«Jesu, meine Freude» – Bachs wohl großartigster Beitrag zur unbegleiteten Chormusik – umgeben von Werken aus dem «Altbachischen Archiv », dargeboten von Vox Luminis. Die strahlenden Stimmen haben sich in der Alte-Musik-Szene nicht zuletzt durch zahlreiche prämierte CD-Einspielungen sowie als Artist in Residence am Concertgebouw Brugge verdient gemacht und feiern mit diesem Konzert ihr Debüt bei den Innsbrucker Festwochen.

Das «Altbachische Archiv » enthält etwa 20 Motetten und eine Reihe von Kantaten, die auf mehrere Generationen der Familie Bach zurückgehen. Diese bemerkenswerte Sammlung belegt Johann Sebastian Bachs Kenntnis des musikalischen Erbes seiner weitverstreuten Familie. Der berühmteste Komponist der Familie vererbte sie, nachdem er selbst daran weitergearbeitet hatte, an seinen Sohn Carl Philipp Emanuel, der sie wie einen Schatz gehütet und liebevoll «mein altes Bachisches Archiv» genannt haben soll. Aus seinem Nachlass wurde das «Altbachische Archiv» über Umwege schließlich der Sing-Akademie zu Berlin übereignet.

Programm

Werke von
Johann, Johann Michael, Johann Christoph, Johann Ludwig und Johann Sebastian Bach

Künstler*innen

Lionel Meunier
Musikalische Leitung

Vox Luminis
Ensemble

Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln

Tommaso Traetta gilt, gemeinsam mit Niccolò Jommelli, als einer der bedeutendsten Repräsentanten der Spätzeit der Neapolitanischen Schule. Obwohl er bei seinem Tod 1779 zu den renommiertesten Opernkomponisten seiner Zeit zählte, ist sein Œuvre heute weitgehend in Vergessenheit geraten. Dabei war er für die Reformbestrebungen der 1760er- und 70erJahre ähnlich bedeutend wie Christoph Willibald Gluck, dessen bühnendramatisches Schaffen heutzutage mit dem Übergang von der Opera seria zum musikalischen Drama assoziiert wird. Bereits ein Jahr nachdem Gluck mit «Orfeo ed Euridice» seine erste Reformoper zur Uraufführung gebracht hatte, präsentierte Traetta am 4. Oktober 1763 im Theater der kaiserlichen Sommerresidenz Schönbrunn seine auf ein Libretto von Marco Coltellini komponierte «Ifigenia in Tauride». Es ist ein Werk, das sich im ausgehenden 18. Jahrhundert großer Beliebtheit erfreute.

Tommaso Traettas Musik zu «Ifigenia in Tauride» ist von besonderer Güte und reicht von Pilades brillanter Eröffnungsarie «Stelle irate, il caro amico», bis hin zu Ifigenias kantablem «So, che pietà de’ miseri», worin sogar eine gewisse elegante Fröhlichkeit mitschwingen darf. In der Oper sind Elemente des französischen Musiktheaters – eines der Merkmale besagter Opernreform – zu finden. So z. B. die Schlafszene von Oreste, in der er von den Furien gequält wird («Dormi, Oreste») bzw. überhaupt die ausgeprägte Präsenz des Chors in verschiedenen Formen. Dennoch hat «Ifigenia in Tauride» auch viel mit der Tradition der italienischen Opera seria gemein: So gibt es etwa mehrere Rachearien bzw. «arie di furia» und ein Abgangsduett, wie es typischerweise dem Hauptpaar der Liebenden vorbehalten ist («Il mio destin non piangere»). Hier jedoch wird dieses – in Ermangelung eines ebensolchen – von Ifigenia und Dori gegeben.

Für die musikalische Umsetzung des zweiten Teils unserer Opern-Fortsetzungsgeschichte konnte Christophe Rousset und sein Ensemble Les Talens Lyriques gewonnen werden, die seit ihrer Gesamteinspielung von Traettas «Antigona» (L’Oiseau-Lyre, 2000) als Advokaten dieses unbedingt wiederentdeckungswerten großen Komponisten gelten. In die Rolle der Ifigenia schlüpft hier die spanische Sopranistin Rocío Pérez, die erst kürzlich mit Roussets «lyrischen Talenten» in Cimarosas «L’Olimpiade» im Theater an der Wien zu erleben war. Den Oreste gibt Rafael Tomkiewicz (Neubesetzung), während die düstere Gestalt des Toante durch den australischen Tenor Alasdair Kent verkörpert wird. Hinzu kommen die Sopranistinnen Karolina Bengtsson als Dori und Suzanne Jerosme (zuletzt bei den Festwochen 2023 in Traettas «Oratorium Rex Salomon ») als deren Geliebter Pilade. Die Inszenierung obliegt der vielgefragten deutschen Regisseurin Nicola Raab.

Leading Team

Christophe Rousset
Musikalische Leitung

Nicola Raab
Regie

Madeleine Boyd
Bühne & Kostüme

Ensemble

Rocío Pérez
Sopran | Ifigenia

Rafał Tomkiewicz
Countertenor | Oreste

Alasdair Kent
Tenor | Toante

Suzanne Jerosme
Sopran | Pilade

Karolina Bengtsson
Sopran | Dori

Les Talens Lyriques
Orchester

NovoCanto
Chor

Aufführung in italienischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln

Tommaso Traetta gilt, gemeinsam mit Niccolò Jommelli, als einer der bedeutendsten Repräsentanten der Spätzeit der Neapolitanischen Schule. Obwohl er bei seinem Tod 1779 zu den renommiertesten Opernkomponisten seiner Zeit zählte, ist sein Œuvre heute weitgehend in Vergessenheit geraten. Dabei war er für die Reformbestrebungen der 1760er- und 70erJahre ähnlich bedeutend wie Christoph Willibald Gluck, dessen bühnendramatisches Schaffen heutzutage mit dem Übergang von der Opera seria zum musikalischen Drama assoziiert wird. Bereits ein Jahr nachdem Gluck mit «Orfeo ed Euridice» seine erste Reformoper zur Uraufführung gebracht hatte, präsentierte Traetta am 4. Oktober 1763 im Theater der kaiserlichen Sommerresidenz Schönbrunn seine auf ein Libretto von Marco Coltellini komponierte «Ifigenia in Tauride». Es ist ein Werk, das sich im ausgehenden 18. Jahrhundert großer Beliebtheit erfreute.

Tommaso Traettas Musik zu «Ifigenia in Tauride» ist von besonderer Güte und reicht von Pilades brillanter Eröffnungsarie «Stelle irate, il caro amico», bis hin zu Ifigenias kantablem «So, che pietà de’ miseri», worin sogar eine gewisse elegante Fröhlichkeit mitschwingen darf. In der Oper sind Elemente des französischen Musiktheaters – eines der Merkmale besagter Opernreform – zu finden. So z. B. die Schlafszene von Oreste, in der er von den Furien gequält wird («Dormi, Oreste») bzw. überhaupt die ausgeprägte Präsenz des Chors in verschiedenen Formen. Dennoch hat «Ifigenia in Tauride» auch viel mit der Tradition der italienischen Opera seria gemein: So gibt es etwa mehrere Rachearien bzw. «arie di furia» und ein Abgangsduett, wie es typischerweise dem Hauptpaar der Liebenden vorbehalten ist («Il mio destin non piangere»). Hier jedoch wird dieses – in Ermangelung eines ebensolchen – von Ifigenia und Dori gegeben.

Für die musikalische Umsetzung des zweiten Teils unserer Opern-Fortsetzungsgeschichte konnte Christophe Rousset und sein Ensemble Les Talens Lyriques gewonnen werden, die seit ihrer Gesamteinspielung von Traettas «Antigona» (L’Oiseau-Lyre, 2000) als Advokaten dieses unbedingt wiederentdeckungswerten großen Komponisten gelten. In die Rolle der Ifigenia schlüpft hier die spanische Sopranistin Rocío Pérez, die erst kürzlich mit Roussets «lyrischen Talenten» in Cimarosas «L’Olimpiade» im Theater an der Wien zu erleben war. Den Oreste gibt Rafael Tomkiewicz (Neubesetzung), während die düstere Gestalt des Toante durch den australischen Tenor Alasdair Kent verkörpert wird. Hinzu kommen die Sopranistinnen Karolina Bengtsson als Dori und Suzanne Jerosme (zuletzt bei den Festwochen 2023 in Traettas «Oratorium Rex Salomon ») als deren Geliebter Pilade. Die Inszenierung obliegt der vielgefragten deutschen Regisseurin Nicola Raab.

Leading Team

Christophe Rousset
Musikalische Leitung

Nicola Raab
Regie

Madeleine Boyd
Bühne & Kostüme

Ensemble

Rocío Pérez
Sopran | Ifigenia

Rafał Tomkiewicz
Countertenor | Oreste

Alasdair Kent
Tenor | Toante

Suzanne Jerosme
Sopran | Pilade

Karolina Bengtsson
Sopran | Dori

Les Talens Lyriques
Orchester

NovoCanto
Chor

HARD SUMMER NIGHT Festival II

Der Metal geht zum zweiten mal ins SNKT BRTLM!

(St. Bartlmä 3/Halle 6)

Zum Ende der Festwochen steht das große Finale an: Der Wettbewerb für Barockoperngesang «Pietro Antonio Cesti».

Nach den Vorrunden müssen sich im Finalkonzert die besten Teilnehmer*innen des Wettbewerbs noch einmal Jury und Publikum stellen, im Wettstreit um die begehrten Preise. Die talentiertesten Kandidat*innen dürfen unter anderem auf eine Teilnahme bei der Barockoper:Jung 2026 hoffen. Dem Publikum im Großen Saal im Haus der Musik kommt ebenfalls eine maßgebliche Rolle zu: Die Abstimmung zum Publikumspreis.

Längst hat sich der Cesti-Wettbewerb zum Sprungbrett für internationale Gesangskarrieren entwickelt. Ehemalige Preisträger*innen wie Sophie Rennert, Emöke Baráth, Rupert Charlesworth oder Arianna Vendittelli singen inzwischen auf den gefragtesten Konzertbühnen der Welt. Und die Stars von morgen warten schon!

Programm

Arien aus
«Atalanta» von Georg Friedrich Händel u. a. m.

Künstler*innen

Finalist*innen des Wettbewerbs

Andrea Buccarella
Musikalischer Leiter

Barockorchester:Jung

Das einzigartige Konzept funktioniert so:

Jeder Teilnehmerin erhält einen kabellosen Kopfhörer und kann zwischen zwei unterschiedlichen Kanälen wählen.

Ob House, Electronic, HipHop & Pop oder Alternative, Indie & Rock:

It‘s totally up to you. Time to dance

Liebe Freundinnen und Freunde der Innsbrucker Hofmusik!

Wir dürfen dankbar auf 14 erfolgreiche Projekte im Rahmen unserer 2022 gegründeten und von den Tiroler Landesmuseen getragenen Konzertreihe zurückblicken. Nun gehen wir in unsere dritte Saison. Innerhalb kürzester Zeit wurde aus einem Sonderprojekt ein Fixpunkt in der Welt der Alten Musik. Die Innsbrucker Hofmusik gab dem Originalschauplatz Hofkirche nach Jahrhunderten wieder seine Stimme zurück und erspielte sich damit ein treues Stammpublikum.

Im Verlauf unserer intensiven Arbeit haben wir gelernt, die Hofkirche in ihrer Gesamtheit als unser eigentliches Musikinstrument zu verstehen. Dieser Ort mit seinen weltberühmten Renaissanceorgeln, dem erhaltenen Instrumentarium, zahlreichen noch zu entdeckenden Originalkompositionen sowie einer erstklassigen Musikgeschichte ist ein unvergleichliches Gesamtkunstwerk, zu dessen Vervollkommnung die Musiker*innen des Ensembles der Innsbrucker Hofmusik ständig aufs Neue einen Beitrag leisten.

Musikalisch entführt uns die kommende Saison an historische Schauplätze exquisiter Musikpflege wie den Wiener Kaiserhof, den Kaiserdom in Frankfurt, den bischöflichen Hof von Passau oder Klöster wie Marienberg und das Haller Damenstift.

Kooperationen führen das Ensemble der Innsbrucker Hofmusik in diesem Jahr zu den Festivals MilanoArteMusica, Füssener Festtage Alter Musik, SüdtirolFestival Meran, Horizonte Landeck, Trento MusicaAntica, in die Stiftskirchen von Marienberg und Innichen und nach Kitzbühel. Höhepunkte des bevorstehenden Jahres sind sicherlich das Oratorium „La Maddalena pentita“ des Jahresregenten Alessandro Scarlatti, eine Vesper-Rekonstruktion aus Monteverdis „Selva morale e spirituale“ oder die pompöse vierchörige Musik von Lambert de Sayve zur Krönung von Kaiser Matthias und Anna von Tirol 1612. Eine Premiere stellt das Projekt Nr. 20 „Serenada della Pace“ dar, wenn die Hofmusik zu ihrem kleinen Jubiläum erstmals in der Besetzung eines vollen Barockorchesters im Kaiser Leopold-Saal auftreten wird.

2024 ist es gelungen, verschiedene tragfähige Partnerschaften mit Festivals, Konzertreihen und Forschungsinstitutionen zu schließen, etwa mit den Innsbrucker Festwochen der Alten Musik, den Osterspielen Sterzing, den Füssener Festtagen Alter Musik, dem Festival Musica Sacra Bozen/Trient und dem Benedikt Anton Aufschnaiter-Dokumentationszentrum in Kitzbühel.

Wir freuen uns, wenn Sie uns in der Innsbrucker Hofkirche besuchen und mit uns ein weiteres Mal eintauchen in die wunderbare Welt der „kaiserlichen“ Musik zwischen Renaissance und Barock.

FAB FOX: Publikums-Ansturm auf Österreichs größte Zaubershow!

Magic is back! Er war der Überraschungserfolg des Jahres. Der erst 24-jährige Magier FAB FOX sorgte mit seiner ersten Show FABULOUS für ausverkaufte Hallen in ganz Österreich. Für seine neue Bundesländertour hat der Niederösterreicher noch größere Pläne: Mit fünf Sattelschleppern, einer 30-köpfigen Crew und neuen Nummern plant er Österreichs größte Zaubershow für die ganze Familie. FABULOUS ist vollgepackt mit hierzulande noch nie gezeigten Illusionen wie einer Zeitmaschine, der Teleportation von Zusehern live auf der Bühne, dem Durchschreiten von Wänden und einem haarsträubendem Entfesselungsstunt.

Auf der Bühne zeigt er Illusionen, doch seine Zahlen sind real. Mehr als 10.000 Besucher verfolgten im Frühjahr 2023 das Debüt von Fabian Blochberger, alias FAB FOX, in ganz Österreich. Dabei stellte der 24-jährige Niederösterreicher gleich zwei Rekorde auf. So war FABULOUS nicht nur die größte Zaubershow des Landes, Fab Fox ist auch der jüngste Künstler, der das legendäre Gasometer ausverkaufen konnte.

Zuseher werden auf die Bühne „gebeamt“

Für seine neue Tournee hat FAB FOX noch größere Pläne: Mit fünf großen Trucks und einer 30-köpfigen Crew plant er die perfekte Familienshow für alle von 5 bis 99 Jahren. Tourstart ist der 19. Jänner in der Arena-Nova in Wiener Neustadt. „Die Zuschauer können sich auf noch nie gezeigte Illusionen freuen, die sie garantiert zum Staunen bringen werden. Bei einer besonders beeindruckenden Illusion werden Zuseher in Sekundenschnelle auf der Bühne teleportiert. Einzigartig ist auch ein von David Copperfield inspirierter Stunt. „David ging 1986 scheinbar durch die Chinesische Mauer. Diese Illusion hat Copperfield allerdings nie live auf Tournee gezeigt. Ich habe mich davon inspirieren lassen und werde live auf der Bühne, umringt von Zuschauern, durch eine Stahlplatte gehen.“

Magischer Höhepunkt ist ein lebensgefährlicher Feuer-Stunt, der für Nervenkitzel sorgt und wohl auch den legendären Harry Houdini an seine Grenzen gebracht hätte. Dabei befreit sich FAB FOX innerhalb von nur 60 Sekunden aus einer brennenden Kiste. Das Kunststück ist so riskant, dass immer die Feuerwehr und ein Pyrotechniker vor Ort sein müssen. Fab: „Ich will weg vom Klischee des Zauberers, der ein Kaninchen aus dem schwarzen Zylinder zaubert. Mein Ziel ist es zu zeigen, dass Zauberei jung, modern, laut und dynamisch sein kann!

Eine launige Stummfilm-Musik steht im Zentrum des Konzerts von konsTellation plus: Martin Smolka hat den gut einstündigen Film Die Puppe (1919) des deutschen Regisseurs Ernst Lubitsch vertont. Der nimmt Adel und Kirche gleichermaßen auf die Schippe und erzählt von einem Heiratsschwindel der anderen Art: Lancelot, Neffe des Baron de Chanterelle, täuscht eine Heirat vor, damit der Onkel im Wissen um die Fortführung seines Geschlechtes friedlich sterben kann – bis Lancelot merkt, dass er selbst ausgetrickst wurde: Die Braut an seiner Seite ist keine Puppe, sondern echt. Und plötzlich sind Gefühle da! Martin Smolkas Ansinnen unterstreicht die heitere Stimmung und die ironischen Details der Filmvorlage musikalisch. Sein Soundtrack mischt Werkzeuge der neuen Musik wie Mikrotöne und Klangfarbeneffekte mit Loops und Tonalem, mit Menuett-Versätzen und einem Tschaikowsky-Zitat. Die Musik ist rasant, unterhaltsam und verspielt wie der Film. Außerdem im Programm: Ein wetterfühliges Crescendo – Black Rain von Daniele Ghisi in der österreichischen Erstaufführung mit Juliet Fraser als Sopran, und eine Uraufführung für Streichorchester von Sara Glojnarić, einer der gefragtesten jungen Komponistinnen derzeit. konsTellation plus ist Teil des Klangspuren Future Lab in Kooperation mit dem Tiroler Landeskonservatorium zur Förderung talentierter Interpret:innen zeitgenössischer Musik.

Die immergrünen lyrischen Themen der Natur und der Liebe liefern die Farbpalette für den Beitrag von Johannes Maria Staud zum 40-jährigen Jubiläum des Klangforum Wien. Den Komponierpinsel taucht er tief ins Glas von Franz Schubert und holt dessen Schöne Müllerin behutsam in die Gegenwart. In der Instrumentation für 19-köpfiges Ensemble leuchten „die vibrierende Melodik und Erfindungsgabe“ Schuberts auf, ohne den fahlen Abglanz einer falsch verstandenen Historizität. Doch dazwischen schimmern noch ganz andere Klangfarben, in sieben Staud-Vertonungen von Gedichten Emily Dickinsons. Sie lebte und schrieb nur wenige Jahrzehnte nach Schubert und „seinem“ Dichter Wilhelm Müller, auch sie verfasste Verse über Natur und Liebe – doch scheint Dickinson nicht nur einen realen Ozean sondern auch gedanklich meilenweit entfernt. Bei Schubert/Müller bleibt die Frau Projektionsfläche für männliches Begehren, während Dickinson ihre Stimme für weibliche Selbstbestimmung erhebt. Nur zehn ihrer 1.789 Gedichte veröffentlichte sie zu Lebzeiten, und das anonym – eine Frau habe nicht zu dichten, so ihr Vater. Emily Dickinson kritisierte religiöse Dogmatik und formulierte freie Gedanken über Lebens- und Liebesfragen. Sie war belesen und gut informiert über politische Debatten. Zugleich faszinierten sie Terminologie und Sprachduktus der Naturwissenschaften. Daraus entstand ein experimentierfreudiger Stil, der erst nach ihren Lebzeiten wirklich geschätzt wurde. Trotz aller Unterschiede findet Johannes Maria Staud in seinem Zyklus Bezüge zwischen der Welt der Schönen Müllerin und den Gedanken von Emily Dickinson – die sich übrigens wünschte, dass ihre Lyrik „tenderly“, also zärtlich gelesen werden sollte.

Neue Musik auf der Couch ist der doppeldeutige Titel von Thomas Wallys Sendereihe auf Ö1. Das Sofa ist natürlich ein geeigneter Hörort für Musik aus dem Radio. Doch die Couch gibt es auch beim Psychoanalytiker, und da geht es ans Eingemachte. Genau wie in Wallys Sendung, in der er seit 2021 ausgewählte Stücke aus dem 20. und 21. Jahrhundert zur Analyse heranzieht – scharf, erkenntnisbringend und unterhaltsam. Von Bartók und Webern über Boulez und Ligeti bis zu Haas und Saunders haben schon viele große Namen in ihre kompositorischen Tiefen blicken lassen. Nun bringt Wally das Konzept auf die Bühne – diesmal aber mit einer Musik, die es so nicht gibt. Sie existiert nur in auskomponierter Co-Existenz mit der Analyse. Die wird zum eigentlichen Werk. In sezierten Ausschnitten nimmt sich Thomas Wally als Sprecher dem Stück mit dem zwölfköpfigen Wiener Ensemble Studio Dan an. Inspiriert ist das fiktive Werk von literarischen Musik-Beschreibungen: Virginia Woolfs The String Quartet, in der sie den Bewusstseinsstrom einer Person im Konzertpublikum beschreibt; Charlie Parker plays Bossa Nova von Haruki Murakami; und dem Dr. Faustus von Thomas Mann, inklusive einiger erfundener Kompositionen des Protagonisten, dem Komponisten Adrian Leverkühn. Es soll einst musikwissenschaftliche Seminare gegeben haben, in denen nur analysiert und gar keine Musik gehört wurde. Bei Thomas Wally geht beides wunderbar zusammen. Und so wie auf der freudschen Couch können diese Einblicke in tiefere Schichten zu einem besseren Verständnis und mehr Freude an der Musik führen – das ist Wallys Ziel.

Die ständige Überreizung durch Social Media schickt uns auf die Dopamin-Achterbahn, ständig brauchen wir Nachschub. Der Vergleich mit Drogenmissbrauch liegt nahe. Das ultradigitalisierte Leben mit seiner permanenten Flut an Bildern und Informationen führt uns weg von der Erfahrung der Realität. Pierre Jodlowsky, französischer Komponist, thematisiert diesen Zustand, bleibt jedoch nicht beim bloßen Appell zu mehr Achtsamkeit. Die Halluzination nämlich sei noch realer als die gewöhnliche Realität, so empfand es der Dichter und Maler Henri Michaux (1899-1984). Seine Experimente mit psychotropen Substanzen zeigten ihm Alternativen auf, die er, einmal erfahren, nicht mehr vergessen konnte. Halluzination, so Michaux, korrespondiere fehlerfrei mit dem „inneren“ Bild – sie sei „synergetisch, synthetisch und ganz“. Was also bleibt übrig von dem, was wir für die Realität halten, wenn man in digitalen Welten verloren geht – oder sein Gehirn mit Substanzen stimuliert? Daraus hat Jodlowsky ein rasantes Multimedia-Stück mit dem Schweizer HYPER DUO entwickelt: Limbus. Ein großer Screen hinter der Bühne dient als Portal in eine andere Welt. In dieser erleben Gilles Grimaitre (Klavier, Synthesizer) und Julien Mégroz (Percussion, Elektronik) einen surrealen Roadtrip mit Autorennen, Jagdszenen im Wald, einer gefährlichen Tattookünstlerin und furchteinflößenden Kreaturen. Dabei transformieren sich auch ihre Identitäten. Bald bricht die Trennung der Welten auf, Bühne und Screen kontaminieren sich gegenseitig und auch das Publikum ist eingeladen, Schlafmasken aufzusetzen, um kollektive auditive Halluzinationen zu erleben. Wer hat Angst vor dieser technoinduzierten Realität?

Menschliche Kreativität und technologische Entwicklungen gehören qua natura eng zusammen. Das Ensemble Chromoson zeigt in seinem Programm σύν/syn die vielfältigen transdisziplinären Ausdrucksformen, die möglich sind, wenn Musik, Kunst und Technologie in einen symbiotischen Dialog treten. Von tüftlerischem DIY-Geist geprägt ist die Arbeit von Fabio Machiavelli. In seinem geräuschhaften Stück Aluminium Bridges präpariert er die Instrumente mit Klettverschlüssen. Für Klangspuren hat er es nochmal in die Werkstatt genommen und präsentiert eine neue Fassung. 13 Jahre nach seiner Entstehung gilt Point Ones von Alexander Schubert längst als postdigitaler Musik-Klassiker. Hier steuert der Dirigent mit Bewegungssensoren den Ensembleklang in Echtzeit. Katarina Gryvul spürt in ihrem gleichnamigen Stück für elektronisch erweitertes Ensemble dem Gefühl der Solastalgia nach. Der Begriff beschreibt das Bedauern über den Verlust eines Lebensraumes, mit dem man sich identifiziert hat – oder mit der Melancholie des bevorstehenden Verlustes. Einen konkret bedrohten Lebensraum zeigt Tine Surel Lange in Arctic Creatures: Repparfjord. Dieser Fjord in Nord-Norwegen ist von der Umweltzerstörung durch Mineralienabbau gefährdet. Ein poetisches Video wirft die Frage auf, ob der Mensch die Erde eines Tages neuen Kreaturen überlassen muss. Kelley Sheehan verklanglicht und visualisiert das Phänomen der „Brainzaps“: kurze elektrische Schläge im Gehirn, die mit Derealisation einhergehen können. Hinzu kommen neue Kompositionen von Hannes Hölzl und einem der Mitgründer von Chromoson, Hannes Kerschbaumer – beides Werke für Ensemble, Elektronik und Video.