HENNES VS. MANSHEE – The Return of the Clash – Duell #13
17. Januar | Warehouse Eventhouse | Indie & Alternative like it’s 2006

Es eskaliert sowieso

2006–2009 -> 12 Duelle (vermutlich steht’s nach 15 Jahren zirka 6:6)
Unzählige Songs, die wir vielleicht sogar schon vergessen haben?

Hennes vs. Manshee
Das DJ-Battle ist nach 5.895 Tagen Pause zurück!

irgendwo zwischen Last Nite, Take Me Out und Mr. Brightside

15 Jahre später gibt’s Duell IIV (das heißt 13 auf römisch):
Kein Reptilia-Rennen mehr vor der Bühne,
keine Kids mehr – aber immer noch No One Knows,
warum das so lange dauern musste

Jetzt ist es so weit:
Revival of the Clash

Indie & Alternative Hits
von There She Goes bis Seven Nation Army
von The Middle bis Float On
Songs, die sofort wieder alles auslösen

Hennes vs. Manshee
Kein großes Drama,
kein Boulevard of Broken Dreams –
einfach Musik, Erinnerungen und ein Abend wie früher

Kommt vorbei mit eurer Posse.
Der Rest passiert von selbst

Kein Einlass unter 18 Jahre - Ausweiskontrolle!

WAREHOUSE EVENTHOUSE
Kelsengasse 9
3100 Sankt Pölten

Melancholisch, sinnlich, pulsierend: LINA_ verwandelte sich in den letzten Jahren vom Nachwuchstalent zur Wegbereiterin des modernen Fado. Für ihr neues Album nahm sie sich einen der großen Poeten Portugals vor.

Vokal/Fado Mit Fado Camões gelang LINA_ eine intime Auseinandersetzung mit den Werken des Renaissancedichters Luís Vaz de Camões. Gemeinsam mit dem britischen Produzenten Justin Adams schuf sie ein hypnotisches Werk zwischen klassischem Fado, Blues und afrikanisch anmutendem Swing. Gitarrenvirtuose Pedro Viana und Ianina Khmelik an Klavier und Synths komplettieren das Klangbild – auch im Konzert. Quando Vos Veria verführt dabei mit angezerrter E-Gitarre und charmant schimmernder Orgel. In O que temo e o que desejo trifft Latin- Rhythmus auf verspielten Bass und Elektro-Drums – zeitgenössischer Fado vom Feinsten. Desamor und Se De Saudade Morrerei Ou Não hingegen verkörpern eine klassischere Form des Genres. Ein neuer Meilenstein des Fado ist geschaffen!

Lina Rodrigues wurde 1984 in Hamburg geboren und studierte Gesang am Konservatorium in Porto. Unter dem Namen Carolina veröffentlichte sie die Fado-Alben Carolina und EnCantado. Für ihr gefeiertes Projekt mit dem katalanischen Produzenten Raül Refree erhielt sie zahlreiche Auszeichnungen.

BESETZUNG

LINA_ Gesang & Synthesizer, Pedro Viana Portugiesische Gitarre, Ianina Khmelik Klavier & Synthesizer

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Dass das Wochenende nicht immer mit innerlichem oder äußerlichem Hoch einhergeht, obwohl es der Sehnsuchtsort der Woche ist, davon erzählen heitere bis wolkige Geschichten von Peter Altenberg, Alfred Polgar, Joseph Roth, Felix Salten, Christoph Ransmayer, Thomas Bernhard u. a. Texte, die uns über die Menschen und das Leben einen Spiegel vorhalten.

Ein neues Programm, das Karl Markovics, Österreichs preisgekrönter Ausnahme-Künstler, wandelbarer Charakterschauspieler, Regisseur und Multitalent gemeinsam mit dem Duo BartolomeyBittmann präsentiert: Es sind Autoren und Feuilletonisten aus einer Zeit und einem Umfeld, mit denen er ganz offensichtlich viel anfangen kann und grüblerisch, detail- und sprachverliebt tief in die Abgründe der österreichischen Seele zu blicken vermag.

Es ist eine musikalische Reise durch die verschiedensten klanglichen Umgebungen, die BartolomeyBittmann unternehmen: Als innovative Brückenbauer zwischen den Stilen gelingt es Matthias Bartolomey (Cello) und Klemens Bittmann (Violine & Mandola) klangliche Verbindungen herzustellen, die in ihrer Art weit abseits des Herkömmlichen anzusiedeln sind. Mit ihren Eigenkompositionen öffnen sie die Klassik und kreuzen diese mit Elementen des Rock, Jazz, Folk und der Kammermusik – die unverwechselbar energiegeladene Musik von BartolomeyBittmann.

Ein Gesamtkunstwerk für alle Sinne: Damien Jalet kreiert mit dem Künstler Kohei Nawa und für das Ballet du Grand Théâtre de Genève eine tänzerisch-visuelle Reise an die Grenzen unserer Wahrnehmung.

Tanz Zwischen Realität und Trugbild: Inspiriert vom Naturphänomen der Fata Morgana – einer optischen Illusion, die durch Lichtverzerrungen entsteht – erschaffen der Choreograf Damien Jalet und der bildende Künstler Kohei Nawa eine Bühnenwelt, in der Wirklichkeit und Täuschung untrennbar ineinanderfließen. Im Zentrum steht die Menschheit, die auf der Suche nach dem Menschsein hinter dem Schleier der Illusion eine metaphorische Wüstenlandschaft durchquert. Die 16 Performer:innen durchlaufen auf ihrer Reise eine Reihe körperlicher und emotionaler Metamorphosen: Wandern sie zuerst als einzelne Suchende durch eine karge Landschaft, greifen zunehmend botanische und animalische Elemente ineinander, das Individuum wird Teil eines größeren, lebendigen Organismus. Als sinnliche Reise durch wechselnde Naturzustände, wächst aus der Leere der Wüste eine üppige, tropisch anmutende Bühnenwelt. Mirage ist ein Stück über das Menschsein im Wandel – flüchtig, verletzlich, und immer im Prozess des Werdens.

Damien Jalet, seit 2022 assoziierter Künstler des Ballet du Grand Théâtre de Genève, präsentiert mit Mirage seine erste Uraufführung mit der Compagnie. Bekannt für seine bildgewaltige, zeitgenössische Handschrift, zog er zuletzt auch als Choreograf des preisgekrönten Musical-Films Emilia Pérez (2024) von Jaques Audiard internationale Aufmerksamkeit auf sich. Mirage ist nach VESSEL (2016), Mist (2021) und Planet[wanderer] (2021) die vierte gemeinsame Arbeit mit dem bildenden Künstler Kohei Nawa, dessen künstlerische Praxis eine dynamische Interpretation des Skulptur-Begriffs verfolgt. Seine Werke sind sinnliche Erfahrungen, die auf die physikalischen Eigenschaften von Materialien verweisen und sich mit Themen des Lebens und des Kosmos, sowie mit künstlerischer Sensibilität und Technologie befassen. Im Jahr 2009 gründete er die multidisziplinäre Kunstplattform Sandwich in Kyoto mit dem Ziel, Projekte und Installationen einem breiten Publikum zugänglich zu machen.

Eine Koproduktion von Kampnagel Hamburg, Charleroi Danse, Centro de Danza Matadero-Madrid, Maison de la Danse, Lyon-Pôle européen de création und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Damien Jalet Konzept, Choreografie, Kohei Nawa Konzept, Bühnenbild, Kunihiko Morinaga (Anrealage) Kostüme, Anna Sato Assistenz Kostüme, Yukiko Yoshimoto Lichtdesign, Thomas Bangalter Musik, Ballet du Grand Théâtre de Genève Tanz, Aimilios Arapoglou Choreografische Beratung, Kehua Li Choreografische Assistenz, Nikolai Korypaev Szenografische Assistenz, Jamila Hessaïne Creative Producer für Damien Jalet, Ryo Shikari Programmation

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Aviel Cahn Generaldirektor, Sidi Larbi Cherkaoui Direktor des Balletts, Indosuez Wealth Management Partner des Balletts des Grand Théâtre

Mirage ist eine Produktion, die auf dem Projekt Mirage [transitory] basiert, produziert und organisiert von Sandwich Inc, Zero-Ten Inc, Super Massive Global Co. Ltd, gesponsert von Yoshimura Holdings und präsentiert in Fukuoka (Japan) im September 2024

In Gedenken an Ryo Shiraki (1990-2025)

COTTAGECLUB REVIVAL

Es gibt Nächte, die man nicht vergisst. Und es gibt Clubs, die mehr waren als nur ein Ort.
Von 2008 bis 2012 hat der CottageClub den Sound der Stadt geprägt und House Music in das WAREHOUSE St. Pölten gebracht. Eine Zeit, in der man dabei sein musste.
Am 24.01 lassen wir diese Ära wieder aufleben – und du bist eingeladen, Teil dieses Revivals zu sein.

- Legendary House Clubbing mit den DJs von damals
- Tom Snow
- Olivarez Old
- school Vibes / Real House / One Night Only

Als VIP-Gast bist du nicht nur Besucher, sondern Teil der Geschichte, die wir gemeinsam feiern.
This night is for the ones who know
Wir freuen uns auf dich!

Kein Einlass unter 21 Jahre - Ausweiskontrolle!
WAREHOUSE EVENTHOUSE
Kelsengasse 9
3100 Sankt Pölten

Drei Werke, die auf ganz unterschiedliche Weise zu Herzen gehen, weil sie Unsagbares ausdrücken: Mit einem besonders packenden Programm kehrt Tabita Berglund zu den Tonkünstlern zurück. 2022 war sie als Einspringerin erstmals an deren Pult zu erleben, seither ist die norwegische Dirigentin bei Orchester wie Publikum längst zu einem gern gesehenen Gast geworden. Mit Pjotr Iljitsch Tschaikowskis sechster, seiner «Pathétique», präsentiert sie nun eine Symphonie, die exorbitante Gefühlseruptionen und jähe Stimmungsumschwünge prägen. Vom 53-jährigen Komponisten als Schlussstein seines Schaffens geplant, ist sie eine Art Requiem, ein nach Kämpfen akzeptierter Abschied vom Leben: Neun Tage nach der Uraufführung war er tot. Erstmals haben die Tonkünstler ein Werk von Harald Sæverud im Programm. Der Landsmann von Edvard Grieg – und von Tabita Berglund – gilt als eine der wichtigsten Instanzen norwegischer Musik im 20. Jahrhundert. Der nur schwerlich übersetzbare Titel «Kjempeviseslåtten» bedeutet wörtlich etwa «Kampfliedtanz», zu gut Deutsch also «Ballade des Aufruhrs». Das Stück ist ein musikalischer Aufschrei gegen die deutsche Besatzung im Zweiten Weltkrieg und den «kleinen und großen Widerstandskämpfern» gewidmet. Als gleichsam auskomponiertes Schweigen folgt darauf Arvo Pärts «Tabula Rasa»: Die transzendentale Ruhe und in sich gekehrte, karge Schönheit verlangt den Musizierenden gleichfalls enorme, wenn auch ganz andere Konzentration ab. Die beiden Solopartien können die Tonkünstler aus ihren eigenen Reihen besetzen – mit Natalia Sagmeister und Vahid Khadem-Missagh.

Mitwirkende

Violine: Vahid Khadem-Missagh
Violine: Natalia Sagmeister
Dirigentin: Tabita Berglund

Programm

Harald Saeverud
«Kjempeviseslåtten» | «Die Ballade des Aufruhrs» op. 22a Nr. 5

Arvo Pärt
«Tabula Rasa» für 2 Violinen, Streichorchester und präpariertes Klavier

- Pause -

Pjotr Iljitsch Tschaikowski
Symphonie Nr. 6 h-Moll op. 74 «Pathétique»

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren

Heiße Rhythmen, mitreißende Tänze, exotische Schönheiten und unvergessliche Melodien werden Sie auf eine Reise durch die aufregenden Nächte Kubas entführen! Erleben Sie die pure kubanische Lebensfreude und lassen Sie die grandiosen Stimmen Kubas auf sich wirken.

Zusammen mit der außergewöhnlichen "Buena Vista Band" und der eindrucksvollen Tanzformation "El Grupo de Bailar" sowie über 150 maßgeschneiderten Kostümen, präsentiert Ihnen "Pasión de Buena Vista" eine einzigartige Bühnenshow, welche Sie auf die Straßen der karibischen Trauminsel entführen wird.

Wenn es etwas gibt, das die kubanische Mentalität am Besten widerspiegelt, so sind das Musik und Tanz. Heute in aller Welt bekannte Musikstile wie Rumba, Mambo, Cha-Cha-Cha und Salsa haben ihren Ursprung in vier Grundelementen. Außer Klanghölzern und Trommeln finden sich hier keine weiteren Instrumente. Unter Zugabe von melodischen Instrumenten entwickelte sich die heute kommerzialisierte Form des Rumba sowie weitere Modetänze wie der Mambo.

Der "Son", ein Wechselgesang zwischen Sänger und Chor begleitet von der spanischen und lateinamerikanischen Tres Gitarre, ist der eindeutige Publikumsliebling. Erfunden wurde er von den Zuckerarbeitern in Santiago de Cuba während der 20er Jahre. Claves und Maracas bilden den Rhythmus. Mit der rasanten Verbreitung des "Sons" kamen auch mehr Instrumente hinzu, wie Holzbass, Bongos und Trompeten. So entsteht ein komplexes, polyrhythmisches Klanggebilde, welches sich für europäische Ohren zunächst wie ein heilloses Durcheinander anhört, später aber die Hörer fasziniert und in den Bann zieht.

Der "Danzon" wurde lange Zeit von der kubanischen Oberschicht nicht akzeptiert, ist heute jedoch der beliebteste Tanz in Kuba. Aus ihm entwickelte sich der Cha-Cha-Cha. Bei dem "Trova" sangen reisende Sänger melancholisch schöne Balladen. Die Texte wurden in der Zeit der Revolution thematisch verändert und zur Propaganda genutzt. Später fanden die Musiker wieder zu ihren ursprünglichen Themen zurück.

Was von Kuba-Reisenden heute als kubanische Musik wahrgenommen wird, ist also eine Synthese afrikanischer Percussions und Rhythmen mit spanischen Coplas und ihrer Instrumentation. "Pasión de Buena Vista" präsentiert die gesamte Palette kubanischer Musik und Tänze und überträgt dabei die Freude und das Temperament Kubas auf das Publikum.

DIE LIVE BAND
Die "Buena Vista Band" besteht aus einer Vielzahl von hochbegabten Musikern und Talenten Kuba`s. Neben verschiedenen Percussion Instrumenten wie Schlagzeug, Timbales und Conga, gibt es eine Reihe von Blasinstrumenten, wie Posaune und Trompete. Bass, Piano und die für Lateinamerika typische Tres-Gitarre, runden das Gesamtbild ab. Begleitet wird die Live Band durch talentierte Background Sänger, die ihre einzigartigen Stimmen während der Show auch als Solisten unter Beweis stellen.

DIE TANZFORMATION
Die Tanzformation "El Grupo de Bailar" aus Havana, Kuba, besteht aus mehreren erstklassigen Tänzern und Tänzerinnen, die ihr Talent bereits in den traditionellen Tanzshows in Havanna unter Beweis stellten. Ein hohes Maß an Disziplin und Professionalität zeichnet die Gruppe aus und ist nur ein Grund weshalb die Gruppe für die "Pasión de Buena Vista" Show ausgewählt wurde. Die Tanzformation begeistert die Besucher der Show und bringt kubanisches Temperament und Lebensfreude in die Show ein.

Liebe Fans, lasst die Sektkorken knallen, werft Konfetti und tanzt auf den Tischen! Es gibt großartige News von Überflieger Alexander Eder: Nicht nur, dass der Mann mit der tiefen Stimme noch für diesen Herbst sein neues Album "Quer durch die Bank" angekündigt hat und mit "Der Doktor hat gesagt" und "Julia und Romeo" gleich zwei Releases als Vorgeschmack vom Stapel lässt, wird er mit seiner genialen Band 2026 auch auf große "Quer durch die Bank"-Tournee durch Österreich, Deutschland und die Schweiz gehen. Mit im Gepäck seine großen Hits wie "7 Stunden", "Für diesen Moment", "Ganz normal gestört", "Mehr als Freundschaft", "Therapie", "Der allerletzte Tanz" uvm. sowie die Songs vom neuen Album "Quer durch die Bank".



Der Titel ist dabei Programm, so ein bisschen "Quer durch die Bank – mit dem Kopf durch die Wand", schmunzelt Alexander Eder, und fügt hinzu: "Das beschreibt uns als Typen einfach sehr gut!"



Bereits seine erste "Die nicht ganz Normal"-Tournee bescherte Alexander Eder ausverkaufte Hallen und hinterließ bei den Fans bleibenden Eindruck und Euphorie, denn bei Eder-Konzerten geht es so richtig zur Sache: "Wir mögen‘s einfach laut und nehmen uns selbst und das Leben nicht zu ernst – und diese Fröhlichkeit und Ausgelassenheit möchten wir auch auf unsere Fans übertragen. Wir freuen uns einfach, mit den Leuten ‚durchzudrehen‘ und zwei Stunden lang einfach mal die Welt und all die Sorgen da draußen zu vergessen und gemeinsam eine geile Zeit zu verbringen!"



Mit "Quer durch die Bank" setzt Alexander Eder seine beeindruckende Karriere unaufhaltsam fort, die nur eine Richtung kennt: aufwärts. Auch auf Social Media spielt Alexander Eder in der absoluten Topliga mit 3,2 Millionen TikTok Fans, 900.000 Spotify Followern, fast 720.000 auf Instagram, rund 315.000 auf Facebook und über 310.000 auf Youtube.



Am meisten liebt er es aber, gemeinsam mit seiner Band live auf der Bühne zu stehen. "Ich freu mich schon riesig, mit der ganze Crew wieder on the road zu sein – das ist wie eine Klassenfahrt mit Freunden. Die letzte Tournee war einfach ein Wahnsinn!"



Das war auch der einhellige Tenor der Fans – also rasch Tickets sichern!

MONEY BOY LIVE — 30.01. — ST. PÖLTEN
Semester vorbei. Ego an. Swag-Level: Maximum.

Am 30. Jänner kommt Money Boy in die Landeshauptstadt. Swag-Rap in Reinform, Punchlines im Sekundentakt, Attitüde wie Beton. Das ist keine “Nacht zum Fortgehen” – das ist Money Boy live: laut, direkt, komplett drüber.

Eventhouse ist der Spot – wer nicht auftaucht, ist leider not hot.

DJ Support: Sebisebisebu
Location: WH Eventhouse
Adresse: Kelsengasse 9, 3100 St. Pölten

30.01.2026 – save the date!

Die Nobelpreisträgerin und Schriftstellerin Elfriede Jelinek soll Steuern hinterzogen haben? Ausgangspunkt von „Angabe der Person“ ist eine wahre Begebenheit rund um ein – mittlerweile eingestelltes – Ermittlungsverfahren der deutschen Steuerbehörden gegen Elfriede Jelinek. Es geht um die strittige Frage der Doppelbesteuerung, da sie abwechselnd in Wien und bei ihrem Ehemann in München lebt. In dem autobiografisch inspirierten Stück beschreibt Jelinek, wie die „Diener des Staates“ ihre Wohnung durchsuchen, um nachzuweisen, ob sie als Schriftstellerin in Deutschland steuerpflichtig sei. Die Beamten durchkämmen die Wohnung, dringen in ihre Intimsphäre ein. Persönliche Dokumente werden besichtigt, private E-Mails gelesen, Festplatten geprüft und Rechnungsbelege kritisch beäugt. Diese unfreiwillige Inventur ihrer persönlichen „Lebenslaufbahn“ nimmt Jelinek zum Anlass, um politische Ungerechtigkeiten auf mehreren Ebenen anzuklagen. In ihrem bisher persönlichsten Text ruft Elfriede Jelinek ihre jüdischen Vorfahren väterlicherseits in den Zeugenstand, die durch das menschenfeindliche Verwaltungssystem des nationalsozialistischen Regimes verfolgt wurden. Zugleich spannt sie, entlang von Assoziationen und Wortspielen, einen großen Bogen zum entfesselten Finanzkapitalismus der Gegenwart. Mit den Mitteln ihrer gewaltigen Sprachkunst holt Elfriede Jelinek ihrerseits zu einem literarischen Ermittlungsverfahren gegen legale Steueroasen, globale Geldströme und die Gier des großen Kapitals aus.

Die Regisseurin Sara Ostertag zählt zu den erfolgreichsten Theaterkünstlerinnen Österreichs und ist bekannt für ihre bildstarke, genrefluide Ästhetik. Mit dem Landestheater Niederösterreich ist sie durch mehrere gemeinsame Produktionen, zuletzt die bejubelten Uraufführungen von „Die größere Hoffnung“ und „Dunkelblum“, verbunden. Erstmals bringt Sara Ostertag mit dem Ensemble des Landestheaters und eigens komponierter Musik einen Theatertext von Elfriede Jelinek auf die Bühne.

40 FINGERS ist ein italienisches Akustikgitarren-Quartett, das durch seine kreativen Neuinterpretationen von Rock- und Popklassikern sowie Film- und TV-Soundtracks internationale Aufmerksamkeit erlangt hat. Mit innovativen Arrangements für vier Gitarren und einem unverwechselbaren Stil hat das Quartett sowohl Fans als auch renommierte Künstler begeistert.

Zu den besonderen Highlights zählen Zusammenarbeiten mit bekannten Persönlichkeiten der Musikszene und Neuinterpretationen legendärer Stücke, die das ursprüngliche Material auf beeindruckende Weise neu beleben. Jeder der vier Musiker bringt eine eigene musikalische Prägung ein, wodurch ein facettenreicher und moderner Klang entsteht, der auch eigene Kompositionen umfasst.

Das Quartett zeigt zudem eine besondere Leidenschaft für Filmmusik, die in ihren Interpretationen berühmter Soundtracks wie "Star Wars", "Der letzte Mohikaner", Disney-Melodien und "Harry Potter" spürbar wird.

Auf der Bühne entfaltet das Ensemble eine eindrucksvolle Dynamik, die über Sprach- und Kulturgrenzen hinausreicht. Ihr Repertoire verbindet unterschiedliche Genres und umfasst Klassiker wie "Sultans of Swing", "The Sound of Silence", "Bohemian Rhapsody" und "Libertango". Mit ihrer Musik schaffen sie Erlebnisse, die sowohl unterhalten als auch begeistern.

The legendary songs from the clubs of the last 25 years in dance history feat. Deejay E-Maxx

Es ist ein herrlicher Sommerabend, an dem sich die gut gelaunte Landgesellschaft um die berühmte Schauspielerin Arkadina am Seeufer zusammenfindet. Ihr Sohn Kostja hat sie alle zu seinem neuen Theaterstück eingeladen: Er sucht neue Formen für das Theater und braucht kein kitschiges, altmodisches Bühnenbild. Für sein revolutionäres Theaterexperiment benötigt er nur den Mond und den See hinter der leeren Bühne. Die Hauptrolle spielt Nina, die sich eine Karriere als Schauspielerin erhofft und Kostjas große Liebe ist. Im Publikum sitzen Freunde und Verwandte. Neben Arkadina ist auch ihr Geliebter, der bedeutende Schriftsteller Trigorin, angereist, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Die Anerkennung seiner Mutter würde für Kostja die Welt bedeuten. Stattdessen beginnt Arkadina, kaum hat das Stück begonnen, sich über das Spiel und den Text lustig zu machen. Kostja ist tief gekränkt. Künstlerische Erneuerung und jugendliche Visionen, genauso aber auch seine Liebe zu Nina haben keinen Platz in der etablierten Welt.

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist eines der großen Schauspieler*innenstücke der Theatergeschichte. Die Figuren eint ihre unstillbare Sehnsucht nach Leben und nach der Liebe. Doch anstatt etwas zu verändern, hängen sie lieber ihren Träumen nach und stecken in Selbstmitleid fest. Mit seinem feinen Humor und seiner präzisen Menschenkenntnis entlarvte Tschechow die seelischen Befindlichkeiten seiner Zeitgenoss*innen. Damals wie heute diskutieren wir den Generationenkonflikt, die Angst vor dem Altern und das Leiden an unseren Beziehungen. Am Ende des Stückes stellt Anton Tschechow die Frage, inwieweit uns die Kunst vor der Wirklichkeit retten kann. Regie führt der junge, aufstrebende Regisseur Max Lindemann, der in seinen Inszenierungen eine feine psychologische Figurenführung mit großen Bildern verbindet. Nach Arbeiten am Berliner Ensemble und dem Münchner Volkstheater gibt er mit „Die Möwe“ sein Debüt in Österreich.

DAUER

2 Stunden 20 Minuten, inkl. eine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG

Ab 15 Jahren

Ein Mann, K. genannt, kommt spätabends in einem verschneiten böhmischen Dorf an. Im nahegelegenen Schloss soll er eine Stelle als Landvermesser antreten. Doch weder wird er von den Dorfbewohner*innen besonders freundlich empfangen, noch wollen die Verwalter des Schlosses etwas mit ihm zu tun haben. Niemand will von seiner Anstellung wissen. Keiner scheint für ihn zuständig zu sein oder kann etwas entscheiden. K. wird hingehalten, vertröstet, verwirrt oder zu einer anderen Instanz weitergeleitet. Das Schloss ist für K. nicht erreichbar. Der bürokratische Apparat ist zugleich bedrohlich und diffus, wer zu ihm gehört und wer welche Position einnimmt, bleibt unklar. Und so muss K. zunächst als Schuldiener arbeiten, lernt die Menschen des Dorfes kennen und arbeitet auf sein Ziel hin, dem er doch nie näherkommt.

„Das Schloss“, das zu einem Welterfolg wurde, ist eines von mehreren unvollendeten Werken Kafkas. Mitten im Satz bricht die Erzählung einfach ab. Kafkas Freund und Verleger Max Brod, der das Werk gegen den Willen des Autors veröffentlichte, hat Kafkas Gedanken zum fehlenden Ende preisgegeben, weshalb wir trotz des abrupten Endes des Romans grob wissen, wie er hätte ausgehen können. In der mündlichen Überlieferung heißt es, dass es zumindest zu einer teilweisen Klärung von K.s Situation kommen sollte. Wie in vielen anderen Werken des Autors manifestiert sich auch in „Das Schloss“ der Gedanke des Kafkaesken. Der Einzelne, der sich einer unklaren, ungreifbaren und unerreichbaren Macht gegenübersteht, ist ein wiederkehrendes Motiv im Werk des Autors und bietet auch für den Menschen des 21. Jahrhunderts hohes Identifikationspotential. Regisseur Gernot Grünewald arbeitet zum ersten Mal am Landestheater Niederösterreich. Er wird Kafkas Roman mit all seiner Rätselhaftigkeit zu einem sinnlich-poetischen Erlebnis machen.

DAUER:
1 Stunde 35 Minuten, keine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 15 Jahren