Der italienische Komponist und Pianist Ludovico Einaudi zählt zu den bedeutendsten Vertretern moderner, minimalistischer Musik. Mit seiner unverwechselbaren Klangsprache, die klassische Eleganz mit zeitgenössischer Leichtigkeit verbindet, berührt er seit Jahrzehnten ein weltweites Publikum. Werke wie Le Onde, Divenire oder Seven Days Walking machten ihn zu einem der populärsten Pianisten unserer Zeit und führten ihn auf die großen Bühnen von der Mailänder Scala bis zur Royal Albert Hall.

Mit seinem neuen Album „The Summer Portraits“ (2025), das sofort nach Erscheinen die Spitze der britischen Klassikcharts eroberte, kehrt Einaudi zu einer noch persönlicheren und unmittelbaren Form des musikalischen Ausdrucks zurück. Seine Musik entfaltet sich wie ein warmes Sommerlicht – sanft, meditativ und von tiefer Emotionalität getragen.

Das Publikum darf sich auf einen Konzertabend voller Atmosphäre, Klangpoesie und stiller Intensität freuen – ein Erlebnis, das weit über die Grenzen klassischer Musik hinausreicht.

Lassen Sie sich von Mozarts Violinsonaten in einem traumhaften Ambiente verzaubern und träumen Sie sich zurück in die Hochzeit der klassischen Musik in Salzburg.
Dauer des Konzerts: 45 min

Über fünf Jahrzehnte hat der Detroiter Mitch Ryder eine Diskographie von mehr als 30 Alben geschaffen, die von der wilden Urkraft seiner frühen Hits wie "Devil with a Blue Dress On" bis zu jüngsten Werken wie dem 2024 erschienenen Live-Album The Roof Is On Fire und dem von Don Was produzierten Studioalbum With Love reicht. Letzteres, in Detroit aufgenommen, zählt Ryder selbst zu seinen besten Werken – ein Zeugnis seiner Fähigkeit, sich neu zu erfinden, ohne seine Wurzeln zu verraten. Don Was, bekannt für seine Arbeit mit Bob Dylan, The Rolling Stones und Iggy Pop, brachte eine Produktion hervor, die Ryders unverkennbare Intensität mit zeitloser Eleganz verbindet.




Ryders Einfluss auf die Musiklandschaft ist kaum zu überschätzen. Inspiriert von James Brown und dem Motown-Sound, schuf er mit seiner Band Mitch Ryder & The Detroit Wheels einen Stil, der die rohe Kraft der Motor City mit der Seele des Blues verband. Seine Kollaborationen lesen sich wie ein Pantheon der Rockgeschichte: Neben Don Was arbeitete er mit John Mellencamp, der sein Album Never Kick a Sleeping Dog (1983) produzierte, und beeinflusste Künstler wie The Clash, deren roher Punk-Ethos Ryders Energie widerspiegelt. Keith Richards nannte ihn einen der "spannendsten Sänger", die die Musikszene je gesehen hat – ein Urteil, das Ryders Auftritt beim Rockpalast 1979 untermauert. Dieser legendäre Moment, 2017 in einer WDR-Dokumentation als einer der besten in der Geschichte des Formats gefeiert, machte Deutschland für Ryder zur zweiten Heimat. "Diese Nacht war eine Chance, wie man sie vielleicht nur einmal im Leben hat", sagte er rückblickend.




Europa wurde für Ryder zum Raum künstlerischer Freiheit. Während seine amerikanischen Fans oft die Nostalgie seiner Sechziger-Hits suchen, erlaubt ihm das europäische Publikum, Grenzen zu überschreiten. Alben wie The Detroit-Memphis Experiment (1969) oder Never Kick a Sleeping Dog zeigen seine Vielseitigkeit, während seine Aufnahme in die Michigan Rock and Roll Legends Hall of Fame seinen Status als Pionier zementiert. Ryders Vermächtnis liegt nicht nur in seinen Hits, sondern in seiner Fähigkeit, die rohe Emotion des Rock ’n’ Roll mit einer zeitlosen Dringlichkeit zu verbinden.




Die "Songs from the Road"-Tour 2026 wird diese Essenz einfangen: ein Künstler, der die Bühne mit der gleichen Intensität betritt wie vor 50 Jahren, begleitet von einer Band, die seine Vision trägt. Von Klassikern bis zu neuen Werken – Ryder bleibt ein Rebell, der die Sprache des Rock ’n’ Roll spricht wie kaum ein anderer.

Lassen Sie sich von Mozarts Violinsonaten in einem traumhaften Ambiente verzaubern und träumen Sie sich zurück in die Hochzeit der klassischen Musik in Salzburg.
Dauer des Konzerts: 45 min

Das Wort „Triage“ ist noch nicht so lange in unserem aktiven Wortschatz verankert. Doch wir haben es kennengelernt als Beschreibung des komplexen Themas der medizinischen Prioritätensetzung unter den Bedingungen knapper Ressourcen in einem Katastrophenfall.

Prof. Blankenburg, die Leiterin einer Intensivstation, steht vor der schwierigen Aufgabe, die Verteilung lebenswichtiger Ressourcen, insbesondere von Beatmungsgeräten, zu koordinieren. Dabei werden ihre professionellen Entscheidungen durch persönliche Krisen beeinträchtigt. Vor allem der Kampf ihres Mannes mit Parkinson fordert ihre ganze Aufmerksamkeit und emotionale Kraft – was ihre Situation noch zuspitzt. Dr. Bozic wiederum ringt mit den Grundsätzen der medizinischen Ethik, während ihn zugleich die ersehnte Schwangerschaft seiner Frau und die Affäre mit seiner Kollegin Dr. Majewski umtreiben. Alle durchleben sie heftige Konflikte und moralische Dilemmata, mit denen medizinisches Personal in Extremsituationen konfrontiert wird: Vor dem Hintergrund einer weitreichenden Brandkatastrophe und der daraus resultierenden Überlastung der Klinik wird eine hoch angespannte Atmosphäre geschaffen, die die Ärzt*innen zu schnellen, oft kaum erträglichen Entscheidungen über Leben und Tod zwingt.

„Triage“ beleuchtet eindringlich die rohe Realität derjenigen, die mit den Schattenseiten ihrer Berufung konfrontiert werden, wo jedes Für oder Wider das Potenzial hat, sowohl zu retten, als auch zu zerstören.

Maya Arad Yasur, geboren 1976 in Israel, studierte Dramaturgie an der Universität Amsterdam und arbeitete als Produktionsdramaturgin u.a. in den Niederlanden und in Israel. Ihre Stücke wurden u.a. mit dem ersten Preis beim Dramatikerwettbewerb des ITI (International Theatre Institute) und der UNESCO, dem Stückemarktpreis des Berliner Theatertreffens und 2019 vom deutschsprachigen und französischen Komitee von EURODRAM ausgezeichnet.

Ebru Tartıcı Borchers wurde in Hatay/Türkei geboren. Nach einem Schauspielstudium in Ankara und Engagements in der Türkei arbeitet sie seit 2015 auch in Deutschland. An der Universität Mozarteum Salzburg absolvierte sie 2022 ihr Regiestudium. Als Regisseurin arbeitete sie u.a. am Badischen Staatstheater Karlsruhe, am Theater Osnabrück, dem Staatstheater Mainz und am Stadttheater Gießen. Seit der Spielzeit 2024/2025 ist sie Hausregisseurin am Oldenburgischen Staatstheater.

Lassen Sie sich von Mozarts Violinsonaten in einem traumhaften Ambiente verzaubern und träumen Sie sich zurück in die Hochzeit der klassischen Musik in Salzburg.
Dauer des Konzerts: 45 min

Ist doch egal, ob du privat ein Organ im Dienste der rektalen Ausscheidung bist. Hauptsache, du kannst dich verkaufen! Fake it till you make it! Wozu eigene Ideale, wenn es Idole gibt? Im Glanz der Ideologie pilgert man wenigstens nicht alleine der Schlinge der Idiotie entgegen. Kommentieren, Teilen und Herrschen! Je mehr Blasen in der Gesellschaft, desto größer der Spaß beim Zerplatzen! Je kurioser der Konflikt, desto schärfer der Kompromiss. Perfekte Spaltung passiert im Goldenen Schnitt! Mit fragwürdigen Weisheiten bewaffnet zückt der Koreanologe Niko Nagl die verbale Klinge und dreht den Spieß um. Seine Mission: Ein Tanz auf Messers Schneide. Ein Date unter dem Damoklesschwert. Humoristisches Kugelfisch-Sashimi zum sofortigen Genuss. Mit dem herzhaften Charme eines Lausbuben versehen wandelt Niko Nagl an den Grenzen des schwarzen Humors. Dabei schlüpft er in die unterschiedlichsten Rollen und Sichtweisen und versetzt sein Publikum in schlingelhafter Standup-Comedy Manier in eine frivole „Jetzt gibt’s kein zurück mehr“- Stimmung. Freuen Sie sich auf eine intensive Gewürzmischung aus beißender Gesellschaftssatire und schrillen Klischees, derbem Wortwitz und skurrilen Ideen, deren exotische Schärfe Sie noch eine Weile begleiten und definitiv auch zum Nachdenken bewegen wird. Denn so viel ist sicher: Bei Niko Nagl werden Sie sich nicht nur einmal für ihr Lachen schämen und es doch gerade deshalb besonders genießen.

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Lassen Sie sich von Mozarts Violinsonaten in einem traumhaften Ambiente verzaubern und träumen Sie sich zurück in die Hochzeit der klassischen Musik in Salzburg.
Dauer des Konzerts: 45 min

Tare
ISAAWAAHSIIN!

Marvin Tare, Sohn des nigerianisch-österreichischen Musikers Sam Brisibe und einer Ennstaler Sozialarbeiterin, balanciert in Isaawaahsiin zwischen Stand-up, Kabarett und Culture Clash Comedy. Seine Erfahrungen aus vielen Umzügen und verschiedenen Lebenswelten fließen in humorvolle Szenen über Wohnungssuche, Jobsuche und Alltagswahnsinn ein. ISAAWAAHSIIN! ist ein introspektives Programm, das sein Publikum in seine Welt einlädt - ideal für alle, die neue Stimmen in der Kleinkunst suchen.

Tare lotst sein Publikum durch vielschichtige Erfahrungen - zwischen afrikanischen und europäischen Wurzeln, maskulin sein / feminin sein, Stadt- und Landleben sowie vielen weiteren vermeintlichen Gegensätzen. Dabei bleibt oft unklar, ob man gerade klassisches Kabarett, moderne Stand-up-Elemente oder Culture Clash Comedy erlebt.

Würde man sein Programm musikalisch beschreiben, wäre es ein Mix aus klassischer Komposition, urbanem Hip-Hop, afrikanischen Beats und österreichischer Volksmusik. Mit Wortwitz, pointierten Punchlines, interaktiver Crowdwork und musikalischen Einlagen sorgt ISAAWAAHSIIN! für Lacher, regt zum Nachdenken an und hinterlässt vielleicht sogar den ein oder einen Ohrwurm. Die Herausforderungen, mit denen Menschen mit Migrationshintergrund zu kämpfen haben - von der Wohnungssuche über Umzugsodyseen bis hin zur Jobsuche - verarbeitet Marvin Tare in einem humorvollen Programm, das das Publikum in die bunten Schattierungen zwischen seinen Realitäten mitnimmt.

Mozart Dinner Concert

Konzert & historisches Dinner im Barocksaal des Stiftskulinarium St. Peter Salzburg



Erleben Sie einen Abend, wie er anno 1790 hätte gewesen sein können: mit dem in Kerzenlicht getauchten Barocksaal, einem auf historischen Rezepten basierenden Menü, Künstlern in der Kleidung der Mozartzeit und mit den Kompositionen von Wolfgang Amadeus Mozart, dargeboten in höchster musikalischer Qualität. Dinner und Konzert finden in der hervorragenden Akustik des historischen Barocksaals von St. Peter statt. Dieser liegt gut erreichbar im Herzen von Salzburg im Stiftskulinarium St. Peter welches auf 1200 Jahre Tradition zurückblickt und erstmals im Jahr 803 urkundlich erwähnt wurde. Auch die Familie Mozart kehrte hier ein, was ein Eintrag von Nannerl Mozart in ihr Tagebuch im Jahr 1783 belegt.

Heute musizieren hier für Sie die zwei Opernsänger und fünf Instrumentalisten des seit 1996 bestehenden AMADEUS CONSORT Arien und Duette aus den großen Mozart Opern "Die Zauberflöte", "Don Giovanni" und "Figaros Hochzeit". Der berühmte erste Satz aus der Serenade "Eine kleine Nachtmusik" rundet das Programm ab. Das Dinner wird auf Basis von historischen Rezepten der Mozart-Zeit modern interpretiert und besteht aus drei Gängen. Konzertiert wird in drei Teilen jeweils nach den Gängen des Dinners, die Musik soll ja nicht durchs Schlemmen gestört werden...

Jeder Kunstform ihre Zeit.

Mit ihrem hochgelobten, in 2021 veröffentlichten Debüt Album „STRESS“ (Noisolution) haben 24/7 DIVA HEAVEN eines unmissverständlich klargemacht: Sie sind gekommen, um zu bleiben. Oder um es mit den Worten des „Classic Rock“ Magazins zu sagen: "Auf Krawall gebürstet. Relevant. Großartig. Punkt." Bereits kurz nach Erscheinen ihres Debüts ist ist das Berliner Trio in aller Munde und füllt die Seiten der hiesigen Musikpresse. Mit ihrem musikalischen Hybrid aus Punk, Grunge und Noise erschaffen 24/7 Diva Heaven eine Welt, in der man schreien, kratzen, beißen darf – und sich am Ende in den Arm nimmt. Fuzzy Riffs treffen auf eingängige Hooklines, politische Botschaften auf Selbstironie. 24/7 DIVA HEAVEN sagen, was sie denken, und treffen damit einen Nerv: Sie liefern einen Soundtrack, der genau in diese ungewisse Zeit passt, sich nicht mit Plattitüden abfindet, sondern Platz für das Dazwischen lässt. Dass die Band vor allem für ihren massiven Sound und starke Live-Auftritte bekannt ist, beweist ihre rasant wachsende Fanbase und unzählige Shows, unter anderem beim WDR Rockpalast, Pop-Kultur Festival, als Support von DREAM WIFE und BEATSTEAKS sowie eine Co-Headliner-Tour mit TEAM SCHEISSE. „Das Beste, was ich seit NIRVANA live gesehen habe“, so die Worte eines Fans. Katharina Ott-Alavi (voc, guitar) Karoline Paschedag (bass) und Marie Westphal (drums) sind nicht nur fernab der Bühne eine Einheit, sondern auch im Rampenlicht geballte Energie, die darauf wartet, losgelassen zu werden.

Die Band ist nicht nur im Proberaum und auf der Bühne aktiv, sondern zeigt politisches Engagement, u.a. als Gründerinnen des Berliner Kollektivs GRRRL-NOISY, das Jam-Sessions und Festivals organisiert und einen Ort der Vernetzung für FLINTA Musiker:innen und Musikfans bietet.

Am 11.10.2024 erscheint ihr lang ersehntes zweites Album „GIFT“ auf Noisolution, das sich nahtlos in die Tradition des Debüts „STRESS“ einreiht und im Herbst 2024 im Rahmen einer Album-Release-Tour durch ausgewählte Städte erstmals live präsentiert wird. 24/7 DIVA HEAVENs zweiter Longplayer kommt mit differenzierterem Songwriting daher, ohne auch nur im Ansatz weniger wütend zu klingen. Das Album ist zornig, politisch und nie um große Melodien verlegen. Auf „GIFT“ verdichtet sich, was sich auf „STRESS“ bereits angebahnt hat, und es ist ein eklektisches Album entstanden, irgendwo zwischen IDLES, PIXIES, PABST und MELVINS, das auf kühne Art und Weise den Sound alter Idole dekonstruiert und in zeitgemäßem Gewand wieder zusammensetzt.

John von Düffel / William Shakespeare
Schauspiel mit Sport und Ballett


Theater spielen, tanzen und Sport treiben – all das war möglich im Ballhaus. Seit 400 Jahren wird am Mirabellgarten Theater gespielt. Das erste Theatergebäude wurde 1625 gebaut und hieß Ballhaus. Tatsächlich hatte das eindrucksvolle Gebäude mit offenem Dachstuhl, drei Galerien und fast 50 Metern Länge mehrere Funktionen, nämlich als Theater, Tanzpalast und Sporthalle.

Anlässlich des 400-jährigen Jubiläums des heutigen Landestheaters schreibt John von Düffel ein Theaterstück, das die Vorgeschichte so aufleben lässt, wie sie gewesen sein könnte. Ein ambitionierter Architekt plant den Neubau als Ort der bürgerlichen Gemeinschaft, doch natürlich entsteht schon früh Streit über die Nutzung. Sport, Tanz und Schauspiel treten tagsüber in Widerstreit, doch nachts wird das Ballhaus ein Ort der Sehnsüchte und Träume. Plötzlich entsteht dort die Handlung von Shakespeares „Sommernachtstraum“ im Wechselspiel der Disziplinen. Liebende suchen und finden einen Ort, an dem Irrungen und Wirrungen passieren, begegnen Elfen, einem Theaterensemble und erleben mit fabelhaft tanzenden Schattenwesen eine verrückte Nacht. Am nächsten Morgen weiß niemand so recht, was real war und was nicht.

William Shakespeares Stücke erlebten ihre Blüte in London, als in Salzburg das Ballhaus gebaut wurde, und so kommen theatrale Gründerzeiten in diesem Stück, das den „Sommernachtstraum“ durch die hinzugedichtete Rahmenhandlung ergänzt, kreativ zusammen. Das Schauspielensemble wird um Tänzer*innen der Sparte Ballett erweitert, und Salzburger Sportvereine sind eingeladen, das Ballhaus als Showcase zu nutzen.

William Shakespeare (1564–1616) und John von Düffel (*1966) sind die Autoren des Brückenschlags von damals nach heute. Im Landestheater, an der Stelle des ehemaligen Ballhauses, das Fürsterzbischof Paris Lodron 1625 zum „Zwecke des Ballspiels“, zur Belustigung der Hofgesellschaft und um Theater zu erleben, errichten ließ, verbinden sich ihre Texte zu einem Spiel.

Carl Philip von Maldeghem und Reginaldo Oliveira feiern mit der Uraufführung des Auftragswerkes von John von Düffel das Spiel – das sportliche wie das theatrale – als spartenübergreifendes Fest von Schauspiel, Ballett und Sport. Dazu erschafft Bühnenbildner Thomas Mika eine bildliche Reminiszenz des Ballhauses von damals.

Shen Yun 2026
Erleben Sie China vor dem Kommunismus

Der Vorhang öffnet sich und Sie tauchen in eine traumhaft schöne Welt ein. Shen Yun begleitet Sie auf einer außergewöhnlichen Reise durch die 5000 Jahre alte, göttlich inspirierte Kultur Chinas.

Erlesene himmlische Schönheiten, tiefgründige Weisheiten vergangener Dynastien, zeitlose Legenden und ethnische Traditionen werden durch klassischen chinesischen Tanz, ein beeindruckendes Live-Orchester, authentische Kostüme und durch einen patentierten animierten Hintergrund zum Leben erweckt. Erleben Sie eine Zeit, in der Gelehrte und Künstler die Harmonie mit Dao, dem Weg des Kosmos, suchten; eine Zeit, in der göttliche Wesen auf die Erde kamen, um die Menschheit zu inspirieren.

Erleben Sie einen Abend voller Schönheit und Weisheit, Mut und Hoffnung … eine einmalige Erfahrung! Erleben Sie Shen Yun - live auf der Bühne.

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"Ich habe ungefähr 4.000 Shows rezensiert, doch keine ist vergleichbar mit dem, was ich heute Abend gesehen habe."
— Richard Connema, Theaterkritiker

"Ein Muss!" -Broadway World

"Ich habe in meinem ganzen Leben noch nie eine so wunderschöne Choreographie gesehen".
-Shirley Ballas, Tänzerin und Hauptschiedsrichterin bei Strictly Come Dancing (UK)

"Großartig... sehr erhellend!" -Tony Robbins, Motivanions-Sprecher

"Ich war erbaut, ich war voller Hoffnung... Die Welt ist wegen Shen Yun ein besserer Ort."
-Richard Swett, ehemaliger U.S. Kongressabgeordneter

"Die Kraft der Sinnbilder und die Geschichten sind überragend. Eine außergewöhnliche Erfahrung." -Cate Blanchett, oscarprämierte Schauspielerin

"Ich ermutige jeden, es zu sehen, und uns alle, daraus zu lernen. -Donna Karan, Gründerin von DKNY

Pjotr Iljitsch Tschaikowski

In russischer Sprache mit deutschen und englischen Übertiteln

Ein skeptischer, gelangweilter und unentschlossener junger Mann und eine idealistische, empfindsame und leidenschaftliche junge Frau, die immer zur falschen Zeit am falschen Ort aufeinandertreffen – davon erzählt Pjotr Iljitsch Tschaikowskis Oper „Eugen Onegin“. Die junge Tatjana ist in Eugen verliebt, der jedoch die Liebe als unerheblich empfindet und Tatjana abweist. Auf einem Ball beleidigt er auch noch ihren Bruder Lenski, der ihn daraufhin zu einem Duell herausfordert, welches für Lenski tödlich endet. Jahre später kehrt Onegin, inzwischen vom Leben enttäuscht, in die ländliche Gegend zurück, wo er auf die mittlerweile verheiratete Tatjana trifft, die in ihrer Rolle als Dame der Gesellschaft erblüht ist. Onegin erkennt nun seine Liebe zu ihr, doch es ist zu spät. Tatjana weist Onegin entschieden zurück und bleibt ihrem Mann treu.

Tief emotional und reich an melodischer Schönheit verbindet Tschaikowski in dieser Oper russische Volksmelodien mit klassischen europäischen Traditionen und bringt so eine einzigartige musikalische Sprache hervor. Die Kontraste zwischen den inneren Konflikten der Figuren und den äußeren gesellschaftlichen Erwartungen machen „Eugen Onegin“ zu einem tiefgründigen Werk, das sowohl persönliche als auch universelle Themen wie Liebe, Reue und menschliche Fehlbarkeit behandelt.

Pjotr Iljitsch Tschaikowski (1840–1893) begann mit der Arbeit an „Eugen Onegin“ (basierend auf dem gleichnamigen Versroman von Alexander Puschkin) im Jahr 1877. Nach den Erfolgen seiner Ballette „Der Nussknacker“ und „Schwanensee“ wollte er sich nun auch als Opernkomponist profilieren und stand unter dem Druck, den Erwartungen gerecht zu werden. Die erste Aufführung vor großem Publikum fand am 23. Jänner 1881 im Bolschoi-Theater statt und wurde zu einem großen Erfolg.

Regisseurin Alexandra Liedtke widmet sich mit ihrem eingespielten Team, dem Bühnenbildner Philip Rubner und der Kostümbildnerin Su Bühler, diesem großen Werk der russischen Opernwelt. Ihre Erfahrungen aus dem In- und Ausland bündeln sie bereits zum wiederholten Mal am Salzburger Landestheater. Die Inszenierung erforscht die komplexen psychologischen Vorgänge in Tschaikowskis Werk.

Clara Luzia ließ im Frühjahr 2025 einen Testballon steigen. Er hieß „The Quiet Version“ und war eine neue Live-Band, die sie zusammengestellt hatte, um wieder etwas ruhigere Töne anzuschlagen - back to the roots sozusagen. Dieser Testballon fuhr so erfolgreich, dass Clara sich gleich nach der Tour an die Arbeit machte und eine Platte aufnahm. Sie heißt „Horelia“ und besteht ebenso wie das Live-Set aus einem englischsprachigen und einem deutschsprachigen Teil. Das Album erscheint im Februar 2026 auf Asinella Records und wird gemeinsam mit The Quiet Version auf einer Tour im März 2026 live präsentiert.

Clara Luzia: Gesang, Gitarre
Catharina Priemer-Humpel: Schlagzeug, Gesang
Claudia Kottal: Gesang, Keys
Judith Ferstl: Kontrabass, Gesang
Kaya Meller: Trompete