Nach drei Jahren Bühnenpause: Hubert von Goisern kündigt Tour 2027 an – ein offenes musikalisches Feld zwischen Ausblicken und Rückblicken. Laut und leise. Ob zu laut oder zu leise, ist eine Frage, die er dem Publikum stellt.

"Zu laut? Wirklich? Ich mach mir darüber keine Gedanken. Mich interessiert eher, wo diese Grenze beim Publikum liegt."

"Ich geh in jedes Konzert mit einer Neugier hinein, was an dem Abend überhaupt passiert – mindestens so neugierig wie das Publikum."

Wenn Hubert von Goisern 2027 wieder auf Tour geht, werden drei Jahre vergangen sein, seit er zuletzt im Konzertformat vor Publikum gestanden ist. Still war er in dieser Zeit allerdings nie.

Im Rahmen der Kulturhauptstadt 2024 war Goisern einen ganzen Sommer lang auf der Straße unterwegs – mit spontanen, kurzfristig angekündigten Konzerten, mit wechselnden Gästen und Besetzungen. Musikalische Begegnungen, die sich jeder Planung entzogen. Die Straße schuf Nähe und eröffnete eine neue künstlerische Freiheit.

"Ich war nie weg. Ich war draußen, auf der Straße, hab gespielt – mit wem es sich ergeben hat. Ich hab Leute eingeladen, wer Zeit gehabt hat, war dabei. Mit ständig wechselnden Situationen umgehen zu lernen, war Herausforderung und Bereicherung zugleich. Wir haben rund 50 Konzerte gespielt. Das war kein Urlaub – es war besser als Urlaub."

Vieles von dem, was 2024 entstanden ist, wird weiterwirken – nicht als Konzept, sondern als Haltung.

Hubert von Goisern war immer ein Künstler, der sich dem Erwartbaren entzogen hat. Seine Musik bewegt sich zwischen Tradition und Innovation, zwischen leisen Momenten und radikalen Brüchen. Sein Stil war nie statisch – sondern immer im Fluss.

"Eigentlich bin ich schon jemand, der sich auf alles genau vorbereitet. Aber da ging’s ums Experimentieren, ums Sich-Überraschen-Lassen. Der Reiz liegt für mich im Zusammenspiel, darin, Dinge zu verbinden, die vielleicht gar nicht zusammengehören. Ich hab mich nie wiederholt – warum sollte ich jetzt damit anfangen?"

Die neue Tour wird genau dort ansetzen: nicht als Reproduktion bestehender Programme, sondern als offenes musikalisches Feld, in dem sich Dinge entwickeln dürfen. Laut und leise – auch als unterschiedliche musikalische Zugänge, die sich durch die Tour ziehen werden.

"Ich weiß, dass sich manche freuen würden, wenn ich einfach nur vertraute Lieder spielen würde. Aber ich habe genug damit zu tun, meine eigenen Erwartungen zu erfüllen. Außerdem gibt es auch jene, die enttäuscht wären, fiele mir nichts Neues ein."

Die Zeit als leiser Begleiter
"Heast as nit, wia die Zeit vergeht …?"
Gibt es etwas Vergänglicheres als die Musik?
Sie ist so flüchtig wie die Zeit selbst.

Ohren auf und hinhören

Daoirí Farrell - Gast Waltzing - Tonkünstler-Orchester

Wenn Irish Folk auf symphonischen Klang trifft, öffnet sich ein weiter Raum zwischen Tradition und Gegenwart. Mit Daoirí Farrell und Mark Redmond stehen gleich zwei irische Ausnahmekünstler erstmals mit dem Tonkünstler-Orchester auf der Bühne.

Irische Musik lebt von ihrer Mischung aus Melancholie und Klarheit. Was heute als Irish Folk weltweit begeistert, wurzelt tief in der keltischen Geschichte der Insel und klingt doch erstaunlich gegenwärtig. Daoirí Farrell, eine der markantesten Stimmen der modernen irischen Volksmusik, trifft mit Gesang und Bouzouki den unverwechselbaren Ton zwischen Innigkeit und Erzähllust. Mark Redmond ergänzt ihn mit den weich atmenden Uilleann Pipes, deren Klang weniger schneidet als umarmt. Gemeinsam mit dem Tonkünstler-Orchester verbinden sich intime Liedformen mit großer orchestraler Weite. Unter der Leitung von Gast Waltzing entsteht so ein Abend, der Tradition nicht ausstellt, sondern lebendig macht.

Daoirí Farrell gilt als eine der wichtigsten Stimmen des zeitgenössischen Irish Folk und wird für seinen eindringlichen Gesang und seine Authentizität geschätzt. Mit Mark Redmond steht ihm ein führender Uilleann-Pipes-Spieler seiner Generation zur Seite: Sein Spiel verbindet tief verwurzelte Tradition mit großer klanglicher Eleganz. Als gefragter Dirigent, Komponist und Arrangeur realisiert der Grammy-Preisträger Gast Waltzing Projekte von Jazz über Filmmusik bis zum symphonischen Repertoire.

BESETZUNG & CREDITS
Daoirí Farrell - Gesang, Bouzouki, Mark Redmond - Uilleann Pipes, Gast Waltzing - Dirigent, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich - Orchester

Kosmopolit, Brückenbauer, Chamäleon: Wie kaum ein anderer zeitgenössischer Choreograf vermag es Sidi Larbi Cherkaoui einen pulsierenden Kosmos aus Kulturen und Kunstformen zu vereinen. Den im mehrsprachigen Belgien geborenen und aufgewachsenen Sohn einer flämischen Mutter und eines marokkanischen Vaters treibt seit jeher die Frage nach den eigenen Wurzeln um. In Vlaemsch (chez moi) geht er mit dem bildenden Künstler Hans Op de Beeck, dem Modedesigner Jan-Jan Van Essche sowie dem Lautenspieler Floris de Rycker der gemeinsamen Herkunft nach. Mit ihren jeweils eigenen künstlerischen Handschriften erforschen die vier zeitgenössischen „flämischen Meister“ die tief liegenden Schichten des flachen Landes und reisen dabei von der Gegenwart bis in die Vergangenheit zurück.

Wie lasst sich Identität definieren? Sidi Larbi Cherkaoui kreiert eine schillernde Hommage auf die Vielfalt.

Dass in der Küche nicht nur gutes Essen, sondern auch erlesene Musik kreiert werden kann, beweist Curtis Stigers mit seinen Songs From My Kitchen, die er am heimischen Herd erprobt hat und nun auf die große Konzertbühne bringt.

Man erinnert sich noch gut: Als während der Pandemie der Konzertbetrieb stillstand, wurden Musiker:innen erfinderisch und präsentierten ihre Kunst an ungewöhnlichen Orten. Curtis Stigers streamte wöchentlich ein Konzert aus seiner privaten Küche, die zur intimen Bühne für seine entspannten, nur mit Gitarre begleiteten Songs wurde. Unter dem Titel Songs From My Kitchen hat es die bei seinen Fans überaus beliebte Internet-Konzertserie auf über 50 Episoden gebracht. Aus dem riesigen Songfundus dieser Zeit hat Stigers nun einige ausgewählte Perlen auf Songs From My Kitchen Vol. I veröffentlicht – ein Album, das mit seiner aparten Mischung aus Stigers’ eigenen und gecoverten Songs auf ein akustisches, reduziertes Klangideal setzt und mit Blues und Folk flirtet.

Der Sänger und Saxofonist Curtis Stigers landete 1991 mit I Wonder Why einen weltweiten Top-Ten-Hit und ist seitdem im Popbereich erfolgreich. In den 2000er-Jahren wandte er sich verstärkt dem Jazz zu und hat sich nun als Singer-Songwriter neu erfunden.

Walburga Stromminger, die Tochter des Höchstbauern, hat sich ihren Spitznamen redlich verdient, hat es doch sonst niemand gewagt, dem Geier das Nest auszuräumen. Nur die Geierwally ist so wild, so frei. Bis sie ihr Herz an den Bärenjosef verliert und sich dem Vater widersetzt. Wally wird auf den höchsten Berg verbannt, in die Kargheit und Einsamkeit. Aufgeben wird sie, der Vater ist sicher, dass der Winter sie zurück in
sein Haus treiben wird.



Doch sie ist unbeugsam, mit ihrem Geier zur Gesellschaft bleibt sie sich treu, erträgt die Verbannung und die Häme des Dorfes, bis schließlich der Vater stirbt und der Hof an sie fällt. Doch auch mit all dem Reichtum und der Macht der Hochbäuerin fehlt etwas. Die stolze Geierwally hat ihr einst verlorenes Herz noch nicht wieder gefunden.



Die Südtiroler Autorin Anna Gschnitzer hat schon mehrfach bewiesen, dass sie ein Gespür für den emotionalen Kern einer Erzählung hat, ohne dabei in Klischees zu verfallen. Den 1875 veröffentlichten Roman von Wilhelmine von Hillern bearbeitet Gschnitzer, indem sie Altbekanntes infrage stellt – sie zeigt keine verkitschte Opernvision, sondern die harte Realität einer Außenseiterin, die sich nicht verbiegen lassen will, nicht einmal um der Liebe willen.



Wolfgang Menardi zählt zu den gefragtesten Regisseuren der Gegenwart. Er bringt „Die Geierwally“ gemeinsam mit Volksmusiker:innen und Tänzer:innen sowie dem Stadtensemble als brandaktuelles, feministisches Heimatstück auf die Bühne.



Regie & Bühne: Wolfgang Menardi

Kostüme: Michael Sieberock-Serafimowitsch

Künstlerische Produktionsleitung: Lucas Vogel

Dramaturgie: Tabea Baumann

Komposition & Musik: Matteo Haitzmann


Uraufführung am 15. März 2027

"Music was my first love, and it will be my last (John Miles)."

Frank Wedekinds „Musik“ zerlegt die bürgerliche Moral wie ein verstimmtes Klavier: Eine Gesellschaft, die sich Anstand auf die Fahnen schreibt, produziert Ausbeutung, Gewalt und Schuld – und nennt es Ordnung. Im Zentrum steht Klara Hühnerwadel, eine junge Frau mit dem Talent zur großen Sängerin, die in ein System gerät, das sie benutzt und schließlich fallenlässt. Ihr Gesangslehrer schwängert sie und rät zur Abtreibung. Während andere Karriere machen, landet sie im Gefängnis. Verantwortung wird verschoben, Moral gepredigt, Kunst dient als Ausrede. Klara wird beschämt, reglementiert und verbraucht – und muss zugleich um ihr Überleben kämpfen.



Regisseur Lars-Ole Walburg sieht „Musik“ als Versuchsanordnung über soziale Beziehungen: über Abhängigkeit, emotionale Ausbeutung und die Illusion von Freiheit. Die Figuren erscheinen als automatisierte Menschen in einem Beziehungsgetriebe – exemplarisch, komisch, kalt und grausam. Was haben wir gelernt über Liebe, Macht und Geschlechterrollen? Und was läuft bis heute schief zwischen den Geschlechtern? Wedekinds Stück ist Tingeltangel und Gruselkabinett, Moritat und Anklage zugleich – eine frühe MeToo-Geschichte, ein zeitloser Stoff zwischen „Der Report der Magd“ und „Brazil“. Ein Drama über Kunst, Kontrolle und Begehren – und über ein Menschsein, das in einer Welt aus Regeln zu ersticken droht.



Regie: Lars-Ole Walburg

Bühne: Robert Schweer

Kostüme: Maria Walter

Dramaturgie: Patricia Nickel-Dönicke


Premiere am 13. März 2027

"Nos matins intérieurs"

Jonglieren als Lebenskunst: Zehn Jongleur:innen und vier Musiker erschaffen einen Abend über Aufmerksamkeit, Zeit und das fragile Gleichgewicht zwischen Ich und Wir.

Collectif Petit Travers entwickelt gemeinsam mit dem Quatuor Debussy ein Bühnenstück über die Praxis des Jonglierens. Zur Musik von Henry Purcell und Marc Mellits entstehen präzise Bewegungsbilder, persönliche Monologe und kollektive Formationen. Jeder Körper, jedes Objekt, jede Stimme behauptet seine Eigenheit und fügt sich zugleich ins Ganze. So wächst auf der Bühne eine fragile Utopie, in der Technik, Spiel, Ernst und Humor ineinandergreifen. Ein Abend, der Staunen, Lachen und Konzentration gleichermaßen fordert und belohnt.

Seit 2004 ist Collectif Petit Travers für großformatige Jonglage-Produktionen und Vermittlungsarbeit bekannt. Mit Aufführungen weltweit und prägenden Kooperationen unter anderem mit Pina Bausch, Maguy Marin und Jérôme Thomas steht die Compagnie für eine offene, zeitgenössische Form der Jonglage. Das Quatuor Debussy zählt zu den international renommierten Streichquartetten und begeistert weltweit mit stilistischer Offenheit, Neugier und höchster musikalischer Qualität.

Altersempfehlung ab 7 Jahren

Die Nachspielzeit ist ein Publikumsformat des Landestheaters Niederösterreich, das im Rahmen der Programmpräsentation der neuen Spielzeit eingeführt wurde. Es handelt sich dabei um ergänzende Gesprächsrunden und Diskussionsformate, die das Theatererlebnis vertiefen und Raum für den direkten Austausch mit den Beteiligten bieten.

Martin Frank - "Grüße aus Allegro Süd"

Sie sehnen sich nach einem Kurzurlaub aus dem Wahnsinn der Welt? Dann kommen Sie für einen zweistündigen Comedyabend nach Allegro Süd. Sie wissen nicht, wo das liegt? Martin auch nicht. Aber der 33-jährige Comedian hat alles im Gepäck, was der Name "Allegro Süd" verspricht: authentische Gags, mitreißendes Tempo, genussvolle Musik und einen unvergleichlichen bayerischen Charme.
Während sich anderswo die großen Dampfplauderer in die ersten Reihen drängen und die Welt mit Hasstiraden in den Wahnsinn treiben, schätzt man in Allegro Süd die bodenständige zweite Geige.
In seinem fünften Soloprogramm redet sich Martin Frank in seiner unverwechselbaren Art alles von der Seele, was ihn gerade so bewegt. Sie haben noch nie etwas von diesem Comedian gehört? Dann sollten Sie schleunigst Ihre Oma fragen! Oder Sie lassen sich überraschen und vertrauen auf das, was 123jackydaniel789 auf YouTube schreibt: "Super lustig aber das Singen nervt!". Also buchen Sie, überzeugen Sie sich selbst und schicken auch Sie "Grüße aus Allegro Süd" in die Welt hinaus.

"Music was my first love, and it will be my last (John Miles)."

Frank Wedekinds „Musik“ zerlegt die bürgerliche Moral wie ein verstimmtes Klavier: Eine Gesellschaft, die sich Anstand auf die Fahnen schreibt, produziert Ausbeutung, Gewalt und Schuld – und nennt es Ordnung. Im Zentrum steht Klara Hühnerwadel, eine junge Frau mit dem Talent zur großen Sängerin, die in ein System gerät, das sie benutzt und schließlich fallenlässt. Ihr Gesangslehrer schwängert sie und rät zur Abtreibung. Während andere Karriere machen, landet sie im Gefängnis. Verantwortung wird verschoben, Moral gepredigt, Kunst dient als Ausrede. Klara wird beschämt, reglementiert und verbraucht – und muss zugleich um ihr Überleben kämpfen.



Regisseur Lars-Ole Walburg sieht „Musik“ als Versuchsanordnung über soziale Beziehungen: über Abhängigkeit, emotionale Ausbeutung und die Illusion von Freiheit. Die Figuren erscheinen als automatisierte Menschen in einem Beziehungsgetriebe – exemplarisch, komisch, kalt und grausam. Was haben wir gelernt über Liebe, Macht und Geschlechterrollen? Und was läuft bis heute schief zwischen den Geschlechtern? Wedekinds Stück ist Tingeltangel und Gruselkabinett, Moritat und Anklage zugleich – eine frühe MeToo-Geschichte, ein zeitloser Stoff zwischen „Der Report der Magd“ und „Brazil“. Ein Drama über Kunst, Kontrolle und Begehren – und über ein Menschsein, das in einer Welt aus Regeln zu ersticken droht.



Regie: Lars-Ole Walburg

Bühne: Robert Schweer

Kostüme: Maria Walter

Dramaturgie: Patricia Nickel-Dönicke


Premiere am 13. März 2027

Pippo Pollina verkörpert den Cantautore im besten Sinne: poetische Liedkunst zwischen mediterraner Melodik und politischem Songwriting. Nun präsentiert der sizilianische Sänger sein Solo-Programm als mitreißende Werkschau über Krieg, Frieden und Hoffnung.

Solo in Concerto vereint zeitlose Klassiker, neue Kompositionen und musikalische Raritäten aus dem Repertoire Pollinas. Der Sänger begleitet sich dabei mit Klavier und Gitarre, ergänzt durch visuelle Projektionen, die seinen bemerkenswerten Lebensweg nachzeichnen: vom Palermo der 1980er-Jahre über die prägende Zeit als Straßenmusiker bis auf die großen Bühnen Europas. Im zweiten Teil des Abends gesellt sich Elisa Sandrini zu ihm. Mit der Sängerin, Pianistin und Akkordeonistin entwickelt Pollina vielschichtige Versionen seiner Lieder. So wird Solo in Concerto zu einem ganz neuen Erlebnis – auch für Kenner:innen seines außergewöhnlichen Werkes.

Der 1963 in Palermo geborene Giuseppe Pollina startete seine Karriere mit der politisch engagierten Folk-Gruppe Agricantus. Parallel dazu studierte er klassische Gitarre und Musiktheorie. Später schrieb er für die investigative Zeitschrift I Siciliani, bevor er als Straßenmusiker durch Europa zog. Mittlerweile zählt er mit zahlreichen Alben und internationalen Tourneen zu den prägenden Cantautori seiner Generation. Mit Elisa Sandrini steht ihm eine vielfach talentierte Musikerin zur Seite, die mit zahlreichen Projekten regelmäßig auf Europas Bühnen zu sehen ist.

Auch 2027 begrüßen wir das Theater mit Horizont bei uns im Großen Haus. Humorvoll und temporeich bringt das vierköpfige Ensemble den Roman von Jules Verne auf die Bühne. Der abenteuerlustige Engländer Phileas Fogg wettet kühn um 20.000 Pfund, dass er es schafft, in 80 Tagen um die Welt zu reisen. Ob Phileas Fogg die Wette gewinnen wird, könnt ihr im Juni 2027 herausfinden.


Regie: Clemens Handler

Für alle ab 5 Jahren!!

Auch 2027 begrüßen wir das Theater mit Horizont bei uns im Großen Haus. Humorvoll und temporeich bringt das vierköpfige Ensemble den Roman von Jules Verne auf die Bühne. Der abenteuerlustige Engländer Phileas Fogg wettet kühn um 20.000 Pfund, dass er es schafft, in 80 Tagen um die Welt zu reisen. Ob Phileas Fogg die Wette gewinnen wird, könnt ihr im Juni 2027 herausfinden.


Regie: Clemens Handler

Für alle ab 5 Jahren!!

Unter jedem Stein am Domplatz ein Toter – und weit und breit keine Verdächtigen. Aber sind das überhaupt richtige Leichen? Gibt es echte und falsche Tote? Wenn man nicht weiß, woran jemand gestorben ist, gibt es dann überhaupt ein Verbrechen? 20.000 Tote, zwischen 2010 und 2019 in mühevoller Kleinarbeit exhumiert, warten auf eine Gelegenheit, ihre Geschichte zu erzählen.



Otto Prokop, der Vorreiter der Forensik, könnte vielleicht helfen, wenn es in seinem Geburtsort St. Pölten auf einmal ein Drittel so viele Tote wie Einwohner:innen gibt. Doch lohnt es sich, dafür aus seiner Wahlheimat DDR zurückzukehren, zu einem Fall, der sich der reinen Wissenschaft vielleicht sogar entzieht? Zwei Schauspieler:innen machen sich auf die Suche nach den Schuldigen. Die Spuren scheinen eindeutig, schnell ist ein potenzieller Täter gefunden. Zu schnell? Die scheinbare Klarheit der Beweise lässt Unsicherheit aufkommen, und die Forschenden irren weiter durch die Dunkelheit, ruhelose Geister auf der Suche nach Antworten. Denn eines wird immer klarer: Die Schuld weilt unter uns.




Bert Zander wagt ein Theaterexperiment und entwickelt mit dem Ensemble ein spannendes „Whodunnit“, das die Kombinationsgabe des Publikums auf die Probe stellt. Doch auch abseits der Bühne haben wir alle unsere kleinen und großen Geheimnisse …

Eine Musikshow von und mit Caroline Baas, Emma Bahlmann, Clemens Dönicke, Bettina Kerl, Michael Scherff und Felix Thewanger.



Begeben Sie sich mit dem Ensemble auf die Reise durch eine Musikgeschichte, die von Exzess, Genie und viel zu frühen Toden gekennzeichnet ist.



Wenn Jim Morrison das Jahr 2026 mit „This is the End“ verabschiedet, markiert das an diesem Abend nur den Anfang eines berauschenden Übergangs. Wir feiern das musikalische Erbe der „Big Six“ live, roh und unmittelbar. Kurt Cobains wütendes „Smells Like Teen Spirit“ aus dem Grunge-Olymp trifft dabei auf die virtuose Ekstase von Jimi Hendrix’ „Hey Joe“. Janis Joplin schlägt uns mit ihrem Schrei nach dem letzten „Piece of my Heart“ in den Bann, während die sehnsuchtsvollen Zeilen von Amy Winehouses „Back to Black“ durch den Saal hallen. Wir erinnern an die dunkle Eleganz von Brian Jones, dessen Geist in den frühen Werken der Rolling Stones, wie „Paint it Black“, weiterlebt.



Das Ensemble lädt Sie ein, mitzusingen und zu tanzen, bis Sie das alte Jahr aus sich herausgeschüttelt haben! Es wird musiziert, bis die Funken sprühen, um gemeinsam den ultimativen Sprung zu wagen: Mit den Songs der viel zu früh verstorbenen 27-Jährigen rutschen wir direkt hinein in das Jahr 2027.



Was werden Sie finden? Freiheit, Humor und die pure Energie des Rock ’n’ Roll. Am Ende bleibt nur eine Mission – Reach the Stars. Ein Fest des Lebens, der Musik und ein strahlender Start in das neue Jahr!

Die Nachspielzeit ist ein Publikumsformat des Landestheaters Niederösterreich, das im Rahmen der Programmpräsentation der neuen Spielzeit eingeführt wurde. Es handelt sich dabei um ergänzende Gesprächsrunden und Diskussionsformate, die das Theatererlebnis vertiefen und Raum für den direkten Austausch mit den Beteiligten bieten.