Das Zürcher Kammerorchester unter Marzena Diakun präsentiert gemeinsam mit Klarinettistin Annelien Van Wauwe ein ausgefeiltes Programm, das Werke der polnischen und amerikanischen Moderne gegenüberstellt: Das Concerto für Streichorchester der polnischen Komponistin Grażyna Bacewicz, in dem einzelne Musiker:innen des Orchesters mit Soli hervortreten, besticht mit klaren Konturen und energetischem Puls. Die Papst Johannes II. gewidmete Ciaccona ihres Landsmanns Krzysztof Penderecki erklingt als Fortführung und Gegenpol von Johann Sebastian Bachs berühmter Ciaccona in d-Moll, die knapp 300 Jahre zuvor entstand. Amerikanische Komponisten aus drei Generationen bestreiten wiederum die zweite Konzerthälfte: Hier treffen Bernsteins expressive Klarinettensonate in einer Bearbeitung für Soloinstrument, Streichorchester und Perkussion auf das meditative Company für Streichorchester von Philip Glass und das kontrastreiche Klarinettenkonzert von Aaron Copland.

Programm

Grażyna Bacewicz // 1909–1969
Concerto für Streichorchester // 1848

Krzysztof Penderecki // 1933–2020
Ciaccona. In memoriam Giovanni Paolo II für Streichorchester // 2005

Johann Sebastian Bach // 1685‒1750
Ciaccona, V. Satz aus: Partita II für Violine solo d-Moll BWV 1004 // ca. 1717
[Bearbeitung für Streichorchester]

Pause

Leonard Bernstein // 1918‒1990
Sonate für Klarinette und Klavier // 1941‒42
[Bearbeitung für Klarinette, Streicher und Perkussion von Sid Ramin]

Philip Glass // * 1937
Company für Streichorchester // 1983

Aaron Copland // 1900‒1990
Konzert für Klarinette und Streichorchester mit Harfe und Klavier // 1947‒49

Besetzung

Annelien Van Wauwe | Klarinette
Zürcher Kammerorchester
Marzena Diakun | Dirigentin

Die acht sehr unterschiedlichen musikalischen Sätze führen durch einen weiten Bogen aus Emotionen, die von Trauer bis zur ekstatischen Freude reichen. Der Zusammenhang der Sätze ergibt sich aus dem Fokus des Werkes auf die Jungfrau Maria, der ebenso kanonisch traditionell gehuldigt (Latein) wie in moderner deutscher Lyrik nachgefühlt wird.

Schwebende Lyrik, stilvoll eingebettet in Einstimmigkeit wie spröder Zweistimmigkeit nahe Arvo Pärt, treffen auf treibende Rhythmen in moderner Tonsprache. Diese pop-jazzigen Elemente verbinden sich mit zeitloser musikalischer Tradition und machen so eine breite Palette geistlicher Chormusik erleb- und erfühlbar.

Aus dem Moment schöpfende improvisierte Überleitungen ergänzen die streng komponierten Sätze und lassen eine Ahnung davon zu, was moderne, sakrale Chormusik mit starken Wurzeln in der musikalischen Überlieferung sein kann. Traditionaler Chor trifft so auf individualen Ausdruck, die beiden kongenialen Musiker Tim Collins (Vibraphon, Marimba) und Martin Gasselsberger (Klavier) verleihen der Aufführung somit spannende und teils nicht kalkulierbare Aktualität. „Möglich, dass hier eine neue Art Kirchenmusik entsteht.“ (Gottfried Holzer-Graf)

„…Was Martin Gasselsberger neben den subtilen Jazzklängen gelungen ist, ist ein Chorsatz, der durchaus Ansprüche stellt, aber dennoch gut zu bewältigen ist, was dieses Stück auch zu einem feinen Repertoirewerk nicht nur für die österliche Liturgie macht. Das hat die Kantorei St. Michael Mondsee unter der Leitung von Gottfried Holzer-Graf eindrucksvoll unter Beweis gestellt. Am Klavier musizierte der Komponist selbst und gab mit dem fantastischen Vibraphonisten Tim Collins dem Werk noch zusätzlich improvisatorische Weite.“
OÖN, März 2024

Mitwirkende:

Kantorei St. Michael Mondsee
Elisabeth Eder-Marböck, Sopran
Silke Kiener, Alt
Dominik Milewski, Bariton

Tim Collins, Vibraphon/Marimbaphon
Martin Gasselsberger, Komposition/Klavier
Martin Mucha, Text
Gottfried Holzer-Graf, Leitung

Während Perkussion häufig in Ensemblekonstellationen zu erleben ist, ist die Orgel eine weitaus seltenere Duo-Partnerin. Nichtsdestotrotz entstanden im 20. und 21. Jahrhundert einige hochspannende Kompositionen für Orgel und Perkussion, zum Beispiel Andrea Tarrodis imposantes Poseidon aus dem Jahr 2021 oder Ground II von Thierry Escaich von 2007. Mit Klanggewalten ist zu rechnen, wie zum Beispiel in Sofia Gubaidulinas eindrucksvollem Werk Detto I von 1978, das die volle Bandbreite der klanglichen Möglichkeiten der Instrumente auslotet.

Programm

Camille Saint-Saëns // 1835–1921
Danse macabre für Orgel und Perkussion op. 40 // 1872, rev. 1874
[Einrichtung nach der Fassung des Komponisten für zwei Klaviere]

Andrea Tarrodi // * 1981
Poseidon für Orgel und Perkussion // 2021

Sofia Gubaidulina // 1931–2025
Detto I. Sonate für Orgel und Perkussion // 1978

Thierry Escaich // * 1965
Ground II für Orgel und Perkussion // 2007

sowie Werke für Perkussion solo und Orgel solo

Besetzung

Christoph Sietzen | Perkussion

Martin Riccabona | Orgel

Die Brüder Eftychis und Nektarios Kostakis haben sich in den letzten Jahren aufgrund ihres meisterhaften Spiels und ihres breitgefächerten Repertoires zu einer der meistgeschätzten Musikgruppen auf der griechischen Insel Kreta entwickelt. Sie konzertieren nicht nur in ihrer Heimat, sondern auch in Deutschland, Österreich, Belgien, den USA oder den Vereinigten Arabischen Emiraten.

Die Solinger Landlermusi hat sich in einer Besetzung von sieben Musikern und zwei Sänger:innen ganz der Innviertler Volksmusik verschrieben. Als Besonderheit pflegt die Gruppe den selten gewordenen original Innviertler Landler, der mit zwei Geigen und Cello gespielt wird. Bekannt ist der Landler insbesondere durch »Alman«, eine einzigartige Variante des Jodlers, die so nur im Innviertler Landler vorkommt.

Besetzung

Eftychis & Nektarios Kostakis
Eftychis Kostakis - Lyra
Naktarios Kostakis - Kretische Laute
Charis Andreadakis - Kretische Laute

Solinger Landlermusi
Christine Reiter, Johann Burgstaller - Gesang
Andreas Glechner, Franz Brandstötter - Violine
Josef Gelhart, Bernhard Ratzinger - Trompeten
Lukas Brajdic, Matthias Schachinger - Basstrompete
Bernhard Pointecker - Tuba & Bassgeige

Ein poetisches Theatererlebnis

Seelenlandschaften – Das Leuchten der Tiefe erzählt auf fantasievolle Weise mit Tanz, Poesie & Musik die bewegende Geschichte einer Frau, die am Ende ihrer Kräfte angelangt ist und keinen Weg mehr sehen kann. Als einziger Antrieb bleibt ihr ihre Sehnsucht nach Liebe.

Eine transformative Reise ins Ungewisse beginnt, die sie durch vielschichtige Landschaften der menschlichen Seele und reiche Gefühlswelten führt. Die Begegnungen mit eigenen Schatten und inneren Stimmen erfordern schwierige Entscheidungen am Weg. Findet sie die Kraft, ihre Suche durch die schmerzhafte Einsamkeit fortzusetzen?

In Zusammenarbeit mit außergewöhnlichen Künstler*innen und eigens dafür komponierten Musikstücken von Jack Center nimmt dieses faszinierende Bühnenkunstwerk das Publikum auf eine emotional tiefgehende Reise mit, die inspiriert und zum Nachfühlen anregt.

Ein magisches Bühnenstück, das bewegt und berührt.

Wie ein roter Faden ziehen sich Vorbilder durch die Musikgeschichte der letzten Jahrhunderte. Zahlreiche Komponist:innen suchten in den Werken ihrer Vorgänger:innen Inspiration und Orientierung: Die niederländische Komponistin und Pianistin Henriëtte Bosmans – als Halbjüdin während der deutschen Besetzung Hollands verfolgt und heute kaum noch bekannt – verarbeitet in ihrem 1927 entstandenen Streichquartett Einflüsse ihrer französischen Zeitgenossen Claude Debussy und Maurice Ravel. Dem zweiten Streichquartett von Felix Mendelssohn Bartholdy, seinem ersten ›vollgültigen‹ Quartett, das er im Alter von nur 18 Jahren schuf, hört man wiederum seine Nähe zu Beethoven deutlich an. Franz Schubert ließ sich schließlich zu seinem Streichquartett Nr. 14 d-Moll von seinem wenige Jahre zuvor entstandenen Kunstlied Der Tod und das Mädchen inspirieren. Diesen musikgeschichtlichen Verbindungslinien spüren die Musiker:innen des Leonkoro Quartets nach, das zu den spannendsten Nachwuchsensembles unserer Zeit gehört.

»Das Leonkoro Quartet [...] hat eine enorme Bühnenpräsenz, glüht für die Musik, fährt volles Risiko und verblüfft durch das Einfühlungsvermögen in die jeweilige Klanglichkeit der Stücke [...]« (Frankfurter Allgemeine Zeitung).

Programm

Henriëtte Bosmans // 1895‒1952
Streichquartett // 1927

Felix Mendelssohn Bartholdy // 1809‒1847
Streichquartett Nr. 2 a-Moll op. 13 // 1827

// Pause //

Franz Schubert // 1797‒1828
Streichquartett Nr. 14 d-Moll D 810 ›Der Tod und das Mädchen‹ // 1824

Besetzung

Leonkoro Quartet
Jonathan Schwarz | Violine
Emiri Kakiuchi | Violine
Mayu Konoe | Viola Lukas Schwarz | Violoncello

Der tschechischen Volkssage nach tobte in dunkler Vorzeit ein Kampf zwischen den Geschlechtern. Männer und Frauen kämpften um die Vorherrschaft in Böhmen. Dabei spielte die Kriegerin Sarka eine wichtige Rolle. An einen Baum gefesselt lockte sie den Adeligen Ctirad in die Falle. Nachdem er sie aus ihrer scheinbar misslichen Lage befreit hatte, bot sie ihm und seinen Männern Met an, der mit einem Schlafmittel versetzt war. Schließlich überwältigten die Amazonen die schlafenden Kämpfer. Bedřich Smetana widmete diesem nationalen Mythos eine schmissige Symphonische Dichtung, die Teil seines Zyklus Má vlast (Mein Vaterland) wurde. Sarkas List eröffnet so ein Konzert, das ganz im Zeichen der tschechischen Musik steht: Die beeindruckende motivische Arbeit des Komponisten Bohuslav Martinů ist in seiner 4. Symphonie zu erleben, die auch Einflüsse seines Vorgängers Antonín Dvořák in sich trägt. Dessen Konzert für Violoncello und Orchester bildet den krönenden Abschluss dieser Reise durch die Klanglandschaften der tschechischen Musik des 19. und 20. Jahrhunderts. Den Solopart übernimmt der österreichische Shootingstar Julia Hagen, am Pult debütiert mit Ruth Reinhardt eine der aufregendsten Dirigentinnen unserer Zeit.

Programm

Bedřich Smetana // 1824–1884
Šárka, Nr. 3 aus: Má vlast (Mein Vaterland) JB 1:112 // 1875

Bohuslav Martinů // 1890‒1959
Symphonie Nr. 4 H. 305 // 1945

Pause

Antonín Dvořák // 1841‒1904
Konzert für Violoncello und Orchester h-Moll op. 104 // 1894‒95

Besetzung

Julia Hagen | Violoncello
Bruckner Orchester Linz
Ruth Reinhardt | Dirigentin

Konzerteinführung

Für Konzertbesucher:innen findet um 18:45 Uhr (bei freiem Eintritt) eine Konzerteinführung im Mittleren Saal statt.

Im Laufe ihrer facettenreichen Karriere, die sich über vier Jahrzehnte erstreckt, ist die dreifache Grammy-Gewinnerin und mit einem Tony Award ausgezeichnete Dee Dee Bridgewater in die oberste Liga der Jazzsängerinnen aufgestiegen. Erste professionelle Erfahrung sammelte sie in der legendären Thad Jones/Mel Lewis Big Band, in den 1970er-Jahren trat sie mit Jazzgrößen wie Max Roach, Sonny Rollins, Dexter Gordon oder Dizzy Gillespie auf. Sie veröffentlichte zahlreiche preisgekrönte CDs, die sie auch selbst produzierte, vor allem auf ihrem eigenen Label DDB Records. Ihr Billie-Holiday-Tributalbum Eleanora Fagan (1915–1959): To Billie with Love from Dee Dee Bridgewater wurde 2011 mit dem Grammy als »Bestes Jazz-Vokalalbum« ausgezeichnet. 2012 erhielt sie für ihr Gesamtwerk den Edison Jazz Award. Auch als Schauspielerin reüssierte Dee Dee Bridegewater Mitte der 1970er-Jahre und erhielt für ihre Rolle als Glinda im Musical The Wiz einen Tony Award. Zudem ist sie Goodwill-Botschafterin der Ernährungs- und Landwirtschaftsorganisation der Vereinigten Nationen und engagiert sich gegen den Welthunger.

Mit ihrem Programm We Exist! setzen sie und ihre Mitstreiter:innen ein unüberhörbares Zeichen für die Errungenschaften der Frauen in der internationalen Jazzmusik. Sich spielerisch zwischen Jazz, Blues, R&B und Soul bewegend, ist Bridgewater eine furchtlose Reisende, Entdeckerin und Bewahrerin der Tradition, die Standards mit ihrer energiegeladenen Stimme und Präsenz einen eigenen Stempel aufdrückt und nicht vor mutigen Interpretationen zurückscheut.

Pozivamo vas na posebnu večer pod nazivom:

PISMA SNOVA: ŽIVOTNE PRIČE

Gosti večeri

- Frenkie, koji će kroz svoju ličnu životnu priču govoriti o prekretnicama, izazovima i putu prema unutarnjoj spoznaji.
- Nedim Botić: predavanje „Nikad odustati“
- Promocija knjige „Pisma snova“ autora Harisa Dubice i Aldina Tucića
- Razgovor i poruke motivacije, nade i ličnog rasta

Ovaj događaj je namijenjen svima koji traže inspiraciju, snagu i dublje razumijevanje životnih izazova kroz duhovnost, iskustvo i ličnu priču.

Bibers Violinsonaten, 2. Teil

Er war der Geigenstar des 17. Jahrhunderts. Nach der avantgardistischen 3. Sonate seiner Sammlung legt der Meister noch ein Schauferl nach. In der 6. Sonate muss der Geiger mitten im Stück das Instrument wechseln und in Skordatur (Verstimmung der Geige) weiterspielen. Die 8. Sonate ist eine Triosonate für 2 Geigen und Basso continuo, die aber von einem Spieler ausgeführt wird. Das grenzt an Zauberei. Das Salzburger Lautenconsort, Violone, Orgel und Cembalo sorgen für üppige Klangfarben und klangvolles Musizieren.

Programm

Heinrich Ignaz Franz Biber // 1644–1704
Sonaten für Violine und Basso continuo // 1681

Besetzung

Ars Antiqua Austria
Salzburger Lautenconsort
Gunar Letzbor | Violinen & Leitung

Vielen verschiedenen Facetten des ›Klassischen‹ widmet sich das Münchener Kammerorchester gemeinsam mit dem polnischen Ausnahmepianisten Piotr Anderszewski: Neben Mozarts Klavierkonzert Nr. 24 in c-Moll – nur eines von zwei Klavierkonzerten, die Mozart in einer Molltonart komponiert hat – weist in seiner intensiven symphonischen Dramatik bereits auf Beethoven voraus. Aus einer ganz anderen Perspektive auf die Wiener Klassik ist wiederum Sergei Prokofjews humorvolle »Symphonie classique« entstanden, für die er sich von Joseph Haydns Tonsprache maßgeblich inspirieren ließ: »Wenn Haydn heute noch lebte, dachte ich, würde er seine Art zu schreiben beibehalten und dabei einiges vom Neuen übernehmen. Solch eine Sinfonie wollte ich schreiben – eine Sinfonie im klassischen Stil.« Neben Mozart und Prokofjew komplettieren das Programm das mitreißende Strum von Jessie Montgomery und Lied aus Maramureș, ein brandneues Werk, das Fabio Nieder im Auftrag des Münchener Kammerorchesters komponiert hat.

Programm

Fabio Nieder // * 1957
Lied aus Maramureș für elf Violinen

Wolfgang Amadé Mozart // 1756–1791
Konzert für Klavier und Orchester Nr. 24 c-Moll KV 491 // 1786

// Pause //

Jessie Montgomery // * 1981
Strum für Streichorchester // 2006, rev. 2012

Sergei Prokofjew // 1891–1953
Symphonie Nr. 1 D-Dur op. 25 »Symphonie classique« // 1916­–17

Besetzung

Piotr Anderszewski | Klavier & Leitung

Münchener Kammerorchester Yuki Kasai | Violine & Leitung

Wie für viele andere wurde auch für RubberLegz alias Rauf Yasit HipHop zum Ort, an dem er sich aus der Tristesse seines Alltags befreien und fort träumen konnte: Graffitis und Tags an den Häuserwänden erschienen ihm wie Risse (Cracks), hinter denen sich völlig unbekannte Welten auftaten - wie der urbane Tanz. Ohne den geht heute nichts mehr. Denn aus dem Kinderspiel ist längst ein hart umkämpftes Geschäft um die Anerkennung der internationalen Szene geworden, so sehr hat diese sich professionalisiert.



Für "Cracks" kehrt Yasit, der als gefragter HipHop-Choreograf in Los Angeles lebt und arbeitet, in das Land zurück, in dem für ihn alles begann - und begibt sich mit dem Urban Arts Ensemble Ruhr auf Spurensuche. Sie lassen die befreienden Risse und Träume aus Kindertagen wieder auferstehen, fragen nach den Geschichten, die die Körper der Tänzer:innen geformt haben und lassen Gegenwart und Vergangenheit in einem spannungsgeladenen Dialog zwischen kindlichem Spiel und professionellem Anspruch, naiver Neugier und fehlerloser Funktionalität aufeinandertreffen.



Das 2023 gegründete Urban Arts Ensemble Ruhr ist Deutschlands erstes gefördertes Profiensemble aus der urbanen Kultur. Es versteht HipHop als demokratische Kunstform und choreografische Sprache einer jungen, diversen Generation. In seinen Produktionen verbindet es Straßenenergie mit künstlerischer Präzision - roh, reflektiert und radikal gegenwärtig.



"Ein Abend voller Dunkelheit, Wut und Härte... lässt gleichzeitig die Kraft der jungen Tänzer:innen spüren, ihre Zuversicht und die Freude am Leben." (Deutschlandfunk)



"Selten erlebt man so viel Authentizität auf der Bühne. Frenetischer Applaus" (Westdeutsche Zeitung)



Choreografie: Rauf Yasit

Choreografische Assistenz: Christian Zacharas

Tanz: Lisha Chen, Jari Harder, Jonas Krämer, Maksim Kuznetsov, Tonia Kyriakou, Toschkin Schalnich, Melena Tortoh

Bühnendesign: Aaron Stratmann

Kostümdesign: Frederike Coors

Sounddesign: Kilian Unger

Lichtdesign: Birk-André Hildebrandt

Licht: Moritz Bütow

Künstlerische Leitung: Zekai Fenerci

Produktionsassistenz: Eva Pageix



"Cracks" ist eine Produktion von Urban Arts Ensemble Ruhr und Pottporus in Kooperation mit PACT Zollverein. Das Urban Arts Ensemble Ruhr wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen im Rahmen des Programms „Neue Künste Ruhr" sowie durch die Stadt Herne.

Vasiliki Papapostolou (Tarantism): Panopticon

Ein Körper im Widerstand, gefangen zwischen Regel und Reflex, zwischen Sichtbarkeit und Kontrolle: In "Panopticon" verwandelt Vasiliki Papapostolou alias Tarantism das philosophische Konzept des Überwachungsraums in ein vibrierendes, physisches Experiment. Was Jeremy Bentham als Gefängnismodell entwarf und Michel Foucault als Struktur moderner Gesellschaft beschrieb, wird hier zum choreografischen Brennpunkt: Ein Körper, beobachtet von uns und sich selbst, ringt mit der Idee, frei zu sein.



Papapostolou beginnt im Rhythmus eines Metronoms - ein Taktgeber, der zum System wird. Der Körper folgt, präzise, mechanisch, bis der Impuls kippt: Bewegung wird Widerstand. Die Tänzerin wird zur Maschine, die Mensch zu sein versucht - oder umgekehrt. Ihre Hände, in rotes Licht getaucht, sind Symbol und Zwang zugleich: Kontrolle, Zählung, Macht. Doch unter der Oberfläche tobt ein anderes Drama - das Ringen zwischen Ego, Über-Ich und Unterbewusstsein, zwischen Ordnung und Chaos, Anpassung und Aufbegehren.



Die aus Griechenland stammende Choreografin und Performerin ist eine international agierende Künstlerin des experimentellen Tanzes. Ihre Bewegungssprache - ein Hybrid aus Physical Theatre, Ballroom Latin und Urban Street Styles - verbindet komplexe Körperlichkeit mit psychologischer Tiefe. In "Panopticon" entfaltet sie diese Sprache mit packender Klarheit: Jede Bewegung trägt Bedeutung, jede Stille ein Risiko. Die Musik von Christopher Nas und das präzise Lichtdesign von Emma Gasson schaffen einen Raum, in dem Wahrnehmung selbst zur Bühne wird. Die Kamera von Klaus Shehaj hält fest, was sich der Kontrolle entzieht.



Das vielfach preisgekrönte Solo - u. a. ausgezeichnet beim 29MASDANZA, beim Tanztheater Erfurt und beim Philly Fringe Festival - zeigt eine Künstlerin, die Mechanismen der Macht in Bewegung übersetzt. "Ein brillant-groteskes Solo", urteilte die britische Presse, und traf damit den Kern: ein Tanz über das Menschsein in einer Welt, die uns permanent beobachtet.



Choreography, Performance, Text: Vasiliki Papapostolou aka Tarantism

Music & Sound Design: Christopher Nas

Lighting designer: Emma Gasson

Videographer: Klaus Shehaj

Breakdance tritt gegen Ballett an, Streetstyle gegen Contemporary und HipHop misst sich mit Spitzentanz. Am Welttag des Tanzes ist das erfolgreiche Tanzformat von TheSaxonz und Hellerau zu Gast in Linz.



"Floor on Fire" lebt von der Individualität der Tänzer:innen, ihrer Virtuosität und ihrer unbegrenzten Kreativität. Was zunächst wie ein Wettkampf der einzelnen Tanzstile gegeneinander aussieht, verwandelt sich in gemischte Tanz-Teams, die spontan ihr gemeinsames Können auf der Tanzfläche präsentieren. Am Ende entscheidet eine Jury mit Publikumsbeteiligung über das beste Team - ein Erlebnis für Tänzer:innen und Publikum! 



Aus vier Crews wurde eine Bewegung: The Saxonz entstanden 2013 als Zusammenschluss der besten Breaker Sachsens - mit dem Ziel, Talent, Energie und Haltung unter einem gemeinsamen Namen zu bündeln. Was folgte, liest sich wie eine Erfolgsgeschichte im Stroboskoplicht: dreimal Sieger beim Battle of the Year, internationale Auftritte von Asien bis Amerika, Workshops, Filme, Kunstprojekte. Doch wichtiger als Trophäen ist ihr Prinzip des Miteinanders - Training, Originalität, Zusammenhalt. Aus dieser Haltung wächst ein kollektiver Style, der Breaking als gelebte Kultur versteht und immer wieder neu erfindet. Heute zählen The Saxonz zu den prägendsten Crews Deutschlands, präzise in der Bewegung, offen im Denken - und längst Botschafter einer Generation, die aus Energie Haltung formt.



Wo einst die Idee von Musik und Rhythmus in Architektur gegossen wurde, pulsiert heute ein Labor der Gegenwart. Hellerau - Europäisches Zentrum der Künste - ist kein Haus der stillen Betrachtung, sondern ein offenes System: Bühne, Werkstatt, Diskursraum. Hier kreuzen sich Tanz, Musik, Theater, Performance, Medien- und Bildende Kunst, hier entstehen Koproduktionen, Festivals, Debatten. Seit 1911 prägt das Haus den künstlerischen Aufbruch - damals visionär, heute unverzichtbar. Unter Intendantin Carena Schlewitt hat sich Hellerau weiter als internationales Zentrum der zeitgenössischen Künste etabliert: rund 350 Veranstaltungen pro Jahr, ein Netzwerk aus Partner:innen weltweit - und immer die Frage im Raum, was Kunst mit Gesellschaft zu tun hat.

Die Nacht als Sphäre des Träumerischen, des Irrationalen, des Geheimnisvollen, der Sehnsucht übt seit dem 19. Jahrhundert eine magnetische Anziehungskraft auf Dichter:innen, bildende Künstler:innen und Komponist:innen aus. Eine Auswahl der berühmtesten ›Nacht-Stücke‹ lässt Isata Kanneh-Mason in ihrem Klavierrecital aufeinandertreffen, darunter Ludwig van Beethovens weltberühmte ›Mondschein‹-Sonate, Maurice Ravels Gaspard de la nuit nach Gedichten von Aloysius Bertrand und die Klavierstücke Nocturne und Halo der britisch-bulgarischen Komponistin Dobrinka Tabakova. Als Gegenpol zu den atmosphärischen Klängen der Nacht rundet Beethovens energetische ›Waldstein‹-Sonate das Programm ab.

Programm

Ludwig van Beethoven // 1770–1827
Klaviersonate Nr. 14 cis-Moll op. 27, Nr. 2 ›Mondschein‹

Maurice Ravel // 1875–1937
Gaspard de la nuit. Trois poèmes pour piano d’après Aloysius Bertrand M. 55 // 1908

Pause

Dobrinka Tabakova // * 1980
Nocturne // 2008
Halo // 1999

Ludwig van Beethoven
Klaviersonate Nr. 21 C-Dur op. 53 ›Waldstein‹ // 1803–04

In beiderlei Sinn des Wortes verbinden die vier Kost-Proben in der Saison 25–26 Kulinarik mit musikalischen ›Schmankerln‹ in Gestalt von Proben, in denen das Bruckner Orchester Linz und Chefdirigent Markus Poschner zu einem Blick in die Werkstatt eines Orchesters einladen.

Auf dem Programm stehen diesmal drei Symphonien von Ludwig van Beethoven, die buchstäblich neue Welten eröffnende Erste, die verspielt-doppelbödige Achte und die dramatische Fünfte sowie Erich Wolfgang Korngolds 1952 in den USA vollendete Symphonie in Fis.

Erfahren Sie spannende Details und Hintergrundinformationen zu den gespielten Werken, spüren Sie der Dynamik zwischen Dirigent und Orchestermusiker:innen nach und genießen Sie anschließend einen Imbiss im Restaurant BRUCKNER’S, bei dem Sie dem zuvor Gehörten mit Blick auf die Donau noch einmal nachspüren können.

Wir feiern jene Frauen, die Songs geschrieben haben.
Wir feiern jene Frauen, die Songs inspirierten.
Wir feiern jene Frauen, die den Raum geschaffen haben, in denen Songs komponiert wurden.

Basierend auf neun ausgewählten Stücken, die entweder Jazzmusiker ihren Partnerinnen gewidmet haben oder von Frauen komponiert wurden, performt die Tänzerin und Choreografin Naïma Mazic mit der Sängerin, Komponistin und Pianistin Golnar Shahyar und einem Plattenspieler.

"Album" folgt dabei der Dramaturgie eines Konzerts. Zwischen den Tracks tauchen Erzählungen auf, die das Publikum in New Yorker Jazzclubs, Wiener Schlafzimmer oder auch das eigene Wohnzimmer entführen. Körper, Musik und Bewegungen wandeln sich von Song zu Song, von A-Seite zu B-Seite und beinhalten Beziehungen, die von vertraut zu professionell, von inspirierend zu besitzergreifend schwingen.

Eine verführerische Ballade wird zur Melodie einer weiteren Liebesgeschichte. Polyrhythmische Choreografien setzen sich mit der Figur und Rolle der "Muse", der Position von Frauen als künstlerischer Ansporn auseinander und beleuchten Schwierigkeiten, Mühen, Enttäuschungen und Aspirationen.

Tänzerin und Choreografin Naïma Mazic gründete 2016 die österreichische Non-profit-Organisation more2rhythm und die internationale Tanz- und Musikcompany n ï m. Gemeinsam mit einem wechselnden Team aus Tänzer:innen, Musiker:innen und Künstler:innen erforscht sie, wie sich Bewegung und (Jazz-)Musik in einer gemeinsamen Sprache begegnen. n ï m - vom deutschen "nehmen" - steht für Lernen, Verstehen und den Austausch, aus dem Neues entsteht.

"Ein feministisches Manifest, das als Multi-Layer-Kunstwerk ihre Kraft, Schönheit, Intelligenz und Kreativität zeigt..." (Tanz.at)

Leitung, Konzept, Choreografie, Tanz: Naïma Mazic
Gesang, Klavier, Gitarre, musikalische Arrangements: Golnar Shahyar
Musik von Mary Lou Williams, Carla Bley, Charlie Haden, Alice Coltrane, John Coltrane, Bill Evans, mathias rüegg, Golnar Shahyar, Lil' Hardin Armstrong
Dramaturgie, Co-Konzept: Maeve Johnson
Stagedesign, Research: Hanna Naske
Konzept-Entwicklung: Is Ali
Künstlerische Beratung: Alaa Alkurdi
Kostümdesign: Naïma Mazic
Kostüm: Tamara Yael
Bewegungs-Coaching: Cat Paz Jimenez
Outside Eyes: Sara Ostertag, Vera Rivas
Musikwissenschaftliche Begleitung: Harald Kisiedu
Lichtdesign: Resi Hausner
Produktionsleitung: more2rhythm, Naïma Mazic
Koproduktion mit brut Wien
Entwickelt in brut Wien, LAKE Studios Berlin, Bears in the Park, Porgy & Bess – Jazz & Music Club, unterstützt vom Bundeskanzleramt für Kunst, Kultur, öffentlicher Dienst und Sport, Kulturabteilung der Stadt Wien

Dank an Evi Filippou, Makisig Akin, Anya Cloud, Dr.Renée Gadsden, Robyn Schulkowsky, Imani Rameses, Meg Stuart and Doug Weiss

Dauer: 110 min
Sprache: Englisch

Im Jahr 1815 befand sich Ludwig van Beethoven in einer Schaffenskrise. Besonders litt er unter dem immer dramatischer fortschreitenden Verlust seines Hörvermögens: »[V]erdrießlich über vieles empfindlicher als alle andern Menschen, und mit der Plage meines Gehörs finde ich oft im Umgange andrer Menschen nur Schmerzen«, beklagte er sich gegenüber seinem Freund Joseph Xaver Brauchle. Einen Ausweg aus der Krise bot ihm schließlich das Komponieren von Kammermusik. Die zwei Sonaten für Violoncello op. 102 entstanden im Sommer 1815. Beethoven widmete sie seiner langjährigen Unterstützerin Anna-Maria Erdödy und Joseph Linke, dem Cellisten des Schuppanzigh-Quartetts. Die zwei Sonaten, die in ihrem kontrapunktischen Charakter auf Beethovens intensives Studium der Musik Johann Sebastian Bachs zu dieser Zeit schließen lassen, markieren den Beginn seines Spätwerks.

Hundert Jahre nach Beethoven begann Claude Debussy ebenfalls mit der Arbeit an einem Sonatenzyklus, der von der französischen Musik des Barocks inspiriert war. Die darin enthaltene Cellosonate hat insofern auch nur wenig mit der klassischen Sonatenform gemeinsam: Die drei Sätze besitzen freie Formen und poetische Titel. Indessen vereint Rachmaninoffs romantische Cellosonate aus dem Jahr 1901 schwelgende Kantilenen mit klassischen Formprinzipien und so manchem eigenwilligen Twist.

Programm

Ludwig van Beethoven // 1770–1827
Sonate für Violoncello und Klavier Nr. 4 C-Dur op. 102, Nr. 1 // 1815
Sonate für Violoncello und Klavier Nr. 5 D-Dur op. 102, Nr. 2 // 1815

Pause

Claude Debussy // 1862–1918
Sonate für Violoncello und Klavier d-Moll L. 135 // 1915

Sergei Rachmaninoff // 1873–1943
Sonate für Violoncello und Klavier g-Moll op. 19 // 1901

Besetzung

Jean-Guihen Queyras | Violoncello
Alexander Melnikov | Klavier

Nicht als Sänger, sondern als Geschichtenerzähler versteht sich der britische Tenor Mark Padmore, der als Evangelist in Bachs Oratorien und Passionen weltberühmt geworden ist. Die Interpretationen des profilierten Liedsängers unterliegen einer ständigen Reflexion und Verfeinerung, mit einer unendlichen Liebe zum noch so kleinsten Detail. Am Klavier begleitet von Julius Drake, präsentiert Padmore bei seinem Liederabend ein intimes Programm, das Werke von Clara und Robert Schumann Kompositionen von Rebecca Clarke, Benjamin Brittens Hölderlin-Fragmenten und dem Liedzyklus Winter Words gegenüberstellt. Höchster Kunstgenuss vorprogrammiert!

Programm

Clara Schumann // 1819–1896
Auswahl aus: Sechs Lieder op. 13 // 1842
Nr. 1 »Ich stand in dunklen Träumen«
Nr. 2 »Sie liebten sich Beide«
Nr. 4 »Der Mond kommt still gegangen«
»Liebst du um Schönheit« op. 12, Nr. 4
Lorelei // 1843

Robert Schumann // 1810–1856
Auswahl aus: Fünf Lieder op. 40 ›Andersen-Lieder‹ // 1840
Nr. 1 Märzveilchen
Nr. 2 Muttertraum
Nr. 3 Der Soldat
Nr. 4 Der Spielmann

Rebecca Clarke // 1886–1979
Tiger, Tiger // 1929
Lethe // 1941
Eight O’Clock // 1927
The Seal Man // 1921–22

// Pause //

Benjamin Britten // 1913–1976
Sechs Hölderlin-Fragmente op. 61 // 1958
Winter Words op. 52 // 1953

Besetzung

Mark Padmore | Tenor
Julius Drake | Klavier