Der Zauberer Beelzebub Irrwitzer hat einen Pakt mit dem Teufel geschlossen, der ihn dazu verpflichtet, jährlich eine bestimmte Anzahl an bösen Taten zu vollführen. Irrwitzer ist dabei auf Naturkatastrophen, Überschwemmungen und vergiftete Flüsse spezialisiert. Der Hohe Rat der Tiere schickt geheime Beobachter*innen aus, um die Ursache des Übels aufzuklären. So schleicht sich der Kater Maurizio di Mauro als Spion bei Irrwitzer ein. Am Tag vor Silvester kommt die gierige Geldhexe Tyrannia Vamperl mit ihrem Raben Jakob Krakel auf Besuch. Irrwitzer und Vamperl versuchen die Verpflichtung an bösen Taten zu erfüllen. Dabei soll ihnen ein satanischer, genialischer Wunschpunsch helfen, der alle guten Wünsche in ihr grimmiges Gegenteil verkehrt. Aber auch Jakob ist ein Spion und plant gemeinsam mit Maurizio, den bösen Hexern das Handwerk zu legen ...

Das Zaubermärchen von Michael Ende erschien erstmals 1989 und thematisierte bereits damals den Klimawandel als Folge von Machtstreben und Gewinnsucht. Mit dem ungleichen Paar des vornehmen Katers und des raubeinigen Raben steht im Zentrum die Utopie, dass wir durch Überwindung von Gegensätzen neue Freunde finden und gemeinsam die Welt retten können. Felix Metzner, der für das Landestheater Niederösterreich bereits sehr erfolgreich „Emil und die Detektive“ und „Ronja Räubertochter“ inszeniert hat, bringt „Der satanarchäolügenialkohöllische Wunschpunsch“ mit viel Theaterzauber auf die Bühne.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 6 Jahren

Mitwirkende

Prof. Dr. Beelzebub Irrwitzer
Sven Kaschte

Tyrannja Vamperl
Michaela Kaspar

Maurizio di Mauro
Florian Haslinger

Jakob Krakel
Boris Popovic

Inszenierung
Felix Metzner

Bühne
Johannes Weckl

Kostüme
Elena Kreuzberger

Musik
Gregor Sandler

Dramaturgie
Thorben Meißner

Vom Kinderzimmer bis aufs legendäre Wacken Open Air, vom Familienausflug bis zur Festivalbühne, von kleinen Clubs bis zu großen Hallen - HEAVYSAURUS spielen echten Metal für Groß und Klein.

Nach dem überwältigen Erfolg der "Pommesgabel Tour" 2024 und 2025 - über 350 Termine! - legen HEAVYSAURUS nun nach: Mit ihrem kommenden Album "METAL" (VÖ 30.01.2026) und einem neuen Liveprogramm tourt die Band in 2026 erneut intensiv durch Deutschland, Österreich und die Schweiz.

Von allen verkauften Tickets werden 1€ an "Die Arche" gespendet !

JOHNNY BERTL ERZÄHLT DIE GESCHICHTE EINER FREUNDSCHAFT

Der österreichische Liedermacher Ludwig Hirsch prägte mit seinen unvergesslichen Liedern die Austropop Geschichte. Seit seinem legendären Debüt-Album "Dunkelgraue Lieder" (1978) mit Klassikern wie "Die Omama", "Spuck den Schnuller aus", "Der Herr Haslinger", "I lieg am Ruckn" und mit dem großen Vermächtnis von „Komm großer schwarzer Vogel“ bleibt Ludwig Hirsch tief im Bewusstsein seiner Fans und Wegbegleiter erhalten.

Sein langjähriger Weggefährte, Bandleader und Gitarrist Johnny Bertl garantiert den vertrauten Hirsch-Live Sound mit seiner fantastischen Band.

Zusammen mit Felix Kramer, Thomas Stipsits, Wolf Bachofner & Jo Bertl, möchten wir dem unvergleichlichen Ludwig Hirsch gedenken und widmen diesen besonderen Abend dem Werk des größten österreichischen Liedermachers unserer Zeit.

In diesem Sinne - Ludwig wir denken an Dich!

Band:

Johnny Bertl - Gitarre
Andi Steirer - Perkussion, Schlagzeug
Dieter Kolbeck - Keyboard
Sebastian Gansch - Bass
Felix Kramer - Gitarre

Buch: Nicolaus Hagg
Ton: Valentin Zopp

Idee und Produktion:
Scheibmaier & Schilling Promotion GmbH

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Ein innovativer Klangzauberer und ein außergewöhnliches Instrument: Manu Delago, der Meister der Handpan, begibt sich gemeinsam mit dem Tonkünstler-Orchester und den vokalen Harmonien von Mad About Lemon in ein musikalisches Universum aus Rhythmus, Melodie und Emotion.

Manu Delago und seine Handpan sind längst keine Unbekannten mehr: Was so ähnlich aussieht wie ein Schildkrötenpanzer aus Metall, ist musiktechnisch betrachtet ein ziemlich junges Musikinstrument: ein zweischaliges Aufschlagidiophon aus Stahlblech mit mehreren Tonfeldern auf der Oberseite. Zusammen mit den klangvollen dreistimmigen Songs der Tirolerinnen Valerie Costa, Mimi Schmid und Anna Widauer von Mad About Lemon sowie mit den Tonkünstlern unter Jules Buckley garantiert Manu Delago, der auf Handpan und Drums (nicht nur) alle Hände voll zu tun haben wird, ein Erlebnis der Sonderklasse.

Manu Delago entdeckte schon mit zwei Jahren seine Liebe zum Schlagzeug im Besonderen sowie zur Musik im Allgemeinen. Als Teenager in diversen Bands aktiv, studierte der Musiker und Komponist in Innsbruck und London und tritt seit fast 20 Jahren in selbstgegründeten Formationen auf, mittlerweile in mehr als 50 Ländern auf sechs Kontinenten.

BESETZUNG

Manu Delago Handpan & Schlagzeug, Mad About Lemon Vokaltrio, Jules Buckley Dirigent, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

Bereits zum 69. Mal findet am Freitag, dem 13. Februar 2026, der traditionelle Landhausball im NÖ Landhaus statt (Einlass 19:30 Uhr, Beginn 20.30 Uhr). Als Gastgeber fungiert der gewerkschaftliche Betriebsausschuss beim Amt der NÖ Landesregierung.

Die Ballbesucher erwarten mehrere Dance-Floors für ausgelassene Ballstimmung und Tanzvergnügen.
Die legendäre Ball-Disco und die allseits beliebte Publikumsquadrille kurz vor Mitternacht dürfen beim Landhausball auch nicht fehlen. Eröffnet wird der Ball vom Jungdamen&Jungherren-Komitee der Tanzschule Schwebach aus St. Pölten.

Auch kulinarisch hat der Ball Einiges zu bieten: Der eigens kreierte Ballwein von den NÖ Landesweingütern an der Weinbar, Sektbar im Landtagsschiff, Café, Restaurant in der Landhausküche, Heuriger, Cocktailbar auf der Ausstellungsbrücke, Bierbrunnen mit Snackbar uvm.

Auf die zahlreichen Ballbesucher wartet eine große Tombola mit attraktiven Preisen.

„Das Leben ist wie eine Schachtel Pralinen“, sagte einst Forrest Gump. „Das Leben ist wie eine Schachtel – keine Pralinen – einfach eine deppate Schachtel. Was du reintust, liegt an dir“, sagt Marco Pogo.

Mit „Lost & Found“ kehrt Marco Pogo auf die Kabarettbühne zurück – gewohnt pointiert, gnadenlos ehrlich und mit einem untrüglichen Gespür für die Komik des Alltags.

Das neue Programm ist eine prall gefüllte Wundertüte: vom alltäglichen Irrsinn bis hin zu den Absurditäten, die wohl nur einem Menschen mit einem Lebenslauf wie Marco Pogo passieren können.

Tanz, Projektionen und Klang verschmelzen zu einer poetisch-lehrreichen Reise, die Vorurteile über Haie humorvoll und achtsam hinterfragt.

Tanz/Schauspiel Stimmt es, dass Haie fliegen können? Was haben Kühe mit Haien zu tun? Und was bitte ist ein Revolvergebiss? Nach dem Erfolg von Faszination Qualle taucht Choreografin Christine Maria Krenn erneut tief in die Geheimnisse der Unterwasserwelt ein. Gemeinsam mit den Protagonist:innen Lizzy und Jonny werden kleine und große Zuseher:innen mit Humor und spielerischen Elementen dazu eingeladen, die faszinierenden Tiere zu erforschen. Zugleich informiert die Inszenierung über Bedrohungen von Haien, erklärt, wieso Haifischsuppe keine Delikatesse sein sollte, und ruft zu mehr Achtsamkeit im Umgang mit der Natur auf. Mit Projektionen, eindrucksvollem Lichtdesign und tänzerischer Performance entsteht ein Theatererlebnis, bei dem alle Kinder Teil der Geschichte sind – mitmachen und Fragen stellen ausdrücklich erlaubt!

Christine Maria Krenn studierte Bühnentanz an der Anton Bruckner Privatuniversität Linz. Für das 2006 gegründete Tanztheater HELIX schuf Krenn zahlreiche erfolgreiche Regie- und Choreografiearbeiten, darunter eine Klangwolke zu Moby Dick an der Linzer Donaulände. Seit 2019 agiert sie als Künstlerische Leiterin von HELIX projects.

BESETZUNG

Christine Maria Krenn (HELIX projects) Regie, Choreografie, Tanz, Martina Kneidinger al. Mintha Musik, Julius Zwirtmayr Sound, Christian Scharrer, Christine Maria Krenn Textbuch, Schauspiel, Andreas Berhmani Licht, BerMo – Lichtkunst in Bewegung Bühne, Animationen

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Bei THE VOICES JAM ist das Publikum aktiver Teil der Show. Zu den Songs gibt es eine schnelle musikalische Anleitung und alle machen live mit. Es sind keine musikalischen Vorkenntnisse erforderlich. Über LED-Anzeigen werden die Songtexte live eingeblendet und mitsingen könnte nicht einfacher sein.

An einem THE VOICES JAM Event werden bis zu 20 Songs gesungen. Professionelle Musiker begleiten die Teilnehmer durch das Konzert und sorgen für ein unvergessliches, emotionales Erlebnis. Der Höhepunkt der Show ist es, die gerade erst gelernten Songs inklusive Choreografie zusammen mit der Live-Band zu performen.

Ob allein oder mit Freunden und Familie - bei THE VOICES JAM wirst man ganz schnell Teil der Community. Eine ausgelassene Stimmung und die Dynamik der vielen "Voices" zünden sofort und machen das Event unvergesslich. Das gesamte Event wird gefilmt und in den sozialen Medien geteilt, so dass es auch später von zu Hause aus nochmal erlebt werden kann.

Location im Überblick

14. Februar 2026 – Freiraum, St. Pölten - Beginn: 20 Uhr - Einlass: 19 Uhr.
Die Location ist unbestuhlt - es besteht freie Platzwahl.

Es gibt eine Pause im Programm. Vor Ort gibt es ein Angebot an Getränken. Eine Garderobe ist vorhanden.

Christof Spörk hat schon viele Lieder geschrieben. Und er kann ein Lied davon singen, wie es ist, im schönsten Land der latenten Unzufriedenheit, pardon im unzufriedensten Land der latenten Schönheit zu leben. Andere mögen Heimat- oder Liebeslieder sülzen. Spörk trällerte bisher eher über Lärmschutzwände, Gewerbeparks oder Schneekanonen. Immer in der Hoffnung, sie mögen ob seines Gesanges aufhören, das Land zu verschandeln. Spörks Lieder lieben immer das Leben, auch wenn das Leben oft lieblos ist.

Mit „Maximo Lieder“ kehrt der promovierte Politikwissenschaftler und proklamierte Jazzsänger Spörk zu seinen Wurzeln zurück. Schon 2001 gründete er ein austro-kubanisches Projekt namens „Maximo Lieder“, eine musikalisch-satirische Anspielung auf den Rockstar unter den starken Männern, den – Karl Marx habe ihn selig! – längst verstorbenen „Máximo Líder“ Fidel Castro. Damals war sogar der ORF überzeugt, die Zeit der starken Führer und Diktatoren sei vorbei. Deswegen musste Karl Moik gehen. Das Paradies schien nahe. Doch weit gefehlt. Fröstelnd staunend erleben wir gerade eine Renaissance der genauso „starken“ wie intellektuell bescheidenen Männer, denen man eigentlich besser keinen Hund anvertraut. Wobei, die meisten lieben ihren Hund ohnehin mehr als ihr Land.

Nicht nur Hundebesitzerinnen wähnen sich gerade im falschen Jahrhundert. Auch der berühmte Vogel, den jede/r Wahlberechtigte sein Eigen nennen darf, ist vielerhirns am Verrecken. Wahrscheinlich stimmt die Futterzufuhr nicht. Zu viel von allem. Zu wenig Essbares. Smartphones mögen handlicher sein als Zeitungen. Doch Vögel essen im Gegensatz zum Homo Sapiens ungerne heiße Luft oder alternative Fakten. Zumindest ein Körndl (Wahrheit) sollte immer dabei sein. Bei den Vögeln jetzt.

Aber bitte keine Sorge: „Maximo Lieder“ Spörk gibt keine vorschnellen Antworten. Stellt aber vielleicht manche richtige Frage. Gehört die Weltgeschichte zur Spezies der Wiederkäuer? Wenn ja, sind wir geschichtsschreibenden Menschen eher Ziegen oder Schafe, wie es eine führende Weltreligion behauptet? Oder: warum achten wir bei Kindergärtnerinnen drauf, dass sie gute Menschen sind und werfen Selbiges Politikerinnen vor? Warum werden Arschlöcher im Manneskörper als durchsetzungsstark bewundert? Ja, warum eigentlich lassen wir uns von ausgemachten Deppen Tag für Tag vorführen? Befinden wir uns vielleicht auf einer kollektiven Verkaufsfahrt für KI? Und warum macht ein fehlendes „i“, aus der schönsten aller Künste, der MUSIK, einen seelisch verwahrlosten, bitterarmen Multimilliadär, der von sich meint, die Welt retten zu müssen?

Ab Jänner 2026 und ab dann immer wieder: Maximo Lieder!

Denn was die Welt jetzt braucht ist: Liedership!

Drei Kontinente, drei Persönlichkeiten, ein gemeinsamer Rhythmus: Als BEATrio lassen wahre Meister ihrer Fächer Harfe, Banjo und Drums aufeinandertreffen. Aus dem klanglichen Wagnis wird dabei eine musikalische Offenbarung.

Das BEATrio ist die neueste Formation des 18-fachen Grammy-Preisträgers Béla Fleck. Als stilbildender Grenzgänger zwischen Bluegrass, Jazz und Folk lotet der Banjovirtuose seit Jahrzehnten neue musikalische Räume aus. Gemeinsam mit Harfenist Edmar Castañeda und Schlagzeuger Antonio Sánchez entfacht er nun erneut ein innovatives Klangfeuer: 2024 traten sie erstmals als Trio im New Yorker Blue Note Jazz Club auf. Aus Improvisationen entstand dabei ihr Debütalbum BEATrio. Castañedas feingliedrige Harfenlinien, Sánchez’ präzise Drums und Flecks virtuoses Banjo-Spiel greifen nahtlos ineinander. Tracks wie Countryside oder Cloak and Dagger zeigen das Trio in Balance zwischen Struktur und Freiheit. Ein klanglicher Hochgenuss – kontrastreich unerwartet harmonisch und fesselnd.

Der gebürtige New Yorker Béla Fleck revolutionierte mit seiner Band The Flecktones die Klangsprache des Banjos. Harfenist Edmar Castañeda aus Bogotá gilt mit Auftritten in der Carnegie Hall und durch Kooperationen mit führenden Jazz- und Latin-Größen als prägende Stimme seines Instruments. Der mexikanische Schlagzeuger Antonio Sánchez wurde durch seine Zusammenarbeit mit Pat Metheny und der Filmmusik zu Alejandro González Iñárritus Birdman international bekannt.

Gastspiel Berliner Ensemble

Beschreibung

„Fremder als der Mond“ ist eine Hommage an Bertolt Brecht (1898–1956), einen der prägendsten Theatermacher seiner Zeit, dessen politische Visionen bis heute Bestand haben. Er war Stückeschreiber, politischer Denker und zusammen mit Helene Weigel Gründer des Berliner Ensembles. Brecht war aber auch ein begnadeter Lyriker. „Fremder als der Mond“ verwebt Brecht-Lieder von Hanns Eisler und anderen mit Dichtungen und autobiografischer Prosa zu einer musikalisch-fragmentarischen Lebenserzählung. Tagebuchzeilen und Gedichte prallen auf Verse und Prosa, die Texte handeln vom Werden einer Künstlerpersönlichkeit, den Schwierigkeiten des Liebeslebens, von Krieg, Exil und Heimkehr – und vom Sterben und dem Verhältnis von Autor und Nachwelt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 12 Jahren

Gastspiel Berliner Ensemble

Beschreibung

„Fremder als der Mond“ ist eine Hommage an Bertolt Brecht (1898–1956), einen der prägendsten Theatermacher seiner Zeit, dessen politische Visionen bis heute Bestand haben. Er war Stückeschreiber, politischer Denker und zusammen mit Helene Weigel Gründer des Berliner Ensembles. Brecht war aber auch ein begnadeter Lyriker. „Fremder als der Mond“ verwebt Brecht-Lieder von Hanns Eisler und anderen mit Dichtungen und autobiografischer Prosa zu einer musikalisch-fragmentarischen Lebenserzählung. Tagebuchzeilen und Gedichte prallen auf Verse und Prosa, die Texte handeln vom Werden einer Künstlerpersönlichkeit, den Schwierigkeiten des Liebeslebens, von Krieg, Exil und Heimkehr – und vom Sterben und dem Verhältnis von Autor und Nachwelt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 12 Jahren

Rauschen ist eine ungestüme Bewegung, ein Anstürmen, ein Anlaufen, um das Leben in seiner ganzen Intensität zu spüren: Choreograf Joachim Schlömer lädt dazu ein, die flüchtige Schönheit des Augenblicks und die Energie des Tanzes zu erleben.

Tanz/Live-Musik mit Rauschen oder der Nachhall der Tage feiern sechs Tänzer:innen und ein Musiker die Vergänglichkeit des Lebens und die unvergängliche Kraft des Tanzes. Mit jedem Schritt, jeder Geste und jedem Klang entsteht ein berauschender Strudel, in dem Bewegung und Musik miteinander verschmelzen. Jede Bewegung wird zum flüchtigen Moment, der zugleich tief in der Erinnerung nachklingt. Ein Tanz über die Schönheit des Augenblicks, über das Geheimnis, dass Tanz die Zeit überwinden kann – flüchtig, intensiv, triumphierend!

Joachim Schlömer prägte als Künstlerischer Leiter die Tanztheater am Nationaltheater Weimar und am Theater Basel sowie von 2009 bis 2013 das Festspielhaus St. Pölten. In seiner Arbeit als Regisseur und Choreograf, u. a. für Oper und Schauspiel, überzeugt er durch seine einzigartige Verbindung von Musik und Bewegung. Seit 2024 leitet er das Choreografische Zentrum sowie das Labor Tanz & Medien am Tanzhaus Basel.

Eine Koproduktion von Tanzhaus Basel und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Joachim Schlömer Konzept, Choreografie, Joachim Schlömer, Andreas Greiner, Anne-Sophie Raemy Raum, Licht, Janiv Oron Sound, Anne-Sophie Raemy Kostüme, Janiv Oron, Kali Malone Musik, Iva Dixson, Nona Munnix, Anna Riley-Shepard, Patricia Rotondaro, Marco Volta, Sebastian Zuber Tanz

Ja, es gibt ein Leben außerhalb der Schule - auch für Andreas Ferner, "Lehrer des Jahres" und preisgekrönter Kabarettist der Herzen. Nach 25 Jahren hängt er Kreide und Schwamm an den Nagel, spendet seinen Overheadprojektor dem technischen Museum und startet jetzt als Vollzeitkabarettist mit seinem Programm "Nie mehr Schule!" neu durch.
Weit über den Schulbrotrand hinaus wirft er sich dabei kopfüber in die Abenteuer einer neuen Berufung, einer neuen Liebe und eines neuen Lebens. Überraschende Probleme, mit denen er trotz seiner fachlichen Kenntnisse in Rechnungswesen nicht rechnen konnte, treten hierbei auf. Dauert eine Stunde tatsächlich länger als 50 Minuten? Haben auch Nicht-Lehrer mit 50 graue Haare? Warum gibt mir meine Dating-Partnerin nur ein Genügend für den Gesamteindruck?
Diese und viele weitere epochale Fragen werden zwerchfellerschütternd ehrlich beantwortet. Ein Insider packt aus! "Nie mehr Schule" – ein Feuerwerk aus Humor und einer Prise Floridsdorfer Lebensweisheit! Regie: Nadja Maleh

Über Andreas Ferner:
Der Kabarettist und Lehrer ist Vater von zwei Kindern und jongliert meisterhaft zwischen selbst auferlegtem Bildungsauftrag und selbst erlebtem Lebens- und Berufswahnsinn. Seit 25 Jahren füllt der mehrfach preisgekrönte Kabarettist die Bühnen in ganz Österreich und seine Programme erzeugen regelmäßig Lachmuskelkater beim Publikum. Mit seinen Bühnenshows ist "Fessor" Ferner auch öfters auf ORF und ServusTV in den heimischen Wohnzimmern zu sehen.

Pressestimmen:
„...Frontalangriff auf die Bauchmuskeln....einer der vielseitigsten Kabarettisten Österreichs..." (Kronen Zeitung)
„Glatter Einser für Kabarettist Andreas Ferner!" (Heute)
„Ein Bildungsprogramm für die Lachmuskeln!" (Österreich)
„Österreichs lustigster Lehrer!" (ORF, ServusTV, Kronen Zeitung, Kurier, Österreich, Kleine Zeitung, NÖN, Bezirkszeitung)

Die rohe Kraft des Ländlichen mit der Klangästhetik moderner, urbaner Popproduktionen – kraftvoll, verspielt und kompromisslos eigenständig. Dies hat Anna Buchegger mit ihrem Debut "Windschatten" 2024 definiert, nun setzt sie es mit ihrem neuen Werk "Soiz" (VÖ: 03.10.2025) fort.

Anna Buchegger bleibt damit eine der spannendsten Stimmen im deutschsprachigen Pop: Sie denkt Musik nicht nur als Klang, sondern als Haltung – zwischen Bühne, Brauchtum und Befreiung. “Soiz” beweist, dass Popmusik aus dem ländlichen Raum heute politisch und international zugleich sein kann.
Nach dem vielbeachteten Debütalbum “Windschatten”, das mit zwei Amadeus Award-Nominierungen, dem Hubert von Goisern Kulturpreis 2024 und einem ARTE TRACKS-Porträt ausgezeichnet wurde, kündigt die österreichische Musikerin Anna Buchegger ihr zweites Album an: “Soiz” erscheint am 03. Oktober 2025 – exakt ein Jahr nach dem Erstlingswerk.

“Soiz” führt die künstlerische und politische Linie von “Windschatten” konsequent fort – mit noch mehr Klarheit, Widerstand und stilistischem Mut. Die musikalische Sprache ist kantiger, der Ton roher, der Blick kompromisslos. Buchegger setzt weiter auf Dialekt als künstlerisches Statement und konfrontiert musikalisch wie visuell alpenländische Tradition mit Selbstironie und avantgardistischem Wagemut. Die Kunstfigur zwischen Clown, Couture und Tracht wird zum Spiegelbild einer Generation, die ihre Wurzeln nicht konserviert, sondern kritisch befragt.

Es ist ein herrlicher Sommerabend, an dem sich die gut gelaunte Landgesellschaft um die berühmte Schauspielerin Arkadina am Seeufer zusammenfindet. Ihr Sohn Kostja hat sie alle zu seinem neuen Theaterstück eingeladen: Er sucht neue Formen für das Theater und braucht kein kitschiges, altmodisches Bühnenbild. Für sein revolutionäres Theaterexperiment benötigt er nur den Mond und den See hinter der leeren Bühne. Die Hauptrolle spielt Nina, die sich eine Karriere als Schauspielerin erhofft und Kostjas große Liebe ist. Im Publikum sitzen Freunde und Verwandte. Neben Arkadina ist auch ihr Geliebter, der bedeutende Schriftsteller Trigorin, angereist, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Die Anerkennung seiner Mutter würde für Kostja die Welt bedeuten. Stattdessen beginnt Arkadina, kaum hat das Stück begonnen, sich über das Spiel und den Text lustig zu machen. Kostja ist tief gekränkt. Künstlerische Erneuerung und jugendliche Visionen, genauso aber auch seine Liebe zu Nina haben keinen Platz in der etablierten Welt.

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist eines der großen Schauspieler*innenstücke der Theatergeschichte. Die Figuren eint ihre unstillbare Sehnsucht nach Leben und nach der Liebe. Doch anstatt etwas zu verändern, hängen sie lieber ihren Träumen nach und stecken in Selbstmitleid fest. Mit seinem feinen Humor und seiner präzisen Menschenkenntnis entlarvte Tschechow die seelischen Befindlichkeiten seiner Zeitgenoss*innen. Damals wie heute diskutieren wir den Generationenkonflikt, die Angst vor dem Altern und das Leiden an unseren Beziehungen. Am Ende des Stückes stellt Anton Tschechow die Frage, inwieweit uns die Kunst vor der Wirklichkeit retten kann. Regie führt der junge, aufstrebende Regisseur Max Lindemann, der in seinen Inszenierungen eine feine psychologische Figurenführung mit großen Bildern verbindet. Nach Arbeiten am Berliner Ensemble und dem Münchner Volkstheater gibt er mit „Die Möwe“ sein Debüt in Österreich.

DAUER

2 Stunden 20 Minuten, inkl. eine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG

Ab 15 Jahren

Keine Liebesschnulzen, sondern schonungslose Abrechnung: Wenn sich die Rabtaldirndln und Monika Klengel dem Thema Ehe widmen, wird Klartext gesungen. Kompromisslos und bitterböse! Die feministische Hochzeitsband trällert mit spitzer Zunge, bis die Gedanken frei sind. Mit von der Partie: unsere Hofkünstlerin Antonia Stabinger, die dieses Programm vorgeschlagen hat. Wer kurz vor dem "Jawort" steht, sei gewarnt: Heiraten mit den Rabtaldirndln ist kein Honeymoon ...

Rauschen ist eine ungestüme Bewegung, ein Anstürmen, ein Anlaufen, um das Leben in seiner ganzen Intensität zu spüren: Choreograf Joachim Schlömer lädt dazu ein, die flüchtige Schönheit des Augenblicks und die Energie des Tanzes zu erleben.

Tanz/Live-Musik mit Rauschen oder der Nachhall der Tage feiern sechs Tänzer:innen und ein Musiker die Vergänglichkeit des Lebens und die unvergängliche Kraft des Tanzes. Mit jedem Schritt, jeder Geste und jedem Klang entsteht ein berauschender Strudel, in dem Bewegung und Musik miteinander verschmelzen. Jede Bewegung wird zum flüchtigen Moment, der zugleich tief in der Erinnerung nachklingt. Ein Tanz über die Schönheit des Augenblicks, über das Geheimnis, dass Tanz die Zeit überwinden kann – flüchtig, intensiv, triumphierend!

Joachim Schlömer prägte als Künstlerischer Leiter die Tanztheater am Nationaltheater Weimar und am Theater Basel sowie von 2009 bis 2013 das Festspielhaus St. Pölten. In seiner Arbeit als Regisseur und Choreograf, u. a. für Oper und Schauspiel, überzeugt er durch seine einzigartige Verbindung von Musik und Bewegung. Seit 2024 leitet er das Choreografische Zentrum sowie das Labor Tanz & Medien am Tanzhaus Basel.

Eine Koproduktion von Tanzhaus Basel und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Joachim Schlömer Konzept, Choreografie, Joachim Schlömer, Andreas Greiner, Anne-Sophie Raemy Raum, Licht, Janiv Oron Sound, Anne-Sophie Raemy Kostüme, Janiv Oron, Kali Malone Musik, Iva Dixson, Nona Munnix, Anna Riley-Shepard, Patricia Rotondaro, Marco Volta, Sebastian Zuber Tanz