanz auf dem schmalen Grat zwischen Vernunft und Ekstase, zwischen Kontrolle und Hingabe. Die Welt verlangt nach Ordnung – doch die Liebe folgt nur ihren eigenen Gesetzen.