Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Ein Gesamtkunstwerk für alle Sinne: Damien Jalet kreiert mit dem Künstler Kohei Nawa und für das Ballet du Grand Théâtre de Genève eine tänzerisch-visuelle Reise an die Grenzen unserer Wahrnehmung.

Tanz Zwischen Realität und Trugbild: Inspiriert vom Naturphänomen der Fata Morgana – einer optischen Illusion, die durch Lichtverzerrungen entsteht – erschaffen der Choreograf Damien Jalet und der bildende Künstler Kohei Nawa eine Bühnenwelt, in der Wirklichkeit und Täuschung untrennbar ineinanderfließen. Im Zentrum steht die Menschheit, die auf der Suche nach dem Menschsein hinter dem Schleier der Illusion eine metaphorische Wüstenlandschaft durchquert. Die 16 Performer:innen durchlaufen auf ihrer Reise eine Reihe körperlicher und emotionaler Metamorphosen: Wandern sie zuerst als einzelne Suchende durch eine karge Landschaft, greifen zunehmend botanische und animalische Elemente ineinander, das Individuum wird Teil eines größeren, lebendigen Organismus. Als sinnliche Reise durch wechselnde Naturzustände, wächst aus der Leere der Wüste eine üppige, tropisch anmutende Bühnenwelt. Mirage ist ein Stück über das Menschsein im Wandel – flüchtig, verletzlich, und immer im Prozess des Werdens.

Damien Jalet, seit 2022 assoziierter Künstler des Ballet du Grand Théâtre de Genève, präsentiert mit Mirage seine erste Uraufführung mit der Compagnie. Bekannt für seine bildgewaltige, zeitgenössische Handschrift, zog er zuletzt auch als Choreograf des preisgekrönten Musical-Films Emilia Pérez (2024) von Jaques Audiard internationale Aufmerksamkeit auf sich. Mirage ist nach VESSEL (2016), Mist (2021) und Planet[wanderer] (2021) die vierte gemeinsame Arbeit mit dem bildenden Künstler Kohei Nawa, dessen künstlerische Praxis eine dynamische Interpretation des Skulptur-Begriffs verfolgt. Seine Werke sind sinnliche Erfahrungen, die auf die physikalischen Eigenschaften von Materialien verweisen und sich mit Themen des Lebens und des Kosmos, sowie mit künstlerischer Sensibilität und Technologie befassen. Im Jahr 2009 gründete er die multidisziplinäre Kunstplattform Sandwich in Kyoto mit dem Ziel, Projekte und Installationen einem breiten Publikum zugänglich zu machen.

Eine Koproduktion von Kampnagel Hamburg, Charleroi Danse, Centro de Danza Matadero-Madrid, Maison de la Danse, Lyon-Pôle européen de création und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Damien Jalet Konzept, Choreografie, Kohei Nawa Konzept, Bühnenbild, Kunihiko Morinaga (Anrealage) Kostüme, Anna Sato Assistenz Kostüme, Yukiko Yoshimoto Lichtdesign, Thomas Bangalter Musik, Ballet du Grand Théâtre de Genève Tanz, Aimilios Arapoglou Choreografische Beratung, Kehua Li Choreografische Assistenz, Nikolai Korypaev Szenografische Assistenz, Jamila Hessaïne Creative Producer für Damien Jalet, Ryo Shikari Programmation

BALLET DU GRAND THÉÂTRE DE GENÈVE

Aviel Cahn Generaldirektor, Sidi Larbi Cherkaoui Direktor des Balletts, Indosuez Wealth Management Partner des Balletts des Grand Théâtre

Mirage ist eine Produktion, die auf dem Projekt Mirage [transitory] basiert, produziert und organisiert von Sandwich Inc, Zero-Ten Inc, Super Massive Global Co. Ltd, gesponsert von Yoshimura Holdings und präsentiert in Fukuoka (Japan) im September 2024

In Gedenken an Ryo Shiraki (1990-2025)

Drei Werke, die auf ganz unterschiedliche Weise zu Herzen gehen, weil sie Unsagbares ausdrücken: Mit einem besonders packenden Programm kehrt Tabita Berglund zu den Tonkünstlern zurück. 2022 war sie als Einspringerin erstmals an deren Pult zu erleben, seither ist die norwegische Dirigentin bei Orchester wie Publikum längst zu einem gern gesehenen Gast geworden. Mit Pjotr Iljitsch Tschaikowskis sechster, seiner «Pathétique», präsentiert sie nun eine Symphonie, die exorbitante Gefühlseruptionen und jähe Stimmungsumschwünge prägen. Vom 53-jährigen Komponisten als Schlussstein seines Schaffens geplant, ist sie eine Art Requiem, ein nach Kämpfen akzeptierter Abschied vom Leben: Neun Tage nach der Uraufführung war er tot. Erstmals haben die Tonkünstler ein Werk von Harald Sæverud im Programm. Der Landsmann von Edvard Grieg – und von Tabita Berglund – gilt als eine der wichtigsten Instanzen norwegischer Musik im 20. Jahrhundert. Der nur schwerlich übersetzbare Titel «Kjempeviseslåtten» bedeutet wörtlich etwa «Kampfliedtanz», zu gut Deutsch also «Ballade des Aufruhrs». Das Stück ist ein musikalischer Aufschrei gegen die deutsche Besatzung im Zweiten Weltkrieg und den «kleinen und großen Widerstandskämpfern» gewidmet. Als gleichsam auskomponiertes Schweigen folgt darauf Arvo Pärts «Tabula Rasa»: Die transzendentale Ruhe und in sich gekehrte, karge Schönheit verlangt den Musizierenden gleichfalls enorme, wenn auch ganz andere Konzentration ab. Die beiden Solopartien können die Tonkünstler aus ihren eigenen Reihen besetzen – mit Natalia Sagmeister und Vahid Khadem-Missagh.

Mitwirkende

Violine: Vahid Khadem-Missagh
Violine: Natalia Sagmeister
Dirigentin: Tabita Berglund

Programm

Harald Saeverud
«Kjempeviseslåtten» | «Die Ballade des Aufruhrs» op. 22a Nr. 5

Arvo Pärt
«Tabula Rasa» für 2 Violinen, Streichorchester und präpariertes Klavier

- Pause -

Pjotr Iljitsch Tschaikowski
Symphonie Nr. 6 h-Moll op. 74 «Pathétique»

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren

von René Pollesch

Beschreibung

Was hat Shakespeares „Sommernachtstraum“ mit dem „Knacks“ zu tun? Am Anfang des Stückes tritt eine Schauspielerin, K(athrin) Angerer, auf. Sie verwechselt die Vorbühne mit der Couch eines Psychiaters und will unbedingt einen „ganz schlimmen Sommernachtstraum“ erzählen. Es geht an diesem Abend tatsächlich wie bei Shakespeare um die Liebe – und um den Knacks. Es wäre kein Stück von René Pollesch, wenn es nicht gleichzeitig um die ersten und letzten Dinge und alle Möglichkeiten dazwischen ginge. Ums Theater also. René Polleschs Texte sind leicht und komplex, sinnlich und voller tiefsinniger Gedankenspielerei. Der 2024 verstorbene Autor und Regisseur gehört zu den wichtigsten Theaterkünstler*innen der deutschsprachigen Welt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 16 Jahren

Die Nobelpreisträgerin und Schriftstellerin Elfriede Jelinek soll Steuern hinterzogen haben? Ausgangspunkt von „Angabe der Person“ ist eine wahre Begebenheit rund um ein – mittlerweile eingestelltes – Ermittlungsverfahren der deutschen Steuerbehörden gegen Elfriede Jelinek. Es geht um die strittige Frage der Doppelbesteuerung, da sie abwechselnd in Wien und bei ihrem Ehemann in München lebt. In dem autobiografisch inspirierten Stück beschreibt Jelinek, wie die „Diener des Staates“ ihre Wohnung durchsuchen, um nachzuweisen, ob sie als Schriftstellerin in Deutschland steuerpflichtig sei. Die Beamten durchkämmen die Wohnung, dringen in ihre Intimsphäre ein. Persönliche Dokumente werden besichtigt, private E-Mails gelesen, Festplatten geprüft und Rechnungsbelege kritisch beäugt. Diese unfreiwillige Inventur ihrer persönlichen „Lebenslaufbahn“ nimmt Jelinek zum Anlass, um politische Ungerechtigkeiten auf mehreren Ebenen anzuklagen. In ihrem bisher persönlichsten Text ruft Elfriede Jelinek ihre jüdischen Vorfahren väterlicherseits in den Zeugenstand, die durch das menschenfeindliche Verwaltungssystem des nationalsozialistischen Regimes verfolgt wurden. Zugleich spannt sie, entlang von Assoziationen und Wortspielen, einen großen Bogen zum entfesselten Finanzkapitalismus der Gegenwart. Mit den Mitteln ihrer gewaltigen Sprachkunst holt Elfriede Jelinek ihrerseits zu einem literarischen Ermittlungsverfahren gegen legale Steueroasen, globale Geldströme und die Gier des großen Kapitals aus.

Die Regisseurin Sara Ostertag zählt zu den erfolgreichsten Theaterkünstlerinnen Österreichs und ist bekannt für ihre bildstarke, genrefluide Ästhetik. Mit dem Landestheater Niederösterreich ist sie durch mehrere gemeinsame Produktionen, zuletzt die bejubelten Uraufführungen von „Die größere Hoffnung“ und „Dunkelblum“, verbunden. Erstmals bringt Sara Ostertag mit dem Ensemble des Landestheaters und eigens komponierter Musik einen Theatertext von Elfriede Jelinek auf die Bühne.

Es ist ein herrlicher Sommerabend, an dem sich die gut gelaunte Landgesellschaft um die berühmte Schauspielerin Arkadina am Seeufer zusammenfindet. Ihr Sohn Kostja hat sie alle zu seinem neuen Theaterstück eingeladen: Er sucht neue Formen für das Theater und braucht kein kitschiges, altmodisches Bühnenbild. Für sein revolutionäres Theaterexperiment benötigt er nur den Mond und den See hinter der leeren Bühne. Die Hauptrolle spielt Nina, die sich eine Karriere als Schauspielerin erhofft und Kostjas große Liebe ist. Im Publikum sitzen Freunde und Verwandte. Neben Arkadina ist auch ihr Geliebter, der bedeutende Schriftsteller Trigorin, angereist, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Die Anerkennung seiner Mutter würde für Kostja die Welt bedeuten. Stattdessen beginnt Arkadina, kaum hat das Stück begonnen, sich über das Spiel und den Text lustig zu machen. Kostja ist tief gekränkt. Künstlerische Erneuerung und jugendliche Visionen, genauso aber auch seine Liebe zu Nina haben keinen Platz in der etablierten Welt.

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist eines der großen Schauspieler*innenstücke der Theatergeschichte. Die Figuren eint ihre unstillbare Sehnsucht nach Leben und nach der Liebe. Doch anstatt etwas zu verändern, hängen sie lieber ihren Träumen nach und stecken in Selbstmitleid fest. Mit seinem feinen Humor und seiner präzisen Menschenkenntnis entlarvte Tschechow die seelischen Befindlichkeiten seiner Zeitgenoss*innen. Damals wie heute diskutieren wir den Generationenkonflikt, die Angst vor dem Altern und das Leiden an unseren Beziehungen. Am Ende des Stückes stellt Anton Tschechow die Frage, inwieweit uns die Kunst vor der Wirklichkeit retten kann. Regie führt der junge, aufstrebende Regisseur Max Lindemann, der in seinen Inszenierungen eine feine psychologische Figurenführung mit großen Bildern verbindet. Nach Arbeiten am Berliner Ensemble und dem Münchner Volkstheater gibt er mit „Die Möwe“ sein Debüt in Österreich.

DAUER

2 Stunden 20 Minuten, inkl. eine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG

Ab 15 Jahren

Ein Mann, K. genannt, kommt spätabends in einem verschneiten böhmischen Dorf an. Im nahegelegenen Schloss soll er eine Stelle als Landvermesser antreten. Doch weder wird er von den Dorfbewohner*innen besonders freundlich empfangen, noch wollen die Verwalter des Schlosses etwas mit ihm zu tun haben. Niemand will von seiner Anstellung wissen. Keiner scheint für ihn zuständig zu sein oder kann etwas entscheiden. K. wird hingehalten, vertröstet, verwirrt oder zu einer anderen Instanz weitergeleitet. Das Schloss ist für K. nicht erreichbar. Der bürokratische Apparat ist zugleich bedrohlich und diffus, wer zu ihm gehört und wer welche Position einnimmt, bleibt unklar. Und so muss K. zunächst als Schuldiener arbeiten, lernt die Menschen des Dorfes kennen und arbeitet auf sein Ziel hin, dem er doch nie näherkommt.

„Das Schloss“, das zu einem Welterfolg wurde, ist eines von mehreren unvollendeten Werken Kafkas. Mitten im Satz bricht die Erzählung einfach ab. Kafkas Freund und Verleger Max Brod, der das Werk gegen den Willen des Autors veröffentlichte, hat Kafkas Gedanken zum fehlenden Ende preisgegeben, weshalb wir trotz des abrupten Endes des Romans grob wissen, wie er hätte ausgehen können. In der mündlichen Überlieferung heißt es, dass es zumindest zu einer teilweisen Klärung von K.s Situation kommen sollte. Wie in vielen anderen Werken des Autors manifestiert sich auch in „Das Schloss“ der Gedanke des Kafkaesken. Der Einzelne, der sich einer unklaren, ungreifbaren und unerreichbaren Macht gegenübersteht, ist ein wiederkehrendes Motiv im Werk des Autors und bietet auch für den Menschen des 21. Jahrhunderts hohes Identifikationspotential. Regisseur Gernot Grünewald arbeitet zum ersten Mal am Landestheater Niederösterreich. Er wird Kafkas Roman mit all seiner Rätselhaftigkeit zu einem sinnlich-poetischen Erlebnis machen.

DAUER:
1 Stunde 35 Minuten, keine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 15 Jahren

Der Zauberer Beelzebub Irrwitzer hat einen Pakt mit dem Teufel geschlossen, der ihn dazu verpflichtet, jährlich eine bestimmte Anzahl an bösen Taten zu vollführen. Irrwitzer ist dabei auf Naturkatastrophen, Überschwemmungen und vergiftete Flüsse spezialisiert. Der Hohe Rat der Tiere schickt geheime Beobachter*innen aus, um die Ursache des Übels aufzuklären. So schleicht sich der Kater Maurizio di Mauro als Spion bei Irrwitzer ein. Am Tag vor Silvester kommt die gierige Geldhexe Tyrannia Vamperl mit ihrem Raben Jakob Krakel auf Besuch. Irrwitzer und Vamperl versuchen die Verpflichtung an bösen Taten zu erfüllen. Dabei soll ihnen ein satanischer, genialischer Wunschpunsch helfen, der alle guten Wünsche in ihr grimmiges Gegenteil verkehrt. Aber auch Jakob ist ein Spion und plant gemeinsam mit Maurizio, den bösen Hexern das Handwerk zu legen ...

Das Zaubermärchen von Michael Ende erschien erstmals 1989 und thematisierte bereits damals den Klimawandel als Folge von Machtstreben und Gewinnsucht. Mit dem ungleichen Paar des vornehmen Katers und des raubeinigen Raben steht im Zentrum die Utopie, dass wir durch Überwindung von Gegensätzen neue Freunde finden und gemeinsam die Welt retten können. Felix Metzner, der für das Landestheater Niederösterreich bereits sehr erfolgreich „Emil und die Detektive“ und „Ronja Räubertochter“ inszeniert hat, bringt „Der satanarchäolügenialkohöllische Wunschpunsch“ mit viel Theaterzauber auf die Bühne.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 6 Jahren

Mitwirkende

Prof. Dr. Beelzebub Irrwitzer
Sven Kaschte

Tyrannja Vamperl
Michaela Kaspar

Maurizio di Mauro
Florian Haslinger

Jakob Krakel
Boris Popovic

Inszenierung
Felix Metzner

Bühne
Johannes Weckl

Kostüme
Elena Kreuzberger

Musik
Gregor Sandler

Dramaturgie
Thorben Meißner

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Ein innovativer Klangzauberer und ein außergewöhnliches Instrument: Manu Delago, der Meister der Handpan, begibt sich gemeinsam mit dem Tonkünstler-Orchester und den vokalen Harmonien von Mad About Lemon in ein musikalisches Universum aus Rhythmus, Melodie und Emotion.

Manu Delago und seine Handpan sind längst keine Unbekannten mehr: Was so ähnlich aussieht wie ein Schildkrötenpanzer aus Metall, ist musiktechnisch betrachtet ein ziemlich junges Musikinstrument: ein zweischaliges Aufschlagidiophon aus Stahlblech mit mehreren Tonfeldern auf der Oberseite. Zusammen mit den klangvollen dreistimmigen Songs der Tirolerinnen Valerie Costa, Mimi Schmid und Anna Widauer von Mad About Lemon sowie mit den Tonkünstlern unter Jules Buckley garantiert Manu Delago, der auf Handpan und Drums (nicht nur) alle Hände voll zu tun haben wird, ein Erlebnis der Sonderklasse.

Manu Delago entdeckte schon mit zwei Jahren seine Liebe zum Schlagzeug im Besonderen sowie zur Musik im Allgemeinen. Als Teenager in diversen Bands aktiv, studierte der Musiker und Komponist in Innsbruck und London und tritt seit fast 20 Jahren in selbstgegründeten Formationen auf, mittlerweile in mehr als 50 Ländern auf sechs Kontinenten.

BESETZUNG

Manu Delago Handpan & Schlagzeug, Mad About Lemon Vokaltrio, Jules Buckley Dirigent, Tonkünstler-Orchester Niederösterreich

Bereits zum 69. Mal findet am Freitag, dem 13. Februar 2026, der traditionelle Landhausball im NÖ Landhaus statt (Einlass 19:30 Uhr, Beginn 20.30 Uhr). Als Gastgeber fungiert der gewerkschaftliche Betriebsausschuss beim Amt der NÖ Landesregierung.

Die Ballbesucher erwarten mehrere Dance-Floors für ausgelassene Ballstimmung und Tanzvergnügen.
Die legendäre Ball-Disco und die allseits beliebte Publikumsquadrille kurz vor Mitternacht dürfen beim Landhausball auch nicht fehlen. Eröffnet wird der Ball vom Jungdamen&Jungherren-Komitee der Tanzschule Schwebach aus St. Pölten.

Auch kulinarisch hat der Ball Einiges zu bieten: Der eigens kreierte Ballwein von den NÖ Landesweingütern an der Weinbar, Sektbar im Landtagsschiff, Café, Restaurant in der Landhausküche, Heuriger, Cocktailbar auf der Ausstellungsbrücke, Bierbrunnen mit Snackbar uvm.

Auf die zahlreichen Ballbesucher wartet eine große Tombola mit attraktiven Preisen.

Mit dem Aufruf „Alle Tiere sind gleich“ starten die Schweine mit allen anderen Tieren des Bauernhofes eine Revolution. Old Major, der Anführer der Tiergemeinschaft, fordert sie auf, gegen ihre menschlichen Ausbeuter zu kämpfen. Die Revolution gelingt. Die Hofbesitzer*innen werden verjagt und die Vision, frei und gleich zu sein, scheint zum Greifen nah. Doch als Old Major stirbt, übernehmen die zwei dominanten Schweine Napoleon und Schneeball die Führung. Schon bald stellt sich heraus, dass die beiden ihre Macht missbrauchen, indem sie sich Privilegien zuschanzen und die Positionen an der Spitze einer neuen Gesellschaftsordnung beanspruchen. Was als Utopie der Freiheit begann, wird schnell zu einer Form der Diktatur. Denn die Schweine fügen dem Gesetz der Gleichheit eine Ergänzung hinzu, die das gemeinschaftliche Projekt zerstört: „Manche Tiere sind gleicher als andere.“

George Orwell veröffentlichte „Animal Farm“ 1944 als Warnung vor dem Stalinismus. In Form einer Fabel schildert er hellsichtig und schonungslos die Verführbarkeit und Korrumpierbarkeit des Menschen. Auch über 80 Jahre nach seiner Veröffentlichung ist „Animal Farm“ ein so aktueller wie entlarvender Text über die Natur des Menschen. Warum wiederholen sich die Systeme der Macht immer wieder? Warum werden die demokratischen Werte, die auf Freiheit und Gleichheit beruhen, auch heute wieder angezweifelt? Der Regisseur Jonathan Heidorn, der zuletzt Kafkas „Prozess“ sowie „Wolf“ von Saša Stanišic am Landestheater inszenierte, wird mit seinem Ensemble den berühmten Bestseller für die Gegenwart adaptieren und dabei eine mögliche Utopie für unsere Zukunft entwerfen.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 14 Jahren

Mitwirkende

Tobias Artner
Caroline Baas
Marthe Lola Deutschmann
Michael Scherff

Inszenierung
Jonathan Heidorn

Bühne und Kostüme
Thorben Schumüller

Dramaturgie
Sabrina Hofer

Gastspiel Berliner Ensemble

Beschreibung

„Fremder als der Mond“ ist eine Hommage an Bertolt Brecht (1898–1956), einen der prägendsten Theatermacher seiner Zeit, dessen politische Visionen bis heute Bestand haben. Er war Stückeschreiber, politischer Denker und zusammen mit Helene Weigel Gründer des Berliner Ensembles. Brecht war aber auch ein begnadeter Lyriker. „Fremder als der Mond“ verwebt Brecht-Lieder von Hanns Eisler und anderen mit Dichtungen und autobiografischer Prosa zu einer musikalisch-fragmentarischen Lebenserzählung. Tagebuchzeilen und Gedichte prallen auf Verse und Prosa, die Texte handeln vom Werden einer Künstlerpersönlichkeit, den Schwierigkeiten des Liebeslebens, von Krieg, Exil und Heimkehr – und vom Sterben und dem Verhältnis von Autor und Nachwelt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 12 Jahren

Gastspiel Berliner Ensemble

Beschreibung

„Fremder als der Mond“ ist eine Hommage an Bertolt Brecht (1898–1956), einen der prägendsten Theatermacher seiner Zeit, dessen politische Visionen bis heute Bestand haben. Er war Stückeschreiber, politischer Denker und zusammen mit Helene Weigel Gründer des Berliner Ensembles. Brecht war aber auch ein begnadeter Lyriker. „Fremder als der Mond“ verwebt Brecht-Lieder von Hanns Eisler und anderen mit Dichtungen und autobiografischer Prosa zu einer musikalisch-fragmentarischen Lebenserzählung. Tagebuchzeilen und Gedichte prallen auf Verse und Prosa, die Texte handeln vom Werden einer Künstlerpersönlichkeit, den Schwierigkeiten des Liebeslebens, von Krieg, Exil und Heimkehr – und vom Sterben und dem Verhältnis von Autor und Nachwelt.

ALTERSEMPFEHLUNG:
Ab 12 Jahren

Rauschen ist eine ungestüme Bewegung, ein Anstürmen, ein Anlaufen, um das Leben in seiner ganzen Intensität zu spüren: Choreograf Joachim Schlömer lädt dazu ein, die flüchtige Schönheit des Augenblicks und die Energie des Tanzes zu erleben.

Tanz/Live-Musik mit Rauschen oder der Nachhall der Tage feiern sechs Tänzer:innen und ein Musiker die Vergänglichkeit des Lebens und die unvergängliche Kraft des Tanzes. Mit jedem Schritt, jeder Geste und jedem Klang entsteht ein berauschender Strudel, in dem Bewegung und Musik miteinander verschmelzen. Jede Bewegung wird zum flüchtigen Moment, der zugleich tief in der Erinnerung nachklingt. Ein Tanz über die Schönheit des Augenblicks, über das Geheimnis, dass Tanz die Zeit überwinden kann – flüchtig, intensiv, triumphierend!

Joachim Schlömer prägte als Künstlerischer Leiter die Tanztheater am Nationaltheater Weimar und am Theater Basel sowie von 2009 bis 2013 das Festspielhaus St. Pölten. In seiner Arbeit als Regisseur und Choreograf, u. a. für Oper und Schauspiel, überzeugt er durch seine einzigartige Verbindung von Musik und Bewegung. Seit 2024 leitet er das Choreografische Zentrum sowie das Labor Tanz & Medien am Tanzhaus Basel.

Eine Koproduktion von Tanzhaus Basel und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Joachim Schlömer Konzept, Choreografie, Joachim Schlömer, Andreas Greiner, Anne-Sophie Raemy Raum, Licht, Janiv Oron Sound, Anne-Sophie Raemy Kostüme, Janiv Oron, Kali Malone Musik, Iva Dixson, Nona Munnix, Anna Riley-Shepard, Patricia Rotondaro, Marco Volta, Sebastian Zuber Tanz

Es ist ein herrlicher Sommerabend, an dem sich die gut gelaunte Landgesellschaft um die berühmte Schauspielerin Arkadina am Seeufer zusammenfindet. Ihr Sohn Kostja hat sie alle zu seinem neuen Theaterstück eingeladen: Er sucht neue Formen für das Theater und braucht kein kitschiges, altmodisches Bühnenbild. Für sein revolutionäres Theaterexperiment benötigt er nur den Mond und den See hinter der leeren Bühne. Die Hauptrolle spielt Nina, die sich eine Karriere als Schauspielerin erhofft und Kostjas große Liebe ist. Im Publikum sitzen Freunde und Verwandte. Neben Arkadina ist auch ihr Geliebter, der bedeutende Schriftsteller Trigorin, angereist, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Die Anerkennung seiner Mutter würde für Kostja die Welt bedeuten. Stattdessen beginnt Arkadina, kaum hat das Stück begonnen, sich über das Spiel und den Text lustig zu machen. Kostja ist tief gekränkt. Künstlerische Erneuerung und jugendliche Visionen, genauso aber auch seine Liebe zu Nina haben keinen Platz in der etablierten Welt.

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist eines der großen Schauspieler*innenstücke der Theatergeschichte. Die Figuren eint ihre unstillbare Sehnsucht nach Leben und nach der Liebe. Doch anstatt etwas zu verändern, hängen sie lieber ihren Träumen nach und stecken in Selbstmitleid fest. Mit seinem feinen Humor und seiner präzisen Menschenkenntnis entlarvte Tschechow die seelischen Befindlichkeiten seiner Zeitgenoss*innen. Damals wie heute diskutieren wir den Generationenkonflikt, die Angst vor dem Altern und das Leiden an unseren Beziehungen. Am Ende des Stückes stellt Anton Tschechow die Frage, inwieweit uns die Kunst vor der Wirklichkeit retten kann. Regie führt der junge, aufstrebende Regisseur Max Lindemann, der in seinen Inszenierungen eine feine psychologische Figurenführung mit großen Bildern verbindet. Nach Arbeiten am Berliner Ensemble und dem Münchner Volkstheater gibt er mit „Die Möwe“ sein Debüt in Österreich.

DAUER

2 Stunden 20 Minuten, inkl. eine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG

Ab 15 Jahren

Rauschen ist eine ungestüme Bewegung, ein Anstürmen, ein Anlaufen, um das Leben in seiner ganzen Intensität zu spüren: Choreograf Joachim Schlömer lädt dazu ein, die flüchtige Schönheit des Augenblicks und die Energie des Tanzes zu erleben.

Tanz/Live-Musik mit Rauschen oder der Nachhall der Tage feiern sechs Tänzer:innen und ein Musiker die Vergänglichkeit des Lebens und die unvergängliche Kraft des Tanzes. Mit jedem Schritt, jeder Geste und jedem Klang entsteht ein berauschender Strudel, in dem Bewegung und Musik miteinander verschmelzen. Jede Bewegung wird zum flüchtigen Moment, der zugleich tief in der Erinnerung nachklingt. Ein Tanz über die Schönheit des Augenblicks, über das Geheimnis, dass Tanz die Zeit überwinden kann – flüchtig, intensiv, triumphierend!

Joachim Schlömer prägte als Künstlerischer Leiter die Tanztheater am Nationaltheater Weimar und am Theater Basel sowie von 2009 bis 2013 das Festspielhaus St. Pölten. In seiner Arbeit als Regisseur und Choreograf, u. a. für Oper und Schauspiel, überzeugt er durch seine einzigartige Verbindung von Musik und Bewegung. Seit 2024 leitet er das Choreografische Zentrum sowie das Labor Tanz & Medien am Tanzhaus Basel.

Eine Koproduktion von Tanzhaus Basel und Festspielhaus St. Pölten.

BESETZUNG

Joachim Schlömer Konzept, Choreografie, Joachim Schlömer, Andreas Greiner, Anne-Sophie Raemy Raum, Licht, Janiv Oron Sound, Anne-Sophie Raemy Kostüme, Janiv Oron, Kali Malone Musik, Iva Dixson, Nona Munnix, Anna Riley-Shepard, Patricia Rotondaro, Marco Volta, Sebastian Zuber Tanz

Es ist ein herrlicher Sommerabend, an dem sich die gut gelaunte Landgesellschaft um die berühmte Schauspielerin Arkadina am Seeufer zusammenfindet. Ihr Sohn Kostja hat sie alle zu seinem neuen Theaterstück eingeladen: Er sucht neue Formen für das Theater und braucht kein kitschiges, altmodisches Bühnenbild. Für sein revolutionäres Theaterexperiment benötigt er nur den Mond und den See hinter der leeren Bühne. Die Hauptrolle spielt Nina, die sich eine Karriere als Schauspielerin erhofft und Kostjas große Liebe ist. Im Publikum sitzen Freunde und Verwandte. Neben Arkadina ist auch ihr Geliebter, der bedeutende Schriftsteller Trigorin, angereist, um den Sommer auf dem Land zu verbringen. Die Anerkennung seiner Mutter würde für Kostja die Welt bedeuten. Stattdessen beginnt Arkadina, kaum hat das Stück begonnen, sich über das Spiel und den Text lustig zu machen. Kostja ist tief gekränkt. Künstlerische Erneuerung und jugendliche Visionen, genauso aber auch seine Liebe zu Nina haben keinen Platz in der etablierten Welt.

„Die Möwe“ von Anton Tschechow ist eines der großen Schauspieler*innenstücke der Theatergeschichte. Die Figuren eint ihre unstillbare Sehnsucht nach Leben und nach der Liebe. Doch anstatt etwas zu verändern, hängen sie lieber ihren Träumen nach und stecken in Selbstmitleid fest. Mit seinem feinen Humor und seiner präzisen Menschenkenntnis entlarvte Tschechow die seelischen Befindlichkeiten seiner Zeitgenoss*innen. Damals wie heute diskutieren wir den Generationenkonflikt, die Angst vor dem Altern und das Leiden an unseren Beziehungen. Am Ende des Stückes stellt Anton Tschechow die Frage, inwieweit uns die Kunst vor der Wirklichkeit retten kann. Regie führt der junge, aufstrebende Regisseur Max Lindemann, der in seinen Inszenierungen eine feine psychologische Figurenführung mit großen Bildern verbindet. Nach Arbeiten am Berliner Ensemble und dem Münchner Volkstheater gibt er mit „Die Möwe“ sein Debüt in Österreich.

DAUER

2 Stunden 20 Minuten, inkl. eine Pause

ALTERSEMPFEHLUNG

Ab 15 Jahren