Unter jedem Stein am Domplatz ein Toter – und weit und breit keine Verdächtigen. Aber sind das überhaupt richtige Leichen? Gibt es echte und falsche Tote? Wenn man nicht weiß, woran jemand gestorben ist, gibt es dann überhaupt ein Verbrechen? 20.000 Tote, zwischen 2010 und 2019 in mühevoller Kleinarbeit exhumiert, warten auf eine Gelegenheit, ihre Geschichte zu erzählen.



Otto Prokop, der Vorreiter der Forensik, könnte vielleicht helfen, wenn es in seinem Geburtsort St. Pölten auf einmal ein Drittel so viele Tote wie Einwohner:innen gibt. Doch lohnt es sich, dafür aus seiner Wahlheimat DDR zurückzukehren, zu einem Fall, der sich der reinen Wissenschaft vielleicht sogar entzieht? Zwei Schauspieler:innen machen sich auf die Suche nach den Schuldigen. Die Spuren scheinen eindeutig, schnell ist ein potenzieller Täter gefunden. Zu schnell? Die scheinbare Klarheit der Beweise lässt Unsicherheit aufkommen, und die Forschenden irren weiter durch die Dunkelheit, ruhelose Geister auf der Suche nach Antworten. Denn eines wird immer klarer: Die Schuld weilt unter uns.




Bert Zander wagt ein Theaterexperiment und entwickelt mit dem Ensemble ein spannendes „Whodunnit“, das die Kombinationsgabe des Publikums auf die Probe stellt. Doch auch abseits der Bühne haben wir alle unsere kleinen und großen Geheimnisse …

Compagnie Les Bestioles
Familienvorstellung ab 1 Jahr

Manchmal braucht es nur ein Blatt Papier, und schon beginnt das Abenteuer! Sous la neige / Unter dem Schnee eröffnet dem allerjüngsten Publikum eine magische Welt aus Papier, Licht und Musik.

Aus einem einzigen Stück Seidenpapier entsteht eine poetische Erlebniswelt. Es wird mal zu Schnee, mal zum Meer oder zu einem geheimnisvollen Wesen. In dieser behutsamen Verbindung von Musik, Körper und Objekt lädt uns die Compagnie Les Bestioles zu einer Reise ins Reich der eigenen Vorstellungskraft ein. Entstanden in engem Austausch mit Kindern, Eltern und Pädagog:innen hüllt uns die Performance in einen schützenden Kokon aus Staunen, Nähe und spielerischer Entdeckung.

Die Compagnie Les Bestioles wurde 1999 von der Regisseurin Martine Waniowski gegründet. Seit 2015 richtet sich ihr Fokus verstärkt auf junges Publikum und sinnliche, nicht narrative Formate, die Zuschauer:innen mitten ins Geschehen holen und Wahrnehmung als gemeinsames Erlebnis begreifen.

BESETZUNG & CREDITS
Martine Waniowski - Regie, Amélie Patard - Choreografie, Gilles Sornette - Komposition, Musik, Brice Durand - Licht, Daniel Trento - Kostüme, Reda Brissel, Martine Waniowski - Tanz

Compagnie Les Bestioles
Familienvorstellung ab 1 Jahr

Manchmal braucht es nur ein Blatt Papier, und schon beginnt das Abenteuer! Sous la neige / Unter dem Schnee eröffnet dem allerjüngsten Publikum eine magische Welt aus Papier, Licht und Musik.

Aus einem einzigen Stück Seidenpapier entsteht eine poetische Erlebniswelt. Es wird mal zu Schnee, mal zum Meer oder zu einem geheimnisvollen Wesen. In dieser behutsamen Verbindung von Musik, Körper und Objekt lädt uns die Compagnie Les Bestioles zu einer Reise ins Reich der eigenen Vorstellungskraft ein. Entstanden in engem Austausch mit Kindern, Eltern und Pädagog:innen hüllt uns die Performance in einen schützenden Kokon aus Staunen, Nähe und spielerischer Entdeckung.

Die Compagnie Les Bestioles wurde 1999 von der Regisseurin Martine Waniowski gegründet. Seit 2015 richtet sich ihr Fokus verstärkt auf junges Publikum und sinnliche, nicht narrative Formate, die Zuschauer:innen mitten ins Geschehen holen und Wahrnehmung als gemeinsames Erlebnis begreifen.

BESETZUNG & CREDITS
Martine Waniowski - Regie, Amélie Patard - Choreografie, Gilles Sornette - Komposition, Musik, Brice Durand - Licht, Daniel Trento - Kostüme, Reda Brissel, Martine Waniowski - Tanz

Après moi, le déluge

Nach mir die Sintflut! In einer Welt, die am Rand des Zusammenbruchs steht, wird Tanz zu einem Akt des Widerstands.

In diesem neuen Werk nimmt das aktuell wohl angesagteste Kollektiv der internationalen Tanzszene, (LA)HORDE, das Publikum mit in eine ungeschönte, zugleich hoffnungsvolle Auseinandersetzung mit der Gegenwart. Der Titel Après moi, le déluge („Nach mir die Sintflut“) ist inspiriert von einem Zitat von Louis XV. Ein Satz, den viele Generationen für sich beansprucht haben und der angesichts von politischen und sozialen Krisen, Klimakatastrophe sowie Kriegen eine neue Dringlichkeit erhält. Doch anstatt sich dem Verfall hinzugeben, fordert die Compagnie dazu auf, die Widersprüche unserer Zeit anzunehmen und neue Narrative zu erschaffen. In ihrem Stück wird Tanz zur Sprache des Widerstands, indem die Frage nach der Zukunft nicht mehr verdrängt, sondern kollektiv verhandelt wird.

(LA)HORDE, bestehend aus Marine Brutti, Jonathan Debrouwer und Arthur Harel, leitet seit 2019 das Ballet national de Marseille. Seit seiner Gründung 2013 hinterfragt das Kollektiv die politische Dimension des Tanzes, indem es verschiedene Formen von Rave bis hin zu traditionellen Tänzen erkundet – immer ganz nah am Puls der Zeit. In ihren Arbeiten thematisieren die Künstler:innen die Dynamik des Tanzes in der digitalen Ära und entwickeln das Konzept der „Post-Internet-Tänze“.

BESETZUNG & CREDITS

(LA)HORDE Konzept, Regie, (LA)HORDE in Zusammenarbeit mit Tänzer:innen und Probenleitung des Ballet national de Marseille Choreografie, Julien Peissel Bühnenbild, Salomé Poloudenny Kostüme, Eric Wurtz Lichtdesign, Pierre Avia Musik, Ballet national de Marseille Tanz

Eine Koproduktion von Dance Reflections by Van Cleef & Arpels, Comédie de Genève, Montpellier Danse, Théâtre de la Ville, Chaillot Théâtre National de la Danse, Sadler’s Wells, Théâtre de Lorient, Comédie Scène nationale de Clermont Ferrand, TAP – Scène nationale de Grand Poitiers, Théâtre des Salins, Asics, Maison de la Danse, Charleroi Danse, Kampnagel – Internationales Sommerfestival, Teatro Rivoli, Centro Cultural de Belém, Internationaal Theater Amsterdam und Festspielhaus St. Pölten.

Altersempfehlung ab 14 Jahren

Investigativjournalistin Lio Laksch schleicht sich ins exklusive „Sanatorium zur Gänsehaut“
ein, um den nicht ganz einwandfreien Methoden dort auf die Spur zu kommen. Hier, in der fast schmerzhaft pittoresken Landschaft, treffen sich die Reichen und Schönen, um wenn nicht reicher, dann zumindest schöner zu werden.



Eine Menagerie aus kuriosen Gestalten ist es, die hier zusammenkommt: Ein stimmenloser Opernsänger, eine Beautybloggerin, eine Pharmaunternehmerin und ein Arzt, der sich neben Verjüngungskuren dem Nacktmull widmet, einem Tier, das in sich das Geheimnis der Unsterblichkeit trägt. Und Lio? Auch sie spürt den Sog
des dunklen Sees, „wie ein Schönheitsfleck in der Landschaft“, tintenschwarz und ohne Grund.



Ferdinand Schmalz widmet sich mit gewohntem Biss dem Thema Schönheit und Jugendwahn, aktueller denn je in unserer digitalen Spiegelwelt, in der das Altern eine Todsünde ist. Auch in Österreich herrscht die Angst vor dem Verfall, jedes Jahr steigt die Anzahl der Schönheitsoperationen, nicht immer legal und nicht immer ohne Gefahr.



Christina Tscharyiski nimmt sich der Schmalz’schen Texte an, die spielerisch die Abgründe hinter den faltenlosen Gesichtern erforschen.



Regie: Christina Tscharyiski

Bühne: Dominique Wiesbauer

Kostüme: Miriam Draxl

Dramaturgie: Tabea Baumann


Österreichische Erstaufführung am 4. Dezember 2026

Investigativjournalistin Lio Laksch schleicht sich ins exklusive „Sanatorium zur Gänsehaut“
ein, um den nicht ganz einwandfreien Methoden dort auf die Spur zu kommen. Hier, in der fast schmerzhaft pittoresken Landschaft, treffen sich die Reichen und Schönen, um wenn nicht reicher, dann zumindest schöner zu werden.



Eine Menagerie aus kuriosen Gestalten ist es, die hier zusammenkommt: Ein stimmenloser Opernsänger, eine Beautybloggerin, eine Pharmaunternehmerin und ein Arzt, der sich neben Verjüngungskuren dem Nacktmull widmet, einem Tier, das in sich das Geheimnis der Unsterblichkeit trägt. Und Lio? Auch sie spürt den Sog
des dunklen Sees, „wie ein Schönheitsfleck in der Landschaft“, tintenschwarz und ohne Grund.



Ferdinand Schmalz widmet sich mit gewohntem Biss dem Thema Schönheit und Jugendwahn, aktueller denn je in unserer digitalen Spiegelwelt, in der das Altern eine Todsünde ist. Auch in Österreich herrscht die Angst vor dem Verfall, jedes Jahr steigt die Anzahl der Schönheitsoperationen, nicht immer legal und nicht immer ohne Gefahr.



Christina Tscharyiski nimmt sich der Schmalz’schen Texte an, die spielerisch die Abgründe hinter den faltenlosen Gesichtern erforschen.



Regie: Christina Tscharyiski

Bühne: Dominique Wiesbauer

Kostüme: Miriam Draxl

Dramaturgie: Tabea Baumann


Österreichische Erstaufführung am 4. Dezember 2026

Das Landestheater Niederösterreich bietet tolle Lesungen von diversen Werken.


So warten zum Beispiel 2026/27 Leseabende von folgenden Werken:

"Das Geschenk" von Gaea Schoeters gelesen von Sky Du Mont
"Eden - Wenn das Sterben beginnt" von Marc Elsberg gelesen vom Autor

LOVER - A Tribute to Taylor Swift by Charity Eden

Lover - Die inoffizielle Eras Tour bringt das Taylor-Swift-Feeling am 19. Februar 2027 nach St. Pölten!

Die legendäre Eras Tour von Taylor Swift hat Rekorde gebrochen und Millionen von Fans weltweit begeistert - doch nicht alle hatten die Chance, dieses einmalige Erlebnis live mitzuerleben. In Österreich mussten die Wien-Konzerte sogar leider abgesagt werden. Genau hier setzt Lover - The Unofficial Eras Tour an: Ein mitreißendes Tribute-Projekt, das die Magie, Energie und Detailtreue der Originaltour auf die Bühne bringt.

Hinter dem Projekt steht die texanische Sängerin Charity Eden, die mit ihrer kraftvollen Stimme, charismatischen Bühnenpräsenz und Liebe zum Detail das Publikum in den Bann zieht. Inspiriert von Künstlerinnen wie Adele und Taylor Swift selbst, gelingt es Charity - begleitet von ihrer Live Band und Tänzerinnen und Tänzern - jede Ära, jedes Kostüm und jeden ikonischen Moment der Eras Tour authentisch neu aufleben zu lassen.

Seit dem Start 2023 hat sich Lover von kleinen lokalen Auftritten zu einer internationalen Erfolgsstory entwickelt - mit Shows in Japan, Kuwait, Nordamerika und bald auch in Kanada und den Philippinen. Jetzt kommt die inoffizielle Eras Tour auch am 19. Februar 2027 nach St. Pölten!

Fans dürfen sich auf eine detailverliebte Show voller Emotionen, spektakulärer Performances und unvergesslicher Highlights freuen - ein Erlebnis für alle Swifties und Musikliebhaber gleichermaßen.

Die Musik trifft direkt ins Herz, doch die Message dahinter ist mehr als nur schmusig: Mit seiner SCHMUSE*PASSION entstaubt der Schmusechor zur Passionszeit eine alte Tradition, feiert die Gemeinschaft und nimmt dabei lustvoll stereotype Rollenbilder und Klischees ins Visier.

Frische Chorsätze alter und neuer Pophits von Radiohead bis Billie Eilish und als neuestes Projekt ihre SCHMUSE*PASSION, in deren Mittelpunkt Werke von Frauen und queeren Künstler:innen stehen: All das bringt der Schmusechor mit Verve auf die Bühne und schafft dabei mühelos den Spagat zwischen exzellenter musikalischer Darbietung, Theater und Tanz – in Begleitung des innovativen Ensembles inn.wien. Mit extravaganten Outfits, aufwendigem Make-up und einer leidenschaftlichen Performance wird der genussvollen Musik das extravagante i-Tüpfelchen verpasst. Dabei entsteht ein schillerndes Gesamtkunstwerk für alle Sinne, das immer auch ein starkes Statement für mehr Diversität setzt.

Der von seiner charismatischen Leiterin Verena Giesinger in einem Wiener WG-Schlafzimmer gegründete Schmusechor hat längst die österreichische Chorlandschaft erobert. Sein Erfolg zeigt sich nicht nur in zahlreichen Projekten und Kollaborationen etwa mit dem Wiener Volkstheater, sondern auch in der Veröffentlichung des Albums Schmusechor Live im Jahr 2024.

ABBA GOLD – the concert show kehrt 2026-27 zurück – mit einer Show, die unter die Haut geht. Unter dem Titel #emotion rückt die international erfolgreiche Produktion das in den Mittelpunkt, was die Musik von ABBA seit Jahrzehnten so einzigartig macht: ihre emotionale Kraft.

Die Tour #emotion ist eine Hommage an die großen Gefühle, die ABBA-Songs in Millionen von Menschen auf der ganzen Welt auslösen. Es geht um Liebe, Sehnsucht, Freude, Hoffnung, Herzschmerz und Erinnerung – Emotionen, die zeitlos sind und Generationen verbinden. ABBA GOLD erzählt diese Gefühlswelt musikalisch und visuell neu und schafft ein Konzerterlebnis, das berührt, mitreißt und nachklingt.

Musik, die bewegt
Songs wie "The Winner Takes It All", "Chiquitita", "Knowing Me, Knowing You", "Slipping Through My Fingers", "One of Us" oder die unvergessliche "Dancing Queen" sind weit mehr als Welthits – sie sind emotionale Wegbegleiter. In der Tour #emotion werden diese Klassiker mit Feingefühl, Respekt vor dem Original und einer neuen dramaturgischen Tiefe auf die Bühne gebracht. Jeder Titel wird zu einem Kapitel einer gemeinsamen emotionalen Reise.

Ein Erlebnis für alle Sinne
Mit moderner Licht- und Bühnentechnik, eindrucksvollem visuellem Storytelling und einer Atmosphäre voller Nähe und Nostalgie wird #emotion mehr als ein Konzert. Die Show verbindet musikalische Präzision mit emotionaler Intensität und lässt Raum für Erinnerungen, Gänsehautmomente und gemeinsames Erleben. ABBA GOLD schafft eine besondere Verbindung zwischen Bühne und Publikum – ehrlich, warm und authentisch.

Musik als verbindende Kraft
Die Musik von ABBA kennt keine Altersgrenzen, keine kulturellen Unterschiede und keine Generationenfragen. #emotion richtet sich an langjährige Fans ebenso wie an jüngere Generationen, die die Magie dieser Songs neu entdecken. Es ist eine Einladung, gemeinsam zu fühlen, mitzusingen, zu tanzen – und sich für einen Abend von der Musik tragen zu lassen.

ABBA GOLD – the concert show: #emotion 2026–27
Ein Konzerterlebnis, das zeigt, warum diese Musik bis heute Herzen berührt.

Mike Supancic surft diesmal durch das Traum-Zeit-Kontinuum: In seiner Albtraumhitparade erleben Sie die kostengünstige Do it yourself Chirurgie, Elon Musk als Berater für das österreichische Schulsystem und die dreistesten Städtebeschimpfungen seit Thomas Bernhard.

Künstliche Intelligenz und natürliche Blödheit geben sich ein Stelldichein. Hundertfünfzig Prozent Zölle auf Pinguine und Vulkansteuern auf den Vesuv, die berüchtigte Spielplatzbande feiert ihre tausendste Verurteilung mit einer fröhlichen Bankomatsprengung.

Werden wir wieder munter, oder bleibt der geheimnisvolle Albtraumfänger des berüchtigten Shasi Ben Ghazi die letzte Hoffnung, um den Teufelskreis der Angst für immer zu durchbrechen?

Denn wie schon der hochsteirische Volksmund spricht:

"In traumhaften Zeiten muss man wach bleiben. Oder auch nicht."

» Traditionelle Hakka­Volkslieder, Schlagzeugkompositionen von Liang Chun­mei, Werke von Maki Ishii, Vincenzo Bellini, Camille SaintSaëns und Gustav Mahler «

Diese Compagnie hat Suchtpotenzial! Von umwerfender Schönheit und enormer Ausdruckskraft ist der Stil des taiwanesischen Cloud Gate Dance Theatre geprägt, das nach dreizehn Jahren und zahlreichen internationalen Auszeichnungen wieder im Festspielhaus zu erleben ist. Eine Straße und sogar ein Asteroid wurden in seiner Heimat nach dem gefeierten Ensemble benannt, international überzeugen die Tänzer innen und Tänzer vor allem durch ihre künstlerische Vielfalt, die Ballett und Modern Dance, aber auch fernöstliche Kampfkünste, Qi Gong, Meditation und Kalligrafie umfasst.
Irgendwo rund um das Dorf Chihshang im östlichen Grabenbruch Taiwans: Im Ursprung des schwarzen „Emperor’s Rice“ hat man chemischen Düngemitteln abgeschworen und ist zur biologischen Landwirtschaft zurückgekehrt. Genau hierher reiste der Choreograf und Gründer des Cloud Gate Dance Theatre, Lin Hwai-min, gemeinsam mit seiner Compagnie anlässlich ihres 40-jährigen Bestehens. In „Rice“ lassen die Tänzerinnen und Tänzer die alltäglichen Bewegungsmuster der Reisbauern, die sie auf dem Feld begleiteten, in die tänzerische Arbeit einfließen und performen zu traditionellen Hakka-Liedern sowie zu Werken von Camille Saint-Saëns oder Gustav Mahler. Videoinstallationen im Hintergrund spiegeln den Lebenszyklus eines Reisfeldes wider und bebildern ein eindringliches Werk über Tod und Wiedergeburt, Zerstörung und Auferstehung.

„Rice“ ist eine Co-Komission von Wen C. Ko in Koproduktion mit National Performing Arts Center – National Theater & Concert Hall, Taiwan, Esplanade – Theatres on the Bay Singapore, New Vision Arts Festival Hong Kong, Sadler’s Wells London, HELLERAU European Center for the Arts Dresden und Théâtre de la Ville Paris. Die Tournee wurde durch Förderungen des Kulturministeriums der Volksrepublik China (Taiwan) und des Ministeriums für Auswärtige Angelegenheiten der Volksrepublik China (Taiwan) möglich gemacht.

Lin Hwai­min , Choreografie und Konzept
Lin Keh­hua , Bühne
Lulu W. L. Lee , Lichtdesign
Ethan Wang , Projektionsdesign
Chang Hao­jan (Howell) , Video
Ann Yu Chien , Kostüme
Li­Ting Huang , Kostüme
Cloud Gate Dance Theatre of Taiwan , Tanz



Bild: © LIU Chen-hsiang

Die Nachspielzeit ist ein Publikumsformat des Landestheaters Niederösterreich, das im Rahmen der Programmpräsentation der neuen Spielzeit eingeführt wurde. Es handelt sich dabei um ergänzende Gesprächsrunden und Diskussionsformate, die das Theatererlebnis vertiefen und Raum für den direkten Austausch mit den Beteiligten bieten.

Eine Musikshow von und mit Caroline Baas, Emma Bahlmann, Clemens Dönicke, Bettina Kerl, Michael Scherff und Felix Thewanger.



Begeben Sie sich mit dem Ensemble auf die Reise durch eine Musikgeschichte, die von Exzess, Genie und viel zu frühen Toden gekennzeichnet ist.



Wenn Jim Morrison das Jahr 2026 mit „This is the End“ verabschiedet, markiert das an diesem Abend nur den Anfang eines berauschenden Übergangs. Wir feiern das musikalische Erbe der „Big Six“ live, roh und unmittelbar. Kurt Cobains wütendes „Smells Like Teen Spirit“ aus dem Grunge-Olymp trifft dabei auf die virtuose Ekstase von Jimi Hendrix’ „Hey Joe“. Janis Joplin schlägt uns mit ihrem Schrei nach dem letzten „Piece of my Heart“ in den Bann, während die sehnsuchtsvollen Zeilen von Amy Winehouses „Back to Black“ durch den Saal hallen. Wir erinnern an die dunkle Eleganz von Brian Jones, dessen Geist in den frühen Werken der Rolling Stones, wie „Paint it Black“, weiterlebt.



Das Ensemble lädt Sie ein, mitzusingen und zu tanzen, bis Sie das alte Jahr aus sich herausgeschüttelt haben! Es wird musiziert, bis die Funken sprühen, um gemeinsam den ultimativen Sprung zu wagen: Mit den Songs der viel zu früh verstorbenen 27-Jährigen rutschen wir direkt hinein in das Jahr 2027.



Was werden Sie finden? Freiheit, Humor und die pure Energie des Rock ’n’ Roll. Am Ende bleibt nur eine Mission – Reach the Stars. Ein Fest des Lebens, der Musik und ein strahlender Start in das neue Jahr!

Wenn das Tonkünstler-Orchester zu Popsongs spielt und das Publikum selbst zu Sänger:innen wird, entsteht nicht nur ein einzigartiges Karaoke-Erlebnis, sondern Massen-Euphorie.

Das großartige Mitmachformat zwischen Orchester und Publikum ist 2027 auch in St. Pölten zu erleben! Das Prinzip dieses Formats, initiiert von Matthias von Hartz, könnte einfacher nicht sein: Das Orchester übt mit Dirigent Jan Dvořák Karaokeübliche Popsongs von The Beatles bis Beyoncé ein, Besucher:innen wählen ihren Song aus und singen ihn dann mit Begleitung durch das Tonkünstler-Orchester.

Matthias von Hartz ist seit 2018 Künstlerischer Leiter des Zürcher Theater Spektakels und der Ideengeber der Orchesterkaraoke, mit der er partizipative Musikformate neu denkt. Mit einem breiten Schaffensspektrum von performativen Projekten bis zu abendfüllenden Opern ist Jan Dvořák als Komponist und Dirigent an der Schnittstelle von verschiedenen Künsten tätig.

BESETZUNG & CREDITS

Matthias von Hartz - Moderation
Jan Wulf - Karaokemaschine
Jan Dvořák - Dirigent
Tonkünstler-Orchester Niederösterreich - Orchester

DIE GROSSE PINGUIN- UND BANANENSHOW

Familienvorstellung ab 6 Jahren

Eine Kooperation mit Jeunesse

Was essen Pinguine besonders gerne? Bananen vom einzigen Bananenbaum am Südpol! Doch eines Tages ist er spurlos verschwunden … Gemeinsam suchen die vier Pinguine einen neuen Ort, an dem es Bananen gibt - begleitet von Saxophonklängen und der wunderbaren Musik von George Gershwin und Claude Debussy. Ihre Reise führt sie bis nach Amsterdam zum Bananenstand von Onkel Jaap. Aber was soll der mit vier Pinguinen machen?

Eine lustige und berührende Musikvorstellung von einem Ensemble, das seinem Namen alle Ehre macht: Ardemus heißt auf Lateinisch "Wir brennen!"

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Ardemus Quartet Musik & Schauspiel
Margrith Vrenegoor Regie & Text
Emile Zeldenrust Bilddesign
Teus van der Stelt Licht
Judith de Zwart Kostüme