eventsTODAY - Crucchi Gang am 03.04.2025 in Wien

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Crucchi Gang

Donnerstag, 03.04.2025 um 20:00 Uhr

Crucchi Gang

Donnerstag, 03.04.2025
um 20:00 Uhr

mehr am 03.04.2025

Volkstheater
Neustiftgasse 1
1070 Wien

mehr in Wien

21,60 € bis 56,00 €

Benvenuti in Italia, Amore e Musica – Musik, die unsere große Liebe zu Italien feiert und nach Sommer, Disco, Eis und, ja!, Europa klingt. Geboren wurde die Idee in Berlin, irgendwann nach dem Besuch eines Bob Dylan-Konzerts, beim gemeinsamen Biertrinken von Charlotte Goltermann, Sven Regener und Francesco Wilking: Deutschsprachige Musiker und Musikerinnen singen ihre eigenen Songs auf Italienisch und daraus wird eine Platte! Und hier ist sie nun. Willkommen bei der Crucchi Gang!

Zwei Alben sind bisher erschienen: die selbstbetitelte LP CRUCCHI GANG (2020) und das aktuelle Werk FELLINI (2023). Im Volkstheater gibt’s ein Potpourri ihrer Songinterpretationen, getragen von einem großartigen Konzertorchester. Im Mittelpunkt: Conférencier Francesco Wilking und diverse Gast-Acts, u. a. Sven Regener, Bibiza und Steiner & Madlaina. Amore e Extravaganza Alitalia!

Allgemeine Hinweise zu Konzerten im Volkstheater

Wir weisen darauf hin, dass es bei Konzerten zum Einsatz stroboskopischer Effekte unterschiedlicher Intensität kommen kann.
Bei jedem Konzert werden an den Garderoben Gehörschutzstöpsel zur Verfügung gestellt.
Wir bitten Sie, Rücksicht auf andere Konzert-Besucher*innen zu nehmen, wenn Sie während der Veranstaltung mit Ihrem Handy fotografieren oder filmen. Dies kann auf Wunsch der Künstler*innen auch gänzlich untersagt werden.
Getränkemitnahme in den Saal ist nicht erlaubt.
Bitte beachten Sie: Je nach Konzert ist ein Einlass nach Konzertbeginn nicht immer möglich.

Eventdaten bereitgestellt von: oeticket

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Hape Kerkeling

Hape Kerkeling in Bestform: In seinem neuen Buch GEBT MIR ETWAS ZEIT setzt er nicht nur entscheidende Etappen seines Lebens fort, sondern taucht tief in die bewegte Geschichte seiner Vorfahren ein. Berührend und mit unvergleichlichem Sinn für Komik erzählt er von seiner Kindheit in den Siebzigern und den Glanzzeiten der TV-Unterhaltung, von Liebe, Vorsehung und dem Goldenen Zeitalter der Niederlande. Er führt in die Anfänge seiner Fernsehkarriere und bis in die Frühzeit der Kerckrings, ins blühende Amsterdam des 17. Jahrhunderts. Verwebt dabei lustvoll Erinnerungen mit Recherchen, eigenes Erleben mit Historie und Ahnenforschung. Und kommt schließlich auch hinter ein unglaubliches Geheimnis, das seine geliebte Großmutter Bertha zeit ihres Lebens umgab.

Am Abend der Veranstaltung gibt es im Foyer einen Büchertisch der Buchhandlung Leporello.

Wien

21.11.2024
19:30 Uhr

Die Unbekannte aus der Seine

von Ödön von Horváth

Endlich: Ödön von Horváths wunderbare, viel zu selten gespielte, schaurig-schöne Kriminal-Komödie ist nach mehr als einem Vierteljahrhundert in einer neuen Inszenierung auf einer großen Wiener Bühne zu sehen. Regie führt die für Ihre vielschichtigen Porträts von weiblichen Rollen bekannte Anna Bergmann.

Um 1900 wird an den Pariser Ufern der Seine die Leiche einer jungen Frau angeschwemmt. Die Polizei schließt Fremdeinwirkung aus, stattdessen vermutet der Pathologe im Leichenschauhaus freiwilliges Ertrinken – und ist von der Schönheit der Toten so angetan, dass er einen Gipsabdruck ihres sanft lächelnden Gesichts nimmt. Die Totenmaske der „Unbekannten aus der Seine“ wird in Folge zu einem so morbiden wie heißbegehrten Einrichtungsgegenstand im Fin de Siècle. Hundertfach schmückt das friedvolle Antlitz der Toten nun die Salons der europäischen Bohème, inspiriert zahlreiche literarische Werke. Auch Rilke schreibt über das „Gesicht der jungen Ertränkten, das man in der Morgue abnahm, weil es schön war, weil es lächelte, weil es so täuschend lächelte, als wüsste es.“

Ödön von Horváth erfährt 1931 durch eine Berliner Zeitung von dieser luziden Geschichte. Lange trägt er die Idee mit sich herum, eine Art Vorgeschichte dieses Freitodes zu schreiben. Wer war die Unbekannte aus der Seine? Welches Geheimnis trieb sie in die Wellen?

Und so schreibt er sein Drama für „eine große Stadt, durch die ein Fluss fließt“: Der arbeitslose Albert wurde jüngst von seiner großen Liebe, Irene, verlassen. Sie ist nun mit dem rastlosen Emporkömmling Ernst liiert. Um sein neues Leben als Junggeselle zu beginnen, plant Albert mit seinen Ganovenfreunden Nicolo und Silberling ein krummes Ding beim hiesigen Uhrmacher. Die Tat geht schief, aus Einbruch wird Mord. Albert wähnt sich in Sicherheit – doch da ist diese Unbekannte, die ihren Namen nicht verraten will, die vielwissend lächelt, die nichts von sich preisgibt – und die die einzige Augenzeugin des Verbrechens ist. Das Wissen um die Missetat bringt Albert und sie gefährlich nah zusammen

1933 – unmittelbar nach Fertigstellung von GLAUBE LIEBE HOFFNUNG – beginnt Ödön von Horváth mit der Arbeit an diesem Stück, das er später „Komödie“ nennen wird und das doch beinahe all die Rätsel und Ausweglosigkeiten des Film Noir vorwegzunehmen scheint. Erst 1947, neun Jahre nach Horváths Tod, kommt das Stück zur Uraufführung. „Kein Zweifel, , so eine damalige Kritik, „dass das dichterische Wort aufklingt und eine milde, wehe Weisheit in die Abgründe des Lebens blickt.“

Nach KAROLINE UND KASIMIR – NOLI ME TANGERE (2021) widmet sich das Volkstheater erneut dem großen, ewig rätselhaften Erneuerer des Wiener Volksstücks – und bringt dieses selten gespielte Horváth-Drama wieder dorthin, wo es hingehört: auf die große Bühne. Inszenieren wird die Regisseurin Anna Bergmann, deren Arbeiten – gerade auch wegen ihrer vielschichtigen Portraits der weiblichen Rollen – mehrfach ausgezeichnet wurden.

Wien

26.11.2024
19:30 Uhr

Die Unbekannte aus der Seine

von Ödön von Horváth

Endlich: Ödön von Horváths wunderbare, viel zu selten gespielte, schaurig-schöne Kriminal-Komödie ist nach mehr als einem Vierteljahrhundert in einer neuen Inszenierung auf einer großen Wiener Bühne zu sehen. Regie führt die für Ihre vielschichtigen Porträts von weiblichen Rollen bekannte Anna Bergmann.

Um 1900 wird an den Pariser Ufern der Seine die Leiche einer jungen Frau angeschwemmt. Die Polizei schließt Fremdeinwirkung aus, stattdessen vermutet der Pathologe im Leichenschauhaus freiwilliges Ertrinken – und ist von der Schönheit der Toten so angetan, dass er einen Gipsabdruck ihres sanft lächelnden Gesichts nimmt. Die Totenmaske der „Unbekannten aus der Seine“ wird in Folge zu einem so morbiden wie heißbegehrten Einrichtungsgegenstand im Fin de Siècle. Hundertfach schmückt das friedvolle Antlitz der Toten nun die Salons der europäischen Bohème, inspiriert zahlreiche literarische Werke. Auch Rilke schreibt über das „Gesicht der jungen Ertränkten, das man in der Morgue abnahm, weil es schön war, weil es lächelte, weil es so täuschend lächelte, als wüsste es.“

Ödön von Horváth erfährt 1931 durch eine Berliner Zeitung von dieser luziden Geschichte. Lange trägt er die Idee mit sich herum, eine Art Vorgeschichte dieses Freitodes zu schreiben. Wer war die Unbekannte aus der Seine? Welches Geheimnis trieb sie in die Wellen?

Und so schreibt er sein Drama für „eine große Stadt, durch die ein Fluss fließt“: Der arbeitslose Albert wurde jüngst von seiner großen Liebe, Irene, verlassen. Sie ist nun mit dem rastlosen Emporkömmling Ernst liiert. Um sein neues Leben als Junggeselle zu beginnen, plant Albert mit seinen Ganovenfreunden Nicolo und Silberling ein krummes Ding beim hiesigen Uhrmacher. Die Tat geht schief, aus Einbruch wird Mord. Albert wähnt sich in Sicherheit – doch da ist diese Unbekannte, die ihren Namen nicht verraten will, die vielwissend lächelt, die nichts von sich preisgibt – und die die einzige Augenzeugin des Verbrechens ist. Das Wissen um die Missetat bringt Albert und sie gefährlich nah zusammen

1933 – unmittelbar nach Fertigstellung von GLAUBE LIEBE HOFFNUNG – beginnt Ödön von Horváth mit der Arbeit an diesem Stück, das er später „Komödie“ nennen wird und das doch beinahe all die Rätsel und Ausweglosigkeiten des Film Noir vorwegzunehmen scheint. Erst 1947, neun Jahre nach Horváths Tod, kommt das Stück zur Uraufführung. „Kein Zweifel, , so eine damalige Kritik, „dass das dichterische Wort aufklingt und eine milde, wehe Weisheit in die Abgründe des Lebens blickt.“

Nach KAROLINE UND KASIMIR – NOLI ME TANGERE (2021) widmet sich das Volkstheater erneut dem großen, ewig rätselhaften Erneuerer des Wiener Volksstücks – und bringt dieses selten gespielte Horváth-Drama wieder dorthin, wo es hingehört: auf die große Bühne. Inszenieren wird die Regisseurin Anna Bergmann, deren Arbeiten – gerade auch wegen ihrer vielschichtigen Portraits der weiblichen Rollen – mehrfach ausgezeichnet wurden.

Wien

27.11.2024
19:30 Uhr

Bullet Time

Südkalifornien vor 150 Jahren – heute der Ort von Hollywood und Silicon Valley. Der berühmte Fotograf Eadweard Muybridge erschießt den Liebhaber seiner Frau: ein Verbrechen, für das er sich in einem aufsehenerregenden Mordprozess öffentlich rechtfertigen muss. Nur wenige Jahre später wird eben jener Muybridge zum Erfinder des Bewegtbildes, seine Fotografien von galoppierenden Pferden sind bis heute legendär. Alexander Kerlin hat aus dieser wahren Geschichte exklusiv für das Volkstheater-Ensemble ein Theaterstück geschrieben, das Kay Voges als spektakulären Clash von Theater und Live-Film auf die Bühne bringt.

„Liefern Sie mir den Beweis, dass Pferde fliegen können.“

Wie wurde das Kino erfunden?

Kalifornien vor 150 Jahren. Der aus England eingewanderte Eadweard Muybridge (1830-1904) gilt als rätselhaftes Genie und exzellenter Fotograf. Seine vom Staat beauftragten Landschaftsfotografien setzen Maßstäbe. Pausenlos arbeitet er an neuen Apparaturen, um dem noch jungen Medium der Fotografie Flügel zu verleihen.

Der Eisenbahn-Tycoon Leland Stanford – einer der damals reichsten Männer der Welt und berüchtigter Pferdenarr – lädt Muybridge auf seine Ranch in Palo Alto ein. Er beauftragt ihn mit einer unlösbaren Aufgabe: Muybridge soll erstmals ein Pferd im Galopp ohne Bewegungsunschärfe ablichten. Stanford erhofft sich durch diesen technischen Quantensprung einen Wettbewerbsvorteil für seine Pferdezucht. 1878 schließlich gelingt Muybridge die Sensation – die Fotoserie des galoppierenden Pferdes Occident geht um die Welt und wird zu einer Ikone der Moderne.

Die dunkle Vergangenheit von Eadweard Muybridge

Halt. Das ist nicht die ganze Geschichte. Am 17. Oktober 1874 fährt eben jener Eadweard Muybridge nachts mit einem Kutscher hoch zu den Minen von Yellow Jacket. Er klopft an die Tür einer Bergarbeiterhütte, fragt nach einem Bekannten namens Harry Larkyns – und erschießt ihn kaltblütig. Das Motiv? Larkyns hatte eine Affäre mit Muybridges Ehefrau, der jungen und unabhängigen Flora. Eifersucht. Gekränkte Männlichkeit. Der spätere Wegbereiter des Kinos ist ein Mörder. Ist die Geburt des Kinos in Blut getränkt? Ist der Auslöser einer Kamera verwandt mit dem Abzug einer Pistole?

Die Bilder lernen laufen – in Hollywood und im Silicon Valley

Nur kurz darauf entwickelt der immer exzentrischer werdende Muybridge mit dem Zoopraxiskop eines der ersten Projektionsgeräte für Lichtbilder in Bewegung: Die Fotografien von Occident kommen vor einem staunenden und begeisterten Publikum in Stanfords Villa buchstäblich wieder ins Laufen: Der Film ist geboren – und mit ihm das Kino. All dies geschieht in der Gegend zwischen San Francisco und Palo Alto, an jenem Ort also, den wir heute Silicon Valley nennen.

BULLET TIME führt zurück an den Nullpunkt unserer medialen Gegenwart. Zu dem Moment, in dem Bilder begannen, massenhaft in unsere Wirklichkeit einzufallen. Zurück in die Zeit, als Technologie und Kapital in Kalifornien erstmals zu verschworenen Komplizen wurden – und fortan via Hollywood und Silicon Valley unsere Ideen, unsere Ästhetik und unser Verhalten formen und regulieren sollten.

Warum Sie dieses Theaterstück nicht verpassen sollten

Historisches Drama: Erleben Sie die wahre Geschichte von Eadweard Muybridge, der die Welt der Fotografie revolutionierte.
Spektakuläre Aufführung: Das Stück wird von Kay Voges als spannende Mischung aus Theater und Film auf die Bühne gebracht.
Exklusives Stück: Geschrieben von Alexander Kerlin speziell für das Volkstheater und seine Schauspiel-Ensemble.

Besetzung:

mit Elias Eilinghoff
Frank Genser
Evi Kehrstephan
Lavinia Nowak
Fabian Reichenbach
Uwe Rohbeck
Claudia Sabitzer
Uwe Schmieder
Christoph Schüchner
Anke Zillich
Videoart / Live-Kamera Manuel Bader
Eduardo Triviño Cely
Anton Hammel
Ulrike Schild
Georg Vogler
Videoassistenz Konrad Braun

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Komposition Paul Wallfisch
Director of Photography Max Hammel
Lightdesign und Color Grading Voxi Bärenklau
Dramaturgie Alexander Kerli

Wien

28.11.2024
19:30 Uhr

Du musst dich entscheiden!

von Johan Frederik Hartle, Kay Voges und Ensemble

Eins, zwei oder drei. Heute geht’s um Dich, denn bei dieser TV-Show zur Primetime stimmt das Publikum ab über die wichtigsten Fragen der Epoche! Moral, Politik, Religion. Aber Obacht: Unentschieden war gestern, nur wer sich festlegt, gewinnt. Aber sind die Kandidaten und Kandidatinnen auch mehrheitsfähig? Spüren sie das Publikum? Und entscheiden sie schnell genug? Zögern und Zaudern, Ambivalenzen und Kompromisse – das ist für Wappler und Schattenparker. Denn bei DU MUSST DICH ENTSCHEIDEN! siegt das geschärfte Bewusstsein: Ob du stehst, wo die Mehrheit steht, siehst du, wenn das Licht angeht!

Wien

29.11.2024
19:30 Uhr

DESERTSHORE FESTIVAL #1

Line Up #1
ARAB STRAP
ROSA ANSCHÜTZ
THE KVB
DAS KINN
VÍZ

Line Up #2
THE NOTWIST
JOANNA GEMMA AUGURI
INSECT ARK

Das von Christian Morin kuratierte zweitägige Festival DESERTSHORE geht in die dritte und letzte Runde und widmet sich dazu passend einem wichtigen Aspekt aus dem Werk der namensgebenden Künstlerin Nico – der Melancholie.

Wien

30.11.2024
20:00 Uhr

DESERTSHORE FESTIVAL #2

Line Up #1
ARAB STRAP
ROSA ANSCHÜTZ
THE KVB
DAS KINN
VÍZ

Line Up #2
THE NOTWIST
JOANNA GEMMA AUGURI
INSECT ARK

Das von Christian Morin kuratierte zweitägige Festival DESERTSHORE geht in die dritte und letzte Runde und widmet sich dazu passend einem wichtigen Aspekt aus dem Werk der namensgebenden Künstlerin Nico – der Melancholie.

Wien

01.12.2024
20:00 Uhr

Heit bin e ned munta wuan

„In Wien mußt erst sterben, bis sie dich hochleben lassen. aber dann lebst lang.“

Der Glanz ist dahin, die Monarchie dahin, selbst der Prater, der Hitler und der Haider dahin, kein Felix Austria mehr, kein Weltreich, nix. Im Naturhistorischen Museum schaut makaber der Tod durch alle gläsernen Scheiben der alten Vitrinen, leuchten die Glasaugen der toten Tiere. Die Wiener*innen sind Experten des Konservierens und Spezialistinnen des Scheins. Sie sind umarmende Präparatoren. Und der Tod kann hier lebendiger und kräftiger aussehen als das Leben selbst. Franz Joseph, Maria Theresia, Sisi – alle wohnen sie noch hier, und auch die Geister vom Heldenplatz jubeln und schreien. Die Toten wandeln unter uns, und sie sind sehr munter.

Frau Q. tritt auf. Sie ist so eine Wiener Seele. Und sie ist schon lange allein. Keine Geselligkeit, viel Alkohol. Oberster Stock Gemeindebau, Favoriten. Eine kleine Wohnung, gelb vom Nikotin, das Gesicht grau und die Seele schwarz von der Einsamkeit. Es hängt ein Bild von besseren Tagen an der Wand, direkt neben dem Herrgottswinkel, auf dem ihr Gesicht zu sehen ist, mit roten Backen, blonden Zöpfen und schneeweißen Händen. Fernseher an, Kühlschrank auf, Zigarette an, Bier raus und Schnaps. Zum Fenster mit Häkelgardine und geschlossenem Rollo. Ein kurzer Blick ins Freie: spielende Kinder da draußen. Fenster auf, Hasstirade raus, Fenster zu, Fernseher umschalten, Zigarette, Schnaps und Schrammelquartett. Entspannung. Ein Blick zum Bild, eine Träne im Auge, Heiratsg’schichten, Heimat. Und wieder Tränen. Ein Lachen. Das Rollo hoch, Fenster auf, Tod herein, ein Kuss. Und Frau Q. auf der Fensterbank, lässt los …

Gedichte, Texte und Lieder live aus und in Wien – komisch, poetisch, traurig und natürlich böse.

Wolfgang Menardi, geboren in Innsbruck, inszeniert zum ersten Mal am Volkstheater. Als Bühnenbildner arbeitete er hier bereits mehrfach, wie auch u. a. am Theater Basel, am Deutschen Theater Berlin, Schauspiel Frankfurt, Berliner Ensemble, Staatsschauspiel Hannover, Schauspielhaus Düsseldorf, Schauspiel Köln und an den Münchner Kammerspielen.

Wien

05.12.2024
19:30 Uhr

René Benko

René Benko bestimmt seit Wochen die Schlagzeilen des Landes. Die Insolvenz seines Konzerns Signa könnte zur größten Pleite der zweiten Republik werden. Österreichischen, deutschen und italienischen Städten drohen Baukrater auf Jahre. Staatsinvestitionen in Millionenhöhen könnten sich in Luft auflösen. Nach Erfolgen wie DIE REDAKTION oder HELDENPLÄTZE blickt das Volkstheater Wien gemeinsam mit der investigativen Redaktion DOSSIER erneut hinter die Schlagzeilen der letzten Wochen. Über mehrere Monate haben wir unsere Köpfe zusammengesteckt, um die Geschichte vom Aufstieg und Fall des Wunder-Wuzzis neu zu erzählen.

Wie bereits in seinem Erfolgsformat FINALE steht Autor und Regisseur Calle Fuhr in diesem Solo selbst auf der Bühne – und nimmt das Publikum mit auf eine so detaillierte wie unterhaltsame Reise ins SIGNA-Wunderland. Es entsteht so ein ganz besonderer Theaterabend, irgendwo zwischen Stand-Up, TED-Talk und Lecture Performance.

Besetzung

mit Calle Fuhr

Regie und Bühne Calle Fuhr
Kostüm Tina Prichenfried
Videoart Lisa Rodlauer
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

06.12.2024
19:30 Uhr

Du musst dich entscheiden!

von Johan Frederik Hartle, Kay Voges und Ensemble

Eins, zwei oder drei. Heute geht’s um Dich, denn bei dieser TV-Show zur Primetime stimmt das Publikum ab über die wichtigsten Fragen der Epoche! Moral, Politik, Religion. Aber Obacht: Unentschieden war gestern, nur wer sich festlegt, gewinnt. Aber sind die Kandidaten und Kandidatinnen auch mehrheitsfähig? Spüren sie das Publikum? Und entscheiden sie schnell genug? Zögern und Zaudern, Ambivalenzen und Kompromisse – das ist für Wappler und Schattenparker. Denn bei DU MUSST DICH ENTSCHEIDEN! siegt das geschärfte Bewusstsein: Ob du stehst, wo die Mehrheit steht, siehst du, wenn das Licht angeht!

Wien

07.12.2024
19:30 Uhr

Nach langer Zeit kehrt ein Mädchen erstmals wieder zurück in den Kreis der Familie – es ist hochschwanger und wird vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Obwohl sich die Familie lange nicht gesehen hat, geschieht: nichts. Literaturnobelpreisträger und Magier der Stille Jon Fosse zeichnet ein Familientreffen als Tollhaus der Ereignislosigkeit. Und schafft aus Stille Musik, einen Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Aus wilder poetischer Einfachheit entsteht ein nahezu unendlicher Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln, den Kay Voges auf die Bühne bringt.

„Darfst mich umarmen. Wird sicher schön wirst sehen.“

Nach langer Zeit kommt ein Mädchen erstmals wieder zurück nach Hause in den Kreis der Familie – hochschwanger wird es vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Die Familie hat sich schon lange nicht mehr gesehen, und seit dem letzten Besuch hat sich kaum etwas verändert. Die Mutter ist krank, der Vater steckt dem Mädchen Geld zu, die Schwester sucht permanent jemanden, mit dem sie Karten spielen kann – dabei fragt niemand aus der Familie nach dem Namen des Freundes, der sich in die Ecke setzt und Bücher liest. Es passiert: Nichts.

Fast nichts. Scheinbar nichts. Denn da ist die Stille. Und Jon Fosse ist ihr größter Magier. So zeichnet er mit diesem Familientreffen ein Tollhaus der Ereignislosigkeit und fordert uns dazu auf, eigene Visionen zuzulassen. Es ist vielmehr ein Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Wilde poetische Einfachheit schafft einen nahezu unendlichen Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln. Denn es ist eine heikle Welt, die sich zeigt, und Fosse gibt einem Zeit, sie ganz ohne Druck zu betrachten. Und schließlich können wir feststellen, dass es unsere Welt ist. Die unserer täglichen Erfahrungen, die uns aufs Äußerste präzise vor Augen geführt werden: Ausnahmslos jede*r von uns steckt in einer Krise und sucht nach Bedeutung – danach, was es überhaupt heißt, am Leben zu sein.

Indirekt bringt Jon Fosse dadurch noch ein anderes Thema zur Sprache: Kommunikation. Die war noch nie leichter als heute, über nahezu jegliche Entfernung, mit eigentlich jedem anderen Menschen auf der Welt. Doch wie gestaltet sich unter den medialen Bedingungen unserer Gegenwart der Austausch mit der Person direkt vor uns? Alle sprechen miteinander – aber verstehen sie sich auch? Der Kosmos wird immer kleiner, aber ist jede*r darin eigentlich für sich und allein? Am Ende stellt sich in der Konsequenz natürlich die Frage, was der Tod sein könnte. In der Verzweiflung Hoffnung finden – das wäre vielleicht eine Möglichkeit, um auf einen nächsten Tag zu blicken.

Jon Fosse schenkt uns eben diese Hoffnung auf das, was als Nächstes passieren wird, und eröffnet damit einen Ausweg aus Düsternis und großer Traurigkeit. Er gibt „dem Unsagbaren eine Stimme“, wie es auch in der Begründung zum Literaturnobelpreis heißt, den er 2023 erhielt.

Besetzung

Das Mädchen Anna Rieser
Der Junge Fabian Reichenbach
Die Schwester Irem Gökçen
Die Mutter Birgit Unterweger
Der Vater Thomas Dannemann
Bjarne Nick Romeo Reimann

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Musik und Geräusch Tommy Finke
Lightdesign Voxi Bärenklau
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

08.12.2024
18:00 Uhr

Wien

14.12.2024
19:30 Uhr

Liebes Arschloch

Regisseur Stephan Kimmig inszeniert Virginie Despentes‘ jüngsten, so wortgewaltigen wie humorvollen Briefroman über so ziemlich jede aktuell relevante gesellschaftliche Debatte: von #MeToo, Hass im Netz bis hin zu Drogensucht und sexueller Identität. Ein leidenschaftliches, unverfrorenes und am Ende dennoch versöhnliches Plädoyer für Verständnis und Toleranz anstelle von Wut und Hass, für die Notwendigkeit, trotz aller Meinungsverschiedenheiten und möglichen Verletzungen miteinander im Dialog zu bleiben.

„Manche Katastrophen haben ihre eigene Architektur.“

„Am liebsten wäre ich ein richtiges Arschloch. Einer, der böswillig ist. Der Menschen hasst. Der sie verachtet. Der ihnen die Schuld an all seinen Problemen in die Schuhe schiebt.“ Sagt Oscar, Romanautor, Mitte Vierzig. Dann ist da noch Rebecca, Schauspielerin und Filmstar. Oscar kennt sie schon sehr lange, aus ihrer gemeinsamen Kindheit in der Arbeitersiedlung der Stadt, ist ihr jahrzehntelang nicht begegnet – hat ihre Karriere jedoch aus der Ferne in den Medien verfolgt und ist ein großer Fan geblieben. Nachdem er sie plötzlich und nur kurz auf der Straße wiedersieht, beleidigt er sie enttäuscht mit einem Kommentar auf Instagram. Rebecca antwortet umgehend öffentlich: „Ich hoffe jetzt nur, dass deine Kinder von einem Lastwagen überfahren werden und du ihren Todeskampf mitansehen musst, ohne etwas tun zu können, und dass ihnen die Augen aus den Höhlen spritzen und ihre Schmerzensschreie dich jeden Abend verfolgen. Das ist das Einzige, was ich dir wünsche.“

Ein Briefwechsel beginnt. Gespräche entstehen, allmählich etabliert sich ein Dialog, eine furiose Schreibbeziehung. Und die Themenfelder sind weit, äußerst unterschiedlich und immer wieder überraschend miteinander verbunden: Kindheit und #MeToo. Prostitution und Gewalt. Mutter- und Vaterschaft. Literatur und Psychiatrie. Kino. Liebe in unterschiedlichen sexuellen Orientierungen. Polizeirepression. Sucht und clean sein. Sie schreiben über Diäten und Covid, über das Ende des öffentlichen Dienstes und den Hass in den sozialen Netzwerken. Es wird geheimnisvoll, und es wird intim.

Und viel näher als am Rande, immer mit dabei: Zoe, deutlich jünger als Oscar und ehemalige Pressesprecherin seines Verlages. Sie wirft ihm sexuelle Belästigung vor, und sein immer wieder abweisender Umgang mit „dieser #MeToo-Sache“ führt zu Eskalationen. Anfangs gibt es nur eines, was alle drei gemeinsam haben: Hass und Wut, auf andere und auf sich selbst. Doch nach und nach entwickelt sich ein fast zärtlicher Diskurs. Es geht immer mehr darum, im Gespräch zu bleiben, die Auseinandersetzungen nicht zu scheuen und eigene Verletzungen zuzulassen.

Virginie Despentes mischt all das mit enthusiastischer Fantasie auf und interessiert sich dabei hauptsächlich für Grenzüberschreitungen. Sie öffnet die Diskurse, auch mit der Brechstange, statt Gesprächsmöglichkeiten zu vernageln – und dabei versucht sie, wie sie selbst sagt, Gewalt zu verstehen und sich zu versöhnen, statt selbst gewalttätig zu werden.

Virginie Despentes wurde nach der Veröffentlichung des Romans entgegen allen Erwartungen nicht für den renommierten französischen Literaturpreis Goncourt nominiert. Der Vorsitzende der Jury verteidigte die Entscheidung: Sie solle stattdessen den Nobelpreis gewinnen.

Nach Arbeiten u. a. am Thalia Theater Hamburg, Deutschen Theater Berlin, Schauspiel Frankfurt, Schauspiel Hannover, am Residenztheater München und an den Münchner Kammerspielen inszeniert der Regisseur Stephan Kimmig nach DIE ZEHN GEBOTE (2017) erstmals auch wieder am Volkstheater.

Besetzung

mit Irem Gökçen
Paul Grill
Birgit Unterweger
Live-Kamera Ulrike Schild

Regie Stephan Kimmig
Bühne Katja Haß
Kostüm Sigi Colpe
Körperarbeit Michèle Seydoux
Videoart Lisa Rodlauer
Lightdesign Voxi Bärenklau
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

15.12.2024
19:00 Uhr

„Wie glücklich ich war, glücklich. Und ich habe mir doch versprochen, ich will nie mehr klagen, niemand anklagen, wenn ich nur ein einziges Mal habe glücklich sein dürfen. Aber jetzt will ich dieses Glück verlängern, ich will es wie jeder, dem es widerfahren ist, dieses sich verabschiedende Glück, das seine Zeit gehabt hat.“

MALINA. Ein Kriminalroman, eine Liebesgeschichte, ein Gesellschaftsdrama. Eine Sittenkomödie, ein Psychothriller, ein Puzzle. Bachmanns einziger Roman bleibt eine offene Wunde, ein Riss in der Wand der Literaturgeschichte. MALINA. Ein Titel, aber kein Frauenname, nein, wirklich nicht, nicht mal ein Vorname. 1971 erschienen als erster und einziger Band des groß angelegten Romanprojekts TODESARTEN, von der Literaturkritik verrissen und später rehabilitiert: MALINA. Als unverfilmbar geltend 1991 verfilmt, auf alle denkbaren und undenkbaren Interpretationen hin gedeutet, als Verarbeitung der NS-Zeit, als Autobiographie, als Abrechnung, immer wieder auch als prophetische Abschiedsvision: Ingeborg Bachmann stirbt zwei Jahre nach der Veröffentlichung in Rom, sie wird nur 47 Jahre alt, ihr Tod jährt sich 2023 zum 50. Mal. Der berühmte letzte Satz: „Es war Mord.“ MALINA.

Schauplatz der Handlung ist Wien, als Hölle und Arkadien gleichermaßen. In der Ungargasse 9 wohnt Ivan, in der Ungargasse 6 wohnen Malina und die Erzählerin. Und in ihren nächtlichen Alpträumen haust der Vater. Zwischen dem kontrollierten Geschäftsmann Ivan und der namenlosen Erzählerin entspinnt sich eine unmögliche Liebesgeschichte – voller blinder Hingabe und hellsichtiger Abgrenzung.

Und allmählich tritt auch noch ihr Mitbewohner auf den Plan, der schweigsame Historiker Malina, der sie anfangs behütet, doch dann immer mehr wie ein Schatten über sie gleitet. Zunehmend verschwimmen Realität und Fiebertraum, Innen und Außen, Ich und Er. Ein Kampf um Identität, um Selbstbehauptung, um das eigene Begehren. Ein Überleben in seiner männlichen Welt scheint unmöglich. Ingeborg Bachmann selbst schrieb über den Roman: „Eine Frau zwischen zwei Männern. Eine letzte große Leidenschaft. Ein Leichnam, der nicht gefunden wird. Verwischte Spuren, Schritte. Jemand also, der noch auf und ab geht, in dieser Wohnung – stundenlang: MALINA.“

Die Regisseurin Claudia Bauer kehrt nach der mehrfach ausgezeichneten Ernst-Jandl-Inszenierung humanistää! ans Volkstheater zurück – und widmet sich erneut einer Ikone der österreichischen Nachkriegsliteratur.

Wien

17.12.2024
19:00 Uhr

Bullet Time

Südkalifornien vor 150 Jahren – heute der Ort von Hollywood und Silicon Valley. Der berühmte Fotograf Eadweard Muybridge erschießt den Liebhaber seiner Frau: ein Verbrechen, für das er sich in einem aufsehenerregenden Mordprozess öffentlich rechtfertigen muss. Nur wenige Jahre später wird eben jener Muybridge zum Erfinder des Bewegtbildes, seine Fotografien von galoppierenden Pferden sind bis heute legendär. Alexander Kerlin hat aus dieser wahren Geschichte exklusiv für das Volkstheater-Ensemble ein Theaterstück geschrieben, das Kay Voges als spektakulären Clash von Theater und Live-Film auf die Bühne bringt.

„Liefern Sie mir den Beweis, dass Pferde fliegen können.“

Wie wurde das Kino erfunden?

Kalifornien vor 150 Jahren. Der aus England eingewanderte Eadweard Muybridge (1830-1904) gilt als rätselhaftes Genie und exzellenter Fotograf. Seine vom Staat beauftragten Landschaftsfotografien setzen Maßstäbe. Pausenlos arbeitet er an neuen Apparaturen, um dem noch jungen Medium der Fotografie Flügel zu verleihen.

Der Eisenbahn-Tycoon Leland Stanford – einer der damals reichsten Männer der Welt und berüchtigter Pferdenarr – lädt Muybridge auf seine Ranch in Palo Alto ein. Er beauftragt ihn mit einer unlösbaren Aufgabe: Muybridge soll erstmals ein Pferd im Galopp ohne Bewegungsunschärfe ablichten. Stanford erhofft sich durch diesen technischen Quantensprung einen Wettbewerbsvorteil für seine Pferdezucht. 1878 schließlich gelingt Muybridge die Sensation – die Fotoserie des galoppierenden Pferdes Occident geht um die Welt und wird zu einer Ikone der Moderne.

Die dunkle Vergangenheit von Eadweard Muybridge

Halt. Das ist nicht die ganze Geschichte. Am 17. Oktober 1874 fährt eben jener Eadweard Muybridge nachts mit einem Kutscher hoch zu den Minen von Yellow Jacket. Er klopft an die Tür einer Bergarbeiterhütte, fragt nach einem Bekannten namens Harry Larkyns – und erschießt ihn kaltblütig. Das Motiv? Larkyns hatte eine Affäre mit Muybridges Ehefrau, der jungen und unabhängigen Flora. Eifersucht. Gekränkte Männlichkeit. Der spätere Wegbereiter des Kinos ist ein Mörder. Ist die Geburt des Kinos in Blut getränkt? Ist der Auslöser einer Kamera verwandt mit dem Abzug einer Pistole?

Die Bilder lernen laufen – in Hollywood und im Silicon Valley

Nur kurz darauf entwickelt der immer exzentrischer werdende Muybridge mit dem Zoopraxiskop eines der ersten Projektionsgeräte für Lichtbilder in Bewegung: Die Fotografien von Occident kommen vor einem staunenden und begeisterten Publikum in Stanfords Villa buchstäblich wieder ins Laufen: Der Film ist geboren – und mit ihm das Kino. All dies geschieht in der Gegend zwischen San Francisco und Palo Alto, an jenem Ort also, den wir heute Silicon Valley nennen.

BULLET TIME führt zurück an den Nullpunkt unserer medialen Gegenwart. Zu dem Moment, in dem Bilder begannen, massenhaft in unsere Wirklichkeit einzufallen. Zurück in die Zeit, als Technologie und Kapital in Kalifornien erstmals zu verschworenen Komplizen wurden – und fortan via Hollywood und Silicon Valley unsere Ideen, unsere Ästhetik und unser Verhalten formen und regulieren sollten.

Warum Sie dieses Theaterstück nicht verpassen sollten

Historisches Drama: Erleben Sie die wahre Geschichte von Eadweard Muybridge, der die Welt der Fotografie revolutionierte.
Spektakuläre Aufführung: Das Stück wird von Kay Voges als spannende Mischung aus Theater und Film auf die Bühne gebracht.
Exklusives Stück: Geschrieben von Alexander Kerlin speziell für das Volkstheater und seine Schauspiel-Ensemble.

Besetzung:

mit Elias Eilinghoff
Frank Genser
Evi Kehrstephan
Lavinia Nowak
Fabian Reichenbach
Uwe Rohbeck
Claudia Sabitzer
Uwe Schmieder
Christoph Schüchner
Anke Zillich
Videoart / Live-Kamera Manuel Bader
Eduardo Triviño Cely
Anton Hammel
Ulrike Schild
Georg Vogler
Videoassistenz Konrad Braun

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Komposition Paul Wallfisch
Director of Photography Max Hammel
Lightdesign und Color Grading Voxi Bärenklau
Dramaturgie Alexander Kerli

Wien

18.12.2024
19:30 Uhr

Du musst dich entscheiden!

von Johan Frederik Hartle, Kay Voges und Ensemble

Eins, zwei oder drei. Heute geht’s um Dich, denn bei dieser TV-Show zur Primetime stimmt das Publikum ab über die wichtigsten Fragen der Epoche! Moral, Politik, Religion. Aber Obacht: Unentschieden war gestern, nur wer sich festlegt, gewinnt. Aber sind die Kandidaten und Kandidatinnen auch mehrheitsfähig? Spüren sie das Publikum? Und entscheiden sie schnell genug? Zögern und Zaudern, Ambivalenzen und Kompromisse – das ist für Wappler und Schattenparker. Denn bei DU MUSST DICH ENTSCHEIDEN! siegt das geschärfte Bewusstsein: Ob du stehst, wo die Mehrheit steht, siehst du, wenn das Licht angeht!

Wien

19.12.2024
19:30 Uhr

Nach langer Zeit kehrt ein Mädchen erstmals wieder zurück in den Kreis der Familie – es ist hochschwanger und wird vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Obwohl sich die Familie lange nicht gesehen hat, geschieht: nichts. Literaturnobelpreisträger und Magier der Stille Jon Fosse zeichnet ein Familientreffen als Tollhaus der Ereignislosigkeit. Und schafft aus Stille Musik, einen Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Aus wilder poetischer Einfachheit entsteht ein nahezu unendlicher Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln, den Kay Voges auf die Bühne bringt.

„Darfst mich umarmen. Wird sicher schön wirst sehen.“

Nach langer Zeit kommt ein Mädchen erstmals wieder zurück nach Hause in den Kreis der Familie – hochschwanger wird es vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Die Familie hat sich schon lange nicht mehr gesehen, und seit dem letzten Besuch hat sich kaum etwas verändert. Die Mutter ist krank, der Vater steckt dem Mädchen Geld zu, die Schwester sucht permanent jemanden, mit dem sie Karten spielen kann – dabei fragt niemand aus der Familie nach dem Namen des Freundes, der sich in die Ecke setzt und Bücher liest. Es passiert: Nichts.

Fast nichts. Scheinbar nichts. Denn da ist die Stille. Und Jon Fosse ist ihr größter Magier. So zeichnet er mit diesem Familientreffen ein Tollhaus der Ereignislosigkeit und fordert uns dazu auf, eigene Visionen zuzulassen. Es ist vielmehr ein Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Wilde poetische Einfachheit schafft einen nahezu unendlichen Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln. Denn es ist eine heikle Welt, die sich zeigt, und Fosse gibt einem Zeit, sie ganz ohne Druck zu betrachten. Und schließlich können wir feststellen, dass es unsere Welt ist. Die unserer täglichen Erfahrungen, die uns aufs Äußerste präzise vor Augen geführt werden: Ausnahmslos jede*r von uns steckt in einer Krise und sucht nach Bedeutung – danach, was es überhaupt heißt, am Leben zu sein.

Indirekt bringt Jon Fosse dadurch noch ein anderes Thema zur Sprache: Kommunikation. Die war noch nie leichter als heute, über nahezu jegliche Entfernung, mit eigentlich jedem anderen Menschen auf der Welt. Doch wie gestaltet sich unter den medialen Bedingungen unserer Gegenwart der Austausch mit der Person direkt vor uns? Alle sprechen miteinander – aber verstehen sie sich auch? Der Kosmos wird immer kleiner, aber ist jede*r darin eigentlich für sich und allein? Am Ende stellt sich in der Konsequenz natürlich die Frage, was der Tod sein könnte. In der Verzweiflung Hoffnung finden – das wäre vielleicht eine Möglichkeit, um auf einen nächsten Tag zu blicken.

Jon Fosse schenkt uns eben diese Hoffnung auf das, was als Nächstes passieren wird, und eröffnet damit einen Ausweg aus Düsternis und großer Traurigkeit. Er gibt „dem Unsagbaren eine Stimme“, wie es auch in der Begründung zum Literaturnobelpreis heißt, den er 2023 erhielt.

Besetzung

Das Mädchen Anna Rieser
Der Junge Fabian Reichenbach
Die Schwester Irem Gökçen
Die Mutter Birgit Unterweger
Der Vater Thomas Dannemann
Bjarne Nick Romeo Reimann

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Musik und Geräusch Tommy Finke
Lightdesign Voxi Bärenklau
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

20.12.2024
19:30 Uhr

Liebes Arschloch

Regisseur Stephan Kimmig inszeniert Virginie Despentes‘ jüngsten, so wortgewaltigen wie humorvollen Briefroman über so ziemlich jede aktuell relevante gesellschaftliche Debatte: von #MeToo, Hass im Netz bis hin zu Drogensucht und sexueller Identität. Ein leidenschaftliches, unverfrorenes und am Ende dennoch versöhnliches Plädoyer für Verständnis und Toleranz anstelle von Wut und Hass, für die Notwendigkeit, trotz aller Meinungsverschiedenheiten und möglichen Verletzungen miteinander im Dialog zu bleiben.

„Manche Katastrophen haben ihre eigene Architektur.“

„Am liebsten wäre ich ein richtiges Arschloch. Einer, der böswillig ist. Der Menschen hasst. Der sie verachtet. Der ihnen die Schuld an all seinen Problemen in die Schuhe schiebt.“ Sagt Oscar, Romanautor, Mitte Vierzig. Dann ist da noch Rebecca, Schauspielerin und Filmstar. Oscar kennt sie schon sehr lange, aus ihrer gemeinsamen Kindheit in der Arbeitersiedlung der Stadt, ist ihr jahrzehntelang nicht begegnet – hat ihre Karriere jedoch aus der Ferne in den Medien verfolgt und ist ein großer Fan geblieben. Nachdem er sie plötzlich und nur kurz auf der Straße wiedersieht, beleidigt er sie enttäuscht mit einem Kommentar auf Instagram. Rebecca antwortet umgehend öffentlich: „Ich hoffe jetzt nur, dass deine Kinder von einem Lastwagen überfahren werden und du ihren Todeskampf mitansehen musst, ohne etwas tun zu können, und dass ihnen die Augen aus den Höhlen spritzen und ihre Schmerzensschreie dich jeden Abend verfolgen. Das ist das Einzige, was ich dir wünsche.“

Ein Briefwechsel beginnt. Gespräche entstehen, allmählich etabliert sich ein Dialog, eine furiose Schreibbeziehung. Und die Themenfelder sind weit, äußerst unterschiedlich und immer wieder überraschend miteinander verbunden: Kindheit und #MeToo. Prostitution und Gewalt. Mutter- und Vaterschaft. Literatur und Psychiatrie. Kino. Liebe in unterschiedlichen sexuellen Orientierungen. Polizeirepression. Sucht und clean sein. Sie schreiben über Diäten und Covid, über das Ende des öffentlichen Dienstes und den Hass in den sozialen Netzwerken. Es wird geheimnisvoll, und es wird intim.

Und viel näher als am Rande, immer mit dabei: Zoe, deutlich jünger als Oscar und ehemalige Pressesprecherin seines Verlages. Sie wirft ihm sexuelle Belästigung vor, und sein immer wieder abweisender Umgang mit „dieser #MeToo-Sache“ führt zu Eskalationen. Anfangs gibt es nur eines, was alle drei gemeinsam haben: Hass und Wut, auf andere und auf sich selbst. Doch nach und nach entwickelt sich ein fast zärtlicher Diskurs. Es geht immer mehr darum, im Gespräch zu bleiben, die Auseinandersetzungen nicht zu scheuen und eigene Verletzungen zuzulassen.

Virginie Despentes mischt all das mit enthusiastischer Fantasie auf und interessiert sich dabei hauptsächlich für Grenzüberschreitungen. Sie öffnet die Diskurse, auch mit der Brechstange, statt Gesprächsmöglichkeiten zu vernageln – und dabei versucht sie, wie sie selbst sagt, Gewalt zu verstehen und sich zu versöhnen, statt selbst gewalttätig zu werden.

Virginie Despentes wurde nach der Veröffentlichung des Romans entgegen allen Erwartungen nicht für den renommierten französischen Literaturpreis Goncourt nominiert. Der Vorsitzende der Jury verteidigte die Entscheidung: Sie solle stattdessen den Nobelpreis gewinnen.

Nach Arbeiten u. a. am Thalia Theater Hamburg, Deutschen Theater Berlin, Schauspiel Frankfurt, Schauspiel Hannover, am Residenztheater München und an den Münchner Kammerspielen inszeniert der Regisseur Stephan Kimmig nach DIE ZEHN GEBOTE (2017) erstmals auch wieder am Volkstheater.

Besetzung

mit Irem Gökçen
Paul Grill
Birgit Unterweger
Live-Kamera Ulrike Schild

Regie Stephan Kimmig
Bühne Katja Haß
Kostüm Sigi Colpe
Körperarbeit Michèle Seydoux
Videoart Lisa Rodlauer
Lightdesign Voxi Bärenklau
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

22.12.2024
19:30 Uhr

humanistää!

„Theater, das derart elektrisiert und zu so langem Jubel hinreißt, ist rar. Der Abend ist gerade auf der Textebene enorm präzise gearbeitet, vibriert vor Musikalität, Rhythmus, Energie." (Ute Baumhackl, Kleine Zeitung)

„Starkes Ensemble, mitreißender Sound. Das Wien-Debüt von Claudia Bauer kann sich sehen lassen, das Volkstheater hat mit 'humanistää!' mit ziemlicher Sicherheit einen Hit. Lang anhaltender Jubel." (Sonja Harter, APA)

„deutschen sprach sein ein kulturensprach / sein ein alt alt kulturensprach. deutschen literaturen sein ein kulturenliteraturen / ein ganz groß kulturenliteraturen.“

Ein hochdekorierter Geschichtsprofessor und ein Künstler von internationalem Renommee begegnen und verbrüdern sich: Sie lobpreisen die deutsch-österreichische Kulturgeschichte, beweihräuchern gegenseitig ihr Wissen, und sind sich einig, dass sie bestens das Geistesleben repräsentieren – schließlich haben sie ja beide bereits einen Nobelpreis erhalten. Auch das Auftauchen einer schwangeren Frau in einer Notsituation lenkt allenfalls kurz ab: Zu wichtig sind der Geltungsdrang und die Freude am elitären Urteil. Doch je länger die Hymnen auf Mitmenschlichkeit, Tradition und Kunsthandwerk fortdauern, desto bedrohlicher beginnt ihr Elfenbeinturm zu schwanken…

Ernst Jandls Erfolgsstück, der Einakter DIE HUMANISTEN (1976 in Graz uraufgeführt) ist typisch für sein Werk: Hochmusikalisch und bitterböse rechnet es mit gesellschaftlichen Altlasten ab, dabei voller Klarheit, Hintersinn und Witz. Und natürlich spielen wie bei wohl allen Jandl-Texten die Sprache und das Sprechen selbst die Hauptrolle: Sprache wird zum lebendigen Akteur, durch ihre Verfremdung und Verstümmelung ermöglicht sie neue Wirklichkeiten.
Ob nun in seinen verstreuten HUMANISTEN, im wehmütig-humorvollen Künstlerdrama AUS DER FREMDE oder im ausufernden lyrischen Werk – in den auseinanderstrebenden, frei flottierenden Sprachgebäuden Jandls kann die Welt endlich so dargestellt werden, wie man* selbst ihr immer wieder begegnet: als expressive Aneinanderreihung von Sinneseindrücken, als fragmentarisches Erleben von Gesellschaft, als trügerisches Wandeln zwischen Melancholie und Komik.

Die mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladene Regisseurin Claudia Bauer inszeniert in ihrer allerersten Wiener Arbeit ebendiesen unverwechselbaren Jandl-Sound – unterstützt von einer eignes für die Inszenierung entstandenen Komposition von Peer Baierlein. humanistää! – das ist ein Schlachtruf, eine Drohung, ein Kompliment. humanistää!– das ist bildgewaltiges Musiktheater, verwilderte Sprechoper, irrwitzige Groteske. humanistää! – ab Jänner im Volkstheater. Garantiert ohne ottos mops.

Wien

23.12.2024
19:30 Uhr

humanistää!

„Theater, das derart elektrisiert und zu so langem Jubel hinreißt, ist rar. Der Abend ist gerade auf der Textebene enorm präzise gearbeitet, vibriert vor Musikalität, Rhythmus, Energie." (Ute Baumhackl, Kleine Zeitung)

„Starkes Ensemble, mitreißender Sound. Das Wien-Debüt von Claudia Bauer kann sich sehen lassen, das Volkstheater hat mit 'humanistää!' mit ziemlicher Sicherheit einen Hit. Lang anhaltender Jubel." (Sonja Harter, APA)

„deutschen sprach sein ein kulturensprach / sein ein alt alt kulturensprach. deutschen literaturen sein ein kulturenliteraturen / ein ganz groß kulturenliteraturen.“

Ein hochdekorierter Geschichtsprofessor und ein Künstler von internationalem Renommee begegnen und verbrüdern sich: Sie lobpreisen die deutsch-österreichische Kulturgeschichte, beweihräuchern gegenseitig ihr Wissen, und sind sich einig, dass sie bestens das Geistesleben repräsentieren – schließlich haben sie ja beide bereits einen Nobelpreis erhalten. Auch das Auftauchen einer schwangeren Frau in einer Notsituation lenkt allenfalls kurz ab: Zu wichtig sind der Geltungsdrang und die Freude am elitären Urteil. Doch je länger die Hymnen auf Mitmenschlichkeit, Tradition und Kunsthandwerk fortdauern, desto bedrohlicher beginnt ihr Elfenbeinturm zu schwanken…

Ernst Jandls Erfolgsstück, der Einakter DIE HUMANISTEN (1976 in Graz uraufgeführt) ist typisch für sein Werk: Hochmusikalisch und bitterböse rechnet es mit gesellschaftlichen Altlasten ab, dabei voller Klarheit, Hintersinn und Witz. Und natürlich spielen wie bei wohl allen Jandl-Texten die Sprache und das Sprechen selbst die Hauptrolle: Sprache wird zum lebendigen Akteur, durch ihre Verfremdung und Verstümmelung ermöglicht sie neue Wirklichkeiten.
Ob nun in seinen verstreuten HUMANISTEN, im wehmütig-humorvollen Künstlerdrama AUS DER FREMDE oder im ausufernden lyrischen Werk – in den auseinanderstrebenden, frei flottierenden Sprachgebäuden Jandls kann die Welt endlich so dargestellt werden, wie man* selbst ihr immer wieder begegnet: als expressive Aneinanderreihung von Sinneseindrücken, als fragmentarisches Erleben von Gesellschaft, als trügerisches Wandeln zwischen Melancholie und Komik.

Die mehrfach zum Berliner Theatertreffen eingeladene Regisseurin Claudia Bauer inszeniert in ihrer allerersten Wiener Arbeit ebendiesen unverwechselbaren Jandl-Sound – unterstützt von einer eignes für die Inszenierung entstandenen Komposition von Peer Baierlein. humanistää! – das ist ein Schlachtruf, eine Drohung, ein Kompliment. humanistää!– das ist bildgewaltiges Musiktheater, verwilderte Sprechoper, irrwitzige Groteske. humanistää! – ab Jänner im Volkstheater. Garantiert ohne ottos mops.

Wien

26.12.2024
18:00 Uhr

Heit bin e ned munta wuan

„In Wien mußt erst sterben, bis sie dich hochleben lassen. aber dann lebst lang.“

Der Glanz ist dahin, die Monarchie dahin, selbst der Prater, der Hitler und der Haider dahin, kein Felix Austria mehr, kein Weltreich, nix. Im Naturhistorischen Museum schaut makaber der Tod durch alle gläsernen Scheiben der alten Vitrinen, leuchten die Glasaugen der toten Tiere. Die Wiener*innen sind Experten des Konservierens und Spezialistinnen des Scheins. Sie sind umarmende Präparatoren. Und der Tod kann hier lebendiger und kräftiger aussehen als das Leben selbst. Franz Joseph, Maria Theresia, Sisi – alle wohnen sie noch hier, und auch die Geister vom Heldenplatz jubeln und schreien. Die Toten wandeln unter uns, und sie sind sehr munter.

Frau Q. tritt auf. Sie ist so eine Wiener Seele. Und sie ist schon lange allein. Keine Geselligkeit, viel Alkohol. Oberster Stock Gemeindebau, Favoriten. Eine kleine Wohnung, gelb vom Nikotin, das Gesicht grau und die Seele schwarz von der Einsamkeit. Es hängt ein Bild von besseren Tagen an der Wand, direkt neben dem Herrgottswinkel, auf dem ihr Gesicht zu sehen ist, mit roten Backen, blonden Zöpfen und schneeweißen Händen. Fernseher an, Kühlschrank auf, Zigarette an, Bier raus und Schnaps. Zum Fenster mit Häkelgardine und geschlossenem Rollo. Ein kurzer Blick ins Freie: spielende Kinder da draußen. Fenster auf, Hasstirade raus, Fenster zu, Fernseher umschalten, Zigarette, Schnaps und Schrammelquartett. Entspannung. Ein Blick zum Bild, eine Träne im Auge, Heiratsg’schichten, Heimat. Und wieder Tränen. Ein Lachen. Das Rollo hoch, Fenster auf, Tod herein, ein Kuss. Und Frau Q. auf der Fensterbank, lässt los …

Gedichte, Texte und Lieder live aus und in Wien – komisch, poetisch, traurig und natürlich böse.

Wolfgang Menardi, geboren in Innsbruck, inszeniert zum ersten Mal am Volkstheater. Als Bühnenbildner arbeitete er hier bereits mehrfach, wie auch u. a. am Theater Basel, am Deutschen Theater Berlin, Schauspiel Frankfurt, Berliner Ensemble, Staatsschauspiel Hannover, Schauspielhaus Düsseldorf, Schauspiel Köln und an den Münchner Kammerspielen.

Wien

27.12.2024
19:30 Uhr

Bullet Time

Südkalifornien vor 150 Jahren – heute der Ort von Hollywood und Silicon Valley. Der berühmte Fotograf Eadweard Muybridge erschießt den Liebhaber seiner Frau: ein Verbrechen, für das er sich in einem aufsehenerregenden Mordprozess öffentlich rechtfertigen muss. Nur wenige Jahre später wird eben jener Muybridge zum Erfinder des Bewegtbildes, seine Fotografien von galoppierenden Pferden sind bis heute legendär. Alexander Kerlin hat aus dieser wahren Geschichte exklusiv für das Volkstheater-Ensemble ein Theaterstück geschrieben, das Kay Voges als spektakulären Clash von Theater und Live-Film auf die Bühne bringt.

„Liefern Sie mir den Beweis, dass Pferde fliegen können.“

Wie wurde das Kino erfunden?

Kalifornien vor 150 Jahren. Der aus England eingewanderte Eadweard Muybridge (1830-1904) gilt als rätselhaftes Genie und exzellenter Fotograf. Seine vom Staat beauftragten Landschaftsfotografien setzen Maßstäbe. Pausenlos arbeitet er an neuen Apparaturen, um dem noch jungen Medium der Fotografie Flügel zu verleihen.

Der Eisenbahn-Tycoon Leland Stanford – einer der damals reichsten Männer der Welt und berüchtigter Pferdenarr – lädt Muybridge auf seine Ranch in Palo Alto ein. Er beauftragt ihn mit einer unlösbaren Aufgabe: Muybridge soll erstmals ein Pferd im Galopp ohne Bewegungsunschärfe ablichten. Stanford erhofft sich durch diesen technischen Quantensprung einen Wettbewerbsvorteil für seine Pferdezucht. 1878 schließlich gelingt Muybridge die Sensation – die Fotoserie des galoppierenden Pferdes Occident geht um die Welt und wird zu einer Ikone der Moderne.

Die dunkle Vergangenheit von Eadweard Muybridge

Halt. Das ist nicht die ganze Geschichte. Am 17. Oktober 1874 fährt eben jener Eadweard Muybridge nachts mit einem Kutscher hoch zu den Minen von Yellow Jacket. Er klopft an die Tür einer Bergarbeiterhütte, fragt nach einem Bekannten namens Harry Larkyns – und erschießt ihn kaltblütig. Das Motiv? Larkyns hatte eine Affäre mit Muybridges Ehefrau, der jungen und unabhängigen Flora. Eifersucht. Gekränkte Männlichkeit. Der spätere Wegbereiter des Kinos ist ein Mörder. Ist die Geburt des Kinos in Blut getränkt? Ist der Auslöser einer Kamera verwandt mit dem Abzug einer Pistole?

Die Bilder lernen laufen – in Hollywood und im Silicon Valley

Nur kurz darauf entwickelt der immer exzentrischer werdende Muybridge mit dem Zoopraxiskop eines der ersten Projektionsgeräte für Lichtbilder in Bewegung: Die Fotografien von Occident kommen vor einem staunenden und begeisterten Publikum in Stanfords Villa buchstäblich wieder ins Laufen: Der Film ist geboren – und mit ihm das Kino. All dies geschieht in der Gegend zwischen San Francisco und Palo Alto, an jenem Ort also, den wir heute Silicon Valley nennen.

BULLET TIME führt zurück an den Nullpunkt unserer medialen Gegenwart. Zu dem Moment, in dem Bilder begannen, massenhaft in unsere Wirklichkeit einzufallen. Zurück in die Zeit, als Technologie und Kapital in Kalifornien erstmals zu verschworenen Komplizen wurden – und fortan via Hollywood und Silicon Valley unsere Ideen, unsere Ästhetik und unser Verhalten formen und regulieren sollten.

Warum Sie dieses Theaterstück nicht verpassen sollten

Historisches Drama: Erleben Sie die wahre Geschichte von Eadweard Muybridge, der die Welt der Fotografie revolutionierte.
Spektakuläre Aufführung: Das Stück wird von Kay Voges als spannende Mischung aus Theater und Film auf die Bühne gebracht.
Exklusives Stück: Geschrieben von Alexander Kerlin speziell für das Volkstheater und seine Schauspiel-Ensemble.

Besetzung:

mit Elias Eilinghoff
Frank Genser
Evi Kehrstephan
Lavinia Nowak
Fabian Reichenbach
Uwe Rohbeck
Claudia Sabitzer
Uwe Schmieder
Christoph Schüchner
Anke Zillich
Videoart / Live-Kamera Manuel Bader
Eduardo Triviño Cely
Anton Hammel
Ulrike Schild
Georg Vogler
Videoassistenz Konrad Braun

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Komposition Paul Wallfisch
Director of Photography Max Hammel
Lightdesign und Color Grading Voxi Bärenklau
Dramaturgie Alexander Kerli

Wien

28.12.2024
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

29.12.2024
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

30.12.2024
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

31.12.2024
19:00 Uhr

MIR SAN NET NUR MIR #25

Am 01.01.2024 „läutet“ zum #24 Mal die Wiener Tschuschenkapelle das neue Jahr im Volkstheater ein! Unter dem altbekannten Motto MIR SAN NET NUR MIR lädt der Bandleader Slavko Ninić zu einem reichhaltigen Programm – zelebriert mit ausgesuchten Gästen sowie mit Esprit, Freude und Spiellust vorgetragen. Garantiert ist wie immer ein festlicher, früher Neujahrsabend auf einem hohen künstlerischen Niveau.

Wien

01.01.2025
18:00 Uhr

„Wie glücklich ich war, glücklich. Und ich habe mir doch versprochen, ich will nie mehr klagen, niemand anklagen, wenn ich nur ein einziges Mal habe glücklich sein dürfen. Aber jetzt will ich dieses Glück verlängern, ich will es wie jeder, dem es widerfahren ist, dieses sich verabschiedende Glück, das seine Zeit gehabt hat.“

MALINA. Ein Kriminalroman, eine Liebesgeschichte, ein Gesellschaftsdrama. Eine Sittenkomödie, ein Psychothriller, ein Puzzle. Bachmanns einziger Roman bleibt eine offene Wunde, ein Riss in der Wand der Literaturgeschichte. MALINA. Ein Titel, aber kein Frauenname, nein, wirklich nicht, nicht mal ein Vorname. 1971 erschienen als erster und einziger Band des groß angelegten Romanprojekts TODESARTEN, von der Literaturkritik verrissen und später rehabilitiert: MALINA. Als unverfilmbar geltend 1991 verfilmt, auf alle denkbaren und undenkbaren Interpretationen hin gedeutet, als Verarbeitung der NS-Zeit, als Autobiographie, als Abrechnung, immer wieder auch als prophetische Abschiedsvision: Ingeborg Bachmann stirbt zwei Jahre nach der Veröffentlichung in Rom, sie wird nur 47 Jahre alt, ihr Tod jährt sich 2023 zum 50. Mal. Der berühmte letzte Satz: „Es war Mord.“ MALINA.

Schauplatz der Handlung ist Wien, als Hölle und Arkadien gleichermaßen. In der Ungargasse 9 wohnt Ivan, in der Ungargasse 6 wohnen Malina und die Erzählerin. Und in ihren nächtlichen Alpträumen haust der Vater. Zwischen dem kontrollierten Geschäftsmann Ivan und der namenlosen Erzählerin entspinnt sich eine unmögliche Liebesgeschichte – voller blinder Hingabe und hellsichtiger Abgrenzung.

Und allmählich tritt auch noch ihr Mitbewohner auf den Plan, der schweigsame Historiker Malina, der sie anfangs behütet, doch dann immer mehr wie ein Schatten über sie gleitet. Zunehmend verschwimmen Realität und Fiebertraum, Innen und Außen, Ich und Er. Ein Kampf um Identität, um Selbstbehauptung, um das eigene Begehren. Ein Überleben in seiner männlichen Welt scheint unmöglich. Ingeborg Bachmann selbst schrieb über den Roman: „Eine Frau zwischen zwei Männern. Eine letzte große Leidenschaft. Ein Leichnam, der nicht gefunden wird. Verwischte Spuren, Schritte. Jemand also, der noch auf und ab geht, in dieser Wohnung – stundenlang: MALINA.“

Die Regisseurin Claudia Bauer kehrt nach der mehrfach ausgezeichneten Ernst-Jandl-Inszenierung humanistää! ans Volkstheater zurück – und widmet sich erneut einer Ikone der österreichischen Nachkriegsliteratur.

Wien

05.01.2025
19:30 Uhr

Du musst dich entscheiden!

von Johan Frederik Hartle, Kay Voges und Ensemble

Eins, zwei oder drei. Heute geht’s um Dich, denn bei dieser TV-Show zur Primetime stimmt das Publikum ab über die wichtigsten Fragen der Epoche! Moral, Politik, Religion. Aber Obacht: Unentschieden war gestern, nur wer sich festlegt, gewinnt. Aber sind die Kandidaten und Kandidatinnen auch mehrheitsfähig? Spüren sie das Publikum? Und entscheiden sie schnell genug? Zögern und Zaudern, Ambivalenzen und Kompromisse – das ist für Wappler und Schattenparker. Denn bei DU MUSST DICH ENTSCHEIDEN! siegt das geschärfte Bewusstsein: Ob du stehst, wo die Mehrheit steht, siehst du, wenn das Licht angeht!

Wien

11.01.2025
19:30 Uhr

Nach langer Zeit kehrt ein Mädchen erstmals wieder zurück in den Kreis der Familie – es ist hochschwanger und wird vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Obwohl sich die Familie lange nicht gesehen hat, geschieht: nichts. Literaturnobelpreisträger und Magier der Stille Jon Fosse zeichnet ein Familientreffen als Tollhaus der Ereignislosigkeit. Und schafft aus Stille Musik, einen Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Aus wilder poetischer Einfachheit entsteht ein nahezu unendlicher Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln, den Kay Voges auf die Bühne bringt.

„Darfst mich umarmen. Wird sicher schön wirst sehen.“

Nach langer Zeit kommt ein Mädchen erstmals wieder zurück nach Hause in den Kreis der Familie – hochschwanger wird es vom Vater des zukünftigen Kindes begleitet. Die Familie hat sich schon lange nicht mehr gesehen, und seit dem letzten Besuch hat sich kaum etwas verändert. Die Mutter ist krank, der Vater steckt dem Mädchen Geld zu, die Schwester sucht permanent jemanden, mit dem sie Karten spielen kann – dabei fragt niemand aus der Familie nach dem Namen des Freundes, der sich in die Ecke setzt und Bücher liest. Es passiert: Nichts.

Fast nichts. Scheinbar nichts. Denn da ist die Stille. Und Jon Fosse ist ihr größter Magier. So zeichnet er mit diesem Familientreffen ein Tollhaus der Ereignislosigkeit und fordert uns dazu auf, eigene Visionen zuzulassen. Es ist vielmehr ein Rhythmus des Schweigens und der knappen Sätze. Wilde poetische Einfachheit schafft einen nahezu unendlichen Raum für Gedanken, für Staunen und Zweifeln. Denn es ist eine heikle Welt, die sich zeigt, und Fosse gibt einem Zeit, sie ganz ohne Druck zu betrachten. Und schließlich können wir feststellen, dass es unsere Welt ist. Die unserer täglichen Erfahrungen, die uns aufs Äußerste präzise vor Augen geführt werden: Ausnahmslos jede*r von uns steckt in einer Krise und sucht nach Bedeutung – danach, was es überhaupt heißt, am Leben zu sein.

Indirekt bringt Jon Fosse dadurch noch ein anderes Thema zur Sprache: Kommunikation. Die war noch nie leichter als heute, über nahezu jegliche Entfernung, mit eigentlich jedem anderen Menschen auf der Welt. Doch wie gestaltet sich unter den medialen Bedingungen unserer Gegenwart der Austausch mit der Person direkt vor uns? Alle sprechen miteinander – aber verstehen sie sich auch? Der Kosmos wird immer kleiner, aber ist jede*r darin eigentlich für sich und allein? Am Ende stellt sich in der Konsequenz natürlich die Frage, was der Tod sein könnte. In der Verzweiflung Hoffnung finden – das wäre vielleicht eine Möglichkeit, um auf einen nächsten Tag zu blicken.

Jon Fosse schenkt uns eben diese Hoffnung auf das, was als Nächstes passieren wird, und eröffnet damit einen Ausweg aus Düsternis und großer Traurigkeit. Er gibt „dem Unsagbaren eine Stimme“, wie es auch in der Begründung zum Literaturnobelpreis heißt, den er 2023 erhielt.

Besetzung

Das Mädchen Anna Rieser
Der Junge Fabian Reichenbach
Die Schwester Irem Gökçen
Die Mutter Birgit Unterweger
Der Vater Thomas Dannemann
Bjarne Nick Romeo Reimann

Regie Kay Voges
Bühne Michael Sieberock-Serafimowitsch
Kostüm Mona Ulrich
Musik und Geräusch Tommy Finke
Lightdesign Voxi Bärenklau
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

16.01.2025
19:30 Uhr

Wien

25.01.2025
19:30 Uhr

Wien

26.01.2025
19:30 Uhr

Krankheit oder Moderne Frauen

Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Ernst Jandl und MALINA nach Ingeborg Bachmann widmet sich Regisseurin Claudia Bauer in dieser Spielzeit erneut großer österreichischer Literatur – und wirft 35 Jahre nach der gleichermaßen erfolg- wie skandalreichen österreichischen Erstaufführung am Volkstheater einen neuen Blick auf Elfriede Jelineks aberwitziges, blutrünstiges Sprachspiel über Klischee, Vorurteile und männliche Weiblichkeitsentwürfe. Ein vampirisches Vergnügen! Na, schon Blut geleckt?

„Jetzt bin ich leider tot!“

Dr. Heidkliff ist ein richtiger Mann. Er hat sein Leben im Griff. Zahnarzt, Gynäkologe, geschlechtsreif. Bei ihm ist alles im Lot, er ist die Norm. Frauen hingegen, naja. Frauen sind das Chaos, die Natur, anstrengend beseelt und bedeutsam, seit der Antike mindestens. Aber sie können neues Leben gebären! Vielleicht sogar neues männliches Leben, den Junior-Chef oder den Thronfolger. Amen und Prost.

Bei allen Entbindungen in Dr. Heidkliffs Praxis hilft ihm seine Verlobte, die fleißige Krankenschwester Emily. Allerdings auch schon auf den Geschmack gekommen: Aus ihrer Brust ragen zwei bluttropfende Holzpfahle, ihre Eckzähne sind merkwürdig spitz – aber „das, Emily, stört mich gar nicht, solange du das Haus nicht vernachlässigst.“

Das ändert sich, als das nächste Patient*innenpaar zur Tür hereinschneit. Benno Hundekoffer ist Steuerberater, seine Gattin Carmilla zum sechsten Mal schwanger. Die Geburt scheint zu glücken, der Nachwuchs wird schon eifrig von Benno begrüßt („Hoppla! Da sitzt ja einer im Ausguck! Dieser Ort ist Wien, das heißt Österreich!“). Doch dann stirbt Carmilla bei der Geburt, Benno ist auch kurz ein bisschen traurig deswegen. Emily hingegen – in Flirtlaune und dank all dem Geburtsblut voller Kohldampf – rettet Carmilla durch einen beherzten Biss in ihren Hals. Woraufhin eine vampirische Liebesbeziehung ihren Lauf nimmt – mit zwei Särgen als Ehebett. Als Proviant dienen Blutkonserven aus der Arztpraxis und notfalls geht es den Kindern an den Kragen. Heidkliff und Hundekoffer sind von der unerwarteten Subjektwerdung ihrer Gattinnen jedoch so gar nicht begeistert – und rufen auf zur ultimativen Jagd: „Verschwenderinnen von Saatgut! Ich möchte Krieg sein!“ Doch Untote lassen sich nicht mehr vereinnahmen …

Ein Sprachexzess, eine Diskurs-Anatomie, ein Konventionsfleischwolf: Elfriede Jelineks 1984 erstmals veröffentlichtes KRANKHEIT ODER MODERNE FRAUEN ist ein aberwitziger, Theater- und Moralgrenzen sprengender Kosmos, gegen den weder Knoblauch noch Kruzifix eine Chance haben. Die Aufführung des Stücks 1990 am Volkstheater brachte Jelinek erstmals auf eine große Bühne in Österreich, wurde zum Erfolg und Skandal gleichermaßen, die damalige Direktorin Emmy Werner wurde dafür sogar körperlich attackiert. Nun – eine Generation später – wirft Claudia Bauer einen neuen Blick auf diesen Text. Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Jandl und MALINA nach Bachmann ist es ihre dritte Auseinandersetzung mit sensationeller österreichischer Literatur.

Besetzung

Regie Claudia Bauer
Bühne Patricia Talacko
Kostüm Andreas Auerbach
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

31.01.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

01.02.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

02.02.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

03.02.2025
19:30 Uhr

Krankheit oder Moderne Frauen

Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Ernst Jandl und MALINA nach Ingeborg Bachmann widmet sich Regisseurin Claudia Bauer in dieser Spielzeit erneut großer österreichischer Literatur – und wirft 35 Jahre nach der gleichermaßen erfolg- wie skandalreichen österreichischen Erstaufführung am Volkstheater einen neuen Blick auf Elfriede Jelineks aberwitziges, blutrünstiges Sprachspiel über Klischee, Vorurteile und männliche Weiblichkeitsentwürfe. Ein vampirisches Vergnügen! Na, schon Blut geleckt?

„Jetzt bin ich leider tot!“

Dr. Heidkliff ist ein richtiger Mann. Er hat sein Leben im Griff. Zahnarzt, Gynäkologe, geschlechtsreif. Bei ihm ist alles im Lot, er ist die Norm. Frauen hingegen, naja. Frauen sind das Chaos, die Natur, anstrengend beseelt und bedeutsam, seit der Antike mindestens. Aber sie können neues Leben gebären! Vielleicht sogar neues männliches Leben, den Junior-Chef oder den Thronfolger. Amen und Prost.

Bei allen Entbindungen in Dr. Heidkliffs Praxis hilft ihm seine Verlobte, die fleißige Krankenschwester Emily. Allerdings auch schon auf den Geschmack gekommen: Aus ihrer Brust ragen zwei bluttropfende Holzpfahle, ihre Eckzähne sind merkwürdig spitz – aber „das, Emily, stört mich gar nicht, solange du das Haus nicht vernachlässigst.“

Das ändert sich, als das nächste Patient*innenpaar zur Tür hereinschneit. Benno Hundekoffer ist Steuerberater, seine Gattin Carmilla zum sechsten Mal schwanger. Die Geburt scheint zu glücken, der Nachwuchs wird schon eifrig von Benno begrüßt („Hoppla! Da sitzt ja einer im Ausguck! Dieser Ort ist Wien, das heißt Österreich!“). Doch dann stirbt Carmilla bei der Geburt, Benno ist auch kurz ein bisschen traurig deswegen. Emily hingegen – in Flirtlaune und dank all dem Geburtsblut voller Kohldampf – rettet Carmilla durch einen beherzten Biss in ihren Hals. Woraufhin eine vampirische Liebesbeziehung ihren Lauf nimmt – mit zwei Särgen als Ehebett. Als Proviant dienen Blutkonserven aus der Arztpraxis und notfalls geht es den Kindern an den Kragen. Heidkliff und Hundekoffer sind von der unerwarteten Subjektwerdung ihrer Gattinnen jedoch so gar nicht begeistert – und rufen auf zur ultimativen Jagd: „Verschwenderinnen von Saatgut! Ich möchte Krieg sein!“ Doch Untote lassen sich nicht mehr vereinnahmen …

Ein Sprachexzess, eine Diskurs-Anatomie, ein Konventionsfleischwolf: Elfriede Jelineks 1984 erstmals veröffentlichtes KRANKHEIT ODER MODERNE FRAUEN ist ein aberwitziger, Theater- und Moralgrenzen sprengender Kosmos, gegen den weder Knoblauch noch Kruzifix eine Chance haben. Die Aufführung des Stücks 1990 am Volkstheater brachte Jelinek erstmals auf eine große Bühne in Österreich, wurde zum Erfolg und Skandal gleichermaßen, die damalige Direktorin Emmy Werner wurde dafür sogar körperlich attackiert. Nun – eine Generation später – wirft Claudia Bauer einen neuen Blick auf diesen Text. Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Jandl und MALINA nach Bachmann ist es ihre dritte Auseinandersetzung mit sensationeller österreichischer Literatur.

Besetzung

Regie Claudia Bauer
Bühne Patricia Talacko
Kostüm Andreas Auerbach
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

09.02.2025
18:00 Uhr

Mayröcker (Punkt)

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. Schonungslos beschrieb sie in ihrem uferlosen Werk den Alterungsprozess, ihre wachsende Unsicherheit, aber auch ihre Begeisterung am puren Existieren. Es entstanden faszinierende Sprachbilder berstend voll mit Jugendlichkeit und Frische, mit Härte und Schmerz, mit Lebenslust und Furcht. Regisseurin Luise Voigt bringt sie mit MAYRÖCKER (Punkt), ihrer ersten Inszenierung in Wien, auf die große Bühne.

„zu kurz dieses Leben und wüst und knapp“

„Der Tod ist mein Feind, er ist ekelhaft. Er ist ein Eklat, ein Skandalon, eine Frivolität, eine Schmach, eine Verdammung und eine Herabsetzung des menschlichen Lebens. Und der große Stachel des Todes ist, dass man nicht weiß, wohin es geht.“

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. In einer Art Tagebuch schrieb sie in BRÜTT ODER DIE SEUFZENDEN GÄRTEN auf, wie es ihr mit dem Altern ergeht, wie ihre Kräfte versiegen, ihre Sinne schwinden und vor allem, was dieser Verfall in Bezug auf ihre Umwelt und ihre Mitmenschen bedeutet. Selbstsicherheiten lösen sich auf, ein Kippen aus der Welt ist die Konsequenz. Gleichzeitig entsteht so ein Sprechen über jene, die unsicher durch die Welt gehen und Angst haben, in ihr nicht mehr zu Hause zu sein.

Dieses Verhältnis zur Welt steigert sich mit dem Blick auf zeitgenössische Krisen: Alte Narrative haben ausgedient, der Mensch hat sich selbst vom Sockel gestoßen. Stolpern wir bereits alle halbblind und -taub durch eine zu schnelle, zu laute und immer gefährlicher werdende Welt? Friederike Mayröcker zeichnet faszinierende Sinnbilder von Trauer und Kälte, von Härte und Schmerz.

„Ich lebe in Bildern. Ich sehe alles in Bildern, meine ganze Vergangenheit, Erinnerungen sind Bilder. Ich mache die Bilder zu Sprache, indem ich ganz hineinsteige in das Bild. Ich steige so lange hinein, bis es Sprache wird.“

Friederike Mayröcker tanzt durch ihren eigenen Kopf, durch die ihr eigenen Assoziationsketten und Erfindungen, und aus jedem ihrer Sätze springt immer wieder Jugendlichkeit und Frische. Immer dabei eine schier unendlich tiefgreifende Lebenslust, eine Begeisterung am puren Existieren, am Raumzeit- Teilen mit Mensch und Tier, und den Pflanzen natürlich. Und dann kommt die panische Angst, nie mehr schreiben zu können.

„Oder hatte ich mir alles nur ausgedacht, war es bloß Einbildung gewesen … vielleicht habe ich mir das alles nur eingeredet, vermutlich alles erfunden von mir …“

Luise Voigt ist Regisseurin, Autorin, Medienkünstlerin und Hörspielmacherin. MAYRÖCKER (PUNKT) ist ihre erste Arbeit in Wien.

Besetzung

Regie Luise Voigt
Bühne Natascha von Steiger
Kostüm Maria Strauch
Musik Friederike Bernhardt
Videoart Stefan Bischoff
Choreographie Minako Seki
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

26.02.2025
19:30 Uhr

Mayröcker (Punkt)

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. Schonungslos beschrieb sie in ihrem uferlosen Werk den Alterungsprozess, ihre wachsende Unsicherheit, aber auch ihre Begeisterung am puren Existieren. Es entstanden faszinierende Sprachbilder berstend voll mit Jugendlichkeit und Frische, mit Härte und Schmerz, mit Lebenslust und Furcht. Regisseurin Luise Voigt bringt sie mit MAYRÖCKER (Punkt), ihrer ersten Inszenierung in Wien, auf die große Bühne.

„zu kurz dieses Leben und wüst und knapp“

„Der Tod ist mein Feind, er ist ekelhaft. Er ist ein Eklat, ein Skandalon, eine Frivolität, eine Schmach, eine Verdammung und eine Herabsetzung des menschlichen Lebens. Und der große Stachel des Todes ist, dass man nicht weiß, wohin es geht.“

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. In einer Art Tagebuch schrieb sie in BRÜTT ODER DIE SEUFZENDEN GÄRTEN auf, wie es ihr mit dem Altern ergeht, wie ihre Kräfte versiegen, ihre Sinne schwinden und vor allem, was dieser Verfall in Bezug auf ihre Umwelt und ihre Mitmenschen bedeutet. Selbstsicherheiten lösen sich auf, ein Kippen aus der Welt ist die Konsequenz. Gleichzeitig entsteht so ein Sprechen über jene, die unsicher durch die Welt gehen und Angst haben, in ihr nicht mehr zu Hause zu sein.

Dieses Verhältnis zur Welt steigert sich mit dem Blick auf zeitgenössische Krisen: Alte Narrative haben ausgedient, der Mensch hat sich selbst vom Sockel gestoßen. Stolpern wir bereits alle halbblind und -taub durch eine zu schnelle, zu laute und immer gefährlicher werdende Welt? Friederike Mayröcker zeichnet faszinierende Sinnbilder von Trauer und Kälte, von Härte und Schmerz.

„Ich lebe in Bildern. Ich sehe alles in Bildern, meine ganze Vergangenheit, Erinnerungen sind Bilder. Ich mache die Bilder zu Sprache, indem ich ganz hineinsteige in das Bild. Ich steige so lange hinein, bis es Sprache wird.“

Friederike Mayröcker tanzt durch ihren eigenen Kopf, durch die ihr eigenen Assoziationsketten und Erfindungen, und aus jedem ihrer Sätze springt immer wieder Jugendlichkeit und Frische. Immer dabei eine schier unendlich tiefgreifende Lebenslust, eine Begeisterung am puren Existieren, am Raumzeit- Teilen mit Mensch und Tier, und den Pflanzen natürlich. Und dann kommt die panische Angst, nie mehr schreiben zu können.

„Oder hatte ich mir alles nur ausgedacht, war es bloß Einbildung gewesen … vielleicht habe ich mir das alles nur eingeredet, vermutlich alles erfunden von mir …“

Luise Voigt ist Regisseurin, Autorin, Medienkünstlerin und Hörspielmacherin. MAYRÖCKER (PUNKT) ist ihre erste Arbeit in Wien.

Besetzung

Regie Luise Voigt
Bühne Natascha von Steiger
Kostüm Maria Strauch
Musik Friederike Bernhardt
Videoart Stefan Bischoff
Choreographie Minako Seki
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

27.02.2025
19:30 Uhr

Wolf Haas: Wackelkontakt

Wien

28.02.2025
19:30 Uhr

Wien

01.03.2025
19:30 Uhr

Wien

02.03.2025
19:30 Uhr

Wien

03.03.2025
19:30 Uhr

Fräulein Else

Auch 100 Jahre nach der Veröffentlichung hat diese Novelle von Arthur Schnitzler nichts an Aussage- und Sprengkraft verloren: die junge Else T. soll während ihrer Sommerfrische auf Bitten ihrer Eltern einen älteren Kunsthändler um dringend benötigtes Geld bitten. Dieser möchte seine Macht über die junge Frau jedoch gewissenlos ausnutzen … Regisseurin Leonie Böhm entwirft in ihrer ersten Wiener Arbeit Schnitzlers Geschichte als Solo für die Schauspielerin Julia Riedler – und denkt Elses Bewusstseinsstrom gemeinschaftlich ins Hier und Heute weiter.

„Aber ich war noch nie so vernünftig.“

Die junge Else T., Tochter aus gutem Hause, ist zur Sommerfrische in einem noblen Kurort in Trentin. Sie vertreibt sich die Zeit mit Tennis, Bergwanderungen und edlen Dinners – bis ein Expressbrief aus Wien alles ändert. Ihre Mutter schreibt; flehend. Else soll, nein, muss die maroden Finanzen ihres Vaters sanieren. Nachdem er sich erneut an der Börse verspekuliert hat, benötigt er 30.000 Gulden, und zwar rasch, sonst droht ihm die soziale Achtung – oder gar das Gefängnis.

Else soll nun einen reichen Freund der Familie um das Geld bitten: den Kunsthändler Dorsday. Dieser, deutlich älter als Else, urlaubt im selben Kurhotel und macht ihr stets Komplimente. Sie findet ihn zwar abscheulich, doch was nützt es? Der gute Ruf der Familie muss bewahrt werden. Dorsday jedoch erkennt die Ausweglosigkeit von Elses Situation – und nutzt sie für ein dunkles Spiel: Er werde die Schuldensumme erst überweisen, wenn er Else eine Viertelstunde lang nackt betrachten darf …

1924 erstmals erschienen, ist Arthur Schnitzlers Novelle FRÄULEIN ELSE auch noch ein Jahrhundert später eine packende und vielschichtige Analyse über Machtmissbrauch, Doppelmoral und die Kommodifizierung weiblicher Körper – konsequent als Gedankenstrom aus der Innensicht Elses verfasst.

Bereits seit vielen Jahren tragen die Schauspielerin Julia Riedler und die Regisseurin Leonie Böhm die Idee in sich, diesen legendären Bewusstseinsstrom in einer gemeinsamen Theaterarbeit auf die Bühne zu bringen – und ihn für das Hier und Jetzt weiterzudenken. Denn genau das ist für Leonie Böhms Arbeiten zentral: Die kanonischen Texte dienen als Anlass, sich neu mit ihnen ins Verhältnis zu setzen und die eigenen Bedürfnisse und Ideen hineinzuschreiben. Über den Weg des Humorvollen, des Verspielten und Hintergründigen entstehen neuartige und mündige Lesarten.

Nun also, kurz nach dem 100. Geburtstag der Novelle, kommt dieses Herzensprojekt als Solo für Julia Riedler auf die Bühne des Volkstheaters – in Leonie Böhms erster Wiener Regiearbeit.

Besetzung

Regie Leonie Böhm
Bühne und Kostüm Helena Eckert
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

07.03.2025
19:30 Uhr

Fräulein Else

Auch 100 Jahre nach der Veröffentlichung hat diese Novelle von Arthur Schnitzler nichts an Aussage- und Sprengkraft verloren: die junge Else T. soll während ihrer Sommerfrische auf Bitten ihrer Eltern einen älteren Kunsthändler um dringend benötigtes Geld bitten. Dieser möchte seine Macht über die junge Frau jedoch gewissenlos ausnutzen … Regisseurin Leonie Böhm entwirft in ihrer ersten Wiener Arbeit Schnitzlers Geschichte als Solo für die Schauspielerin Julia Riedler – und denkt Elses Bewusstseinsstrom gemeinschaftlich ins Hier und Heute weiter.

„Aber ich war noch nie so vernünftig.“

Die junge Else T., Tochter aus gutem Hause, ist zur Sommerfrische in einem noblen Kurort in Trentin. Sie vertreibt sich die Zeit mit Tennis, Bergwanderungen und edlen Dinners – bis ein Expressbrief aus Wien alles ändert. Ihre Mutter schreibt; flehend. Else soll, nein, muss die maroden Finanzen ihres Vaters sanieren. Nachdem er sich erneut an der Börse verspekuliert hat, benötigt er 30.000 Gulden, und zwar rasch, sonst droht ihm die soziale Achtung – oder gar das Gefängnis.

Else soll nun einen reichen Freund der Familie um das Geld bitten: den Kunsthändler Dorsday. Dieser, deutlich älter als Else, urlaubt im selben Kurhotel und macht ihr stets Komplimente. Sie findet ihn zwar abscheulich, doch was nützt es? Der gute Ruf der Familie muss bewahrt werden. Dorsday jedoch erkennt die Ausweglosigkeit von Elses Situation – und nutzt sie für ein dunkles Spiel: Er werde die Schuldensumme erst überweisen, wenn er Else eine Viertelstunde lang nackt betrachten darf …

1924 erstmals erschienen, ist Arthur Schnitzlers Novelle FRÄULEIN ELSE auch noch ein Jahrhundert später eine packende und vielschichtige Analyse über Machtmissbrauch, Doppelmoral und die Kommodifizierung weiblicher Körper – konsequent als Gedankenstrom aus der Innensicht Elses verfasst.

Bereits seit vielen Jahren tragen die Schauspielerin Julia Riedler und die Regisseurin Leonie Böhm die Idee in sich, diesen legendären Bewusstseinsstrom in einer gemeinsamen Theaterarbeit auf die Bühne zu bringen – und ihn für das Hier und Jetzt weiterzudenken. Denn genau das ist für Leonie Böhms Arbeiten zentral: Die kanonischen Texte dienen als Anlass, sich neu mit ihnen ins Verhältnis zu setzen und die eigenen Bedürfnisse und Ideen hineinzuschreiben. Über den Weg des Humorvollen, des Verspielten und Hintergründigen entstehen neuartige und mündige Lesarten.

Nun also, kurz nach dem 100. Geburtstag der Novelle, kommt dieses Herzensprojekt als Solo für Julia Riedler auf die Bühne des Volkstheaters – in Leonie Böhms erster Wiener Regiearbeit.

Besetzung

Regie Leonie Böhm
Bühne und Kostüm Helena Eckert
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

16.03.2025
18:00 Uhr

Fräulein Else

Auch 100 Jahre nach der Veröffentlichung hat diese Novelle von Arthur Schnitzler nichts an Aussage- und Sprengkraft verloren: die junge Else T. soll während ihrer Sommerfrische auf Bitten ihrer Eltern einen älteren Kunsthändler um dringend benötigtes Geld bitten. Dieser möchte seine Macht über die junge Frau jedoch gewissenlos ausnutzen … Regisseurin Leonie Böhm entwirft in ihrer ersten Wiener Arbeit Schnitzlers Geschichte als Solo für die Schauspielerin Julia Riedler – und denkt Elses Bewusstseinsstrom gemeinschaftlich ins Hier und Heute weiter.

„Aber ich war noch nie so vernünftig.“

Die junge Else T., Tochter aus gutem Hause, ist zur Sommerfrische in einem noblen Kurort in Trentin. Sie vertreibt sich die Zeit mit Tennis, Bergwanderungen und edlen Dinners – bis ein Expressbrief aus Wien alles ändert. Ihre Mutter schreibt; flehend. Else soll, nein, muss die maroden Finanzen ihres Vaters sanieren. Nachdem er sich erneut an der Börse verspekuliert hat, benötigt er 30.000 Gulden, und zwar rasch, sonst droht ihm die soziale Achtung – oder gar das Gefängnis.

Else soll nun einen reichen Freund der Familie um das Geld bitten: den Kunsthändler Dorsday. Dieser, deutlich älter als Else, urlaubt im selben Kurhotel und macht ihr stets Komplimente. Sie findet ihn zwar abscheulich, doch was nützt es? Der gute Ruf der Familie muss bewahrt werden. Dorsday jedoch erkennt die Ausweglosigkeit von Elses Situation – und nutzt sie für ein dunkles Spiel: Er werde die Schuldensumme erst überweisen, wenn er Else eine Viertelstunde lang nackt betrachten darf …

1924 erstmals erschienen, ist Arthur Schnitzlers Novelle FRÄULEIN ELSE auch noch ein Jahrhundert später eine packende und vielschichtige Analyse über Machtmissbrauch, Doppelmoral und die Kommodifizierung weiblicher Körper – konsequent als Gedankenstrom aus der Innensicht Elses verfasst.

Bereits seit vielen Jahren tragen die Schauspielerin Julia Riedler und die Regisseurin Leonie Böhm die Idee in sich, diesen legendären Bewusstseinsstrom in einer gemeinsamen Theaterarbeit auf die Bühne zu bringen – und ihn für das Hier und Jetzt weiterzudenken. Denn genau das ist für Leonie Böhms Arbeiten zentral: Die kanonischen Texte dienen als Anlass, sich neu mit ihnen ins Verhältnis zu setzen und die eigenen Bedürfnisse und Ideen hineinzuschreiben. Über den Weg des Humorvollen, des Verspielten und Hintergründigen entstehen neuartige und mündige Lesarten.

Nun also, kurz nach dem 100. Geburtstag der Novelle, kommt dieses Herzensprojekt als Solo für Julia Riedler auf die Bühne des Volkstheaters – in Leonie Böhms erster Wiener Regiearbeit.

Besetzung

Regie Leonie Böhm
Bühne und Kostüm Helena Eckert
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

20.03.2025
19:30 Uhr

Villa Orlofsky

Wien

21.03.2025
19:30 Uhr

Krankheit oder Moderne Frauen

Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Ernst Jandl und MALINA nach Ingeborg Bachmann widmet sich Regisseurin Claudia Bauer in dieser Spielzeit erneut großer österreichischer Literatur – und wirft 35 Jahre nach der gleichermaßen erfolg- wie skandalreichen österreichischen Erstaufführung am Volkstheater einen neuen Blick auf Elfriede Jelineks aberwitziges, blutrünstiges Sprachspiel über Klischee, Vorurteile und männliche Weiblichkeitsentwürfe. Ein vampirisches Vergnügen! Na, schon Blut geleckt?

„Jetzt bin ich leider tot!“

Dr. Heidkliff ist ein richtiger Mann. Er hat sein Leben im Griff. Zahnarzt, Gynäkologe, geschlechtsreif. Bei ihm ist alles im Lot, er ist die Norm. Frauen hingegen, naja. Frauen sind das Chaos, die Natur, anstrengend beseelt und bedeutsam, seit der Antike mindestens. Aber sie können neues Leben gebären! Vielleicht sogar neues männliches Leben, den Junior-Chef oder den Thronfolger. Amen und Prost.

Bei allen Entbindungen in Dr. Heidkliffs Praxis hilft ihm seine Verlobte, die fleißige Krankenschwester Emily. Allerdings auch schon auf den Geschmack gekommen: Aus ihrer Brust ragen zwei bluttropfende Holzpfahle, ihre Eckzähne sind merkwürdig spitz – aber „das, Emily, stört mich gar nicht, solange du das Haus nicht vernachlässigst.“

Das ändert sich, als das nächste Patient*innenpaar zur Tür hereinschneit. Benno Hundekoffer ist Steuerberater, seine Gattin Carmilla zum sechsten Mal schwanger. Die Geburt scheint zu glücken, der Nachwuchs wird schon eifrig von Benno begrüßt („Hoppla! Da sitzt ja einer im Ausguck! Dieser Ort ist Wien, das heißt Österreich!“). Doch dann stirbt Carmilla bei der Geburt, Benno ist auch kurz ein bisschen traurig deswegen. Emily hingegen – in Flirtlaune und dank all dem Geburtsblut voller Kohldampf – rettet Carmilla durch einen beherzten Biss in ihren Hals. Woraufhin eine vampirische Liebesbeziehung ihren Lauf nimmt – mit zwei Särgen als Ehebett. Als Proviant dienen Blutkonserven aus der Arztpraxis und notfalls geht es den Kindern an den Kragen. Heidkliff und Hundekoffer sind von der unerwarteten Subjektwerdung ihrer Gattinnen jedoch so gar nicht begeistert – und rufen auf zur ultimativen Jagd: „Verschwenderinnen von Saatgut! Ich möchte Krieg sein!“ Doch Untote lassen sich nicht mehr vereinnahmen …

Ein Sprachexzess, eine Diskurs-Anatomie, ein Konventionsfleischwolf: Elfriede Jelineks 1984 erstmals veröffentlichtes KRANKHEIT ODER MODERNE FRAUEN ist ein aberwitziger, Theater- und Moralgrenzen sprengender Kosmos, gegen den weder Knoblauch noch Kruzifix eine Chance haben. Die Aufführung des Stücks 1990 am Volkstheater brachte Jelinek erstmals auf eine große Bühne in Österreich, wurde zum Erfolg und Skandal gleichermaßen, die damalige Direktorin Emmy Werner wurde dafür sogar körperlich attackiert. Nun – eine Generation später – wirft Claudia Bauer einen neuen Blick auf diesen Text. Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Jandl und MALINA nach Bachmann ist es ihre dritte Auseinandersetzung mit sensationeller österreichischer Literatur.

Besetzung

Regie Claudia Bauer
Bühne Patricia Talacko
Kostüm Andreas Auerbach
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

26.03.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

27.03.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

28.03.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

29.03.2025
19:30 Uhr

„ROM KENNT SICH NICHT!“

Regisseur Luk Perceval nimmt 25 Jahre nach seinen spektakulären SCHLACHTEN!, jenem zwölfstündigen „Shakespearewahnsinn“ (Die Zeit) bei den Salzburger Festspielen, der die acht Königsdramen der Rosenkriege zu einem Werk zusammenfasste, ein neues Shakespeare-Unterfangen in Angriff. Gemeinsam mit der Kärntner Autorin Julia Jost verbindet er die Römischen Tragödien Shakespeares miteinander – TITUS ANDRONICUS, CORIOLANUS, JULIUS CAESAR sowie ANTONIUS UND KLEOPATRA – und stößt auf ein alles verbindendes Thema, den Gebrauch der Macht.

Wie lässt sich der allgegenwärtige Begriff der Macht definieren? Ist Macht überall dort, wo Menschen sind? Inwiefern ist das Ausüben von Macht positiv besetzbar? Ab wann korrumpiert die Macht jene Personen, die in der Lage sind, sie auszuüben? Wer vergibt Macht überhaupt? Oder wird sie ausschließlich errungen?

Die Autorin Julia Jost beschreibt den Stand ihrer Arbeit im Frühjahr 2023 – am Ende der ersten Recherche- und Probenphase mit dem Ensemble – wie folgt: „Ich verstehe den Prozess, in dem wir alle uns gerade befinden, als Sampling. Wir schneiden Passagen aus und setzen sie an eine andere Stelle, ich verwende zusätzlich Zeilen u. a. von Elias Canetti, Ingeborg Bachmann, Herta Müller, Plutarch, Lenin, Hannah Arendt und Thomas Hobbes und verschneide diese mit dem Shakespeare-Text. Parallel werden diese gesampelten Ausschnitte überschrieben, soll heißen, ich passe diese Gedanken mit meinen eigenen Worten an den Gesamttext an, füge hinzu, nehme weg, ersetze die Wörter und arbeite am Gesamtrhythmus. Am Ende wird es mit dem Stücktext so sein, wie mit einem neu grundierten Gemälde: das Alte schimmert durch und fügt sich in ein neues Bild.“

Luk Perceval sieht in der Zusammenführung der Stoffe vor allem eine einzige, große Geschichte über den ureigenen Instinkt der Menschen, überleben zu wollen, fortzubestehen in einer Gesellschaft, die aufgeteilt ist in Jäger und Gejagte. Shakespeares Charaktere, die oft als Symbole, Metaphern oder gar Archetypen fungieren, führen dabei über die Konflikte, Paradoxien und Widersprüchlichkeiten zu Einsichten in die Natur der Menschen. Um nicht zu sterben, setzt sich stets der gnadenlose Versuch durch, unbedingt zu den Sieger*innen gehören zu müssen.

Coriolanus ist ein Machthaber, der mit eiserner Härte seine Korruptionslosigkeit zur Schau stellt, gleichzeitig aber ebenso unbeirrbar konservativ dem Volk gegenübertritt und sich in einen Alleinherrscher verwandelt. Julius Caesar regiert mithilfe von Bestechung, Machtmissbrauch und Despotie – und wird dafür ermordet. Auf den Putsch folgen Bürgerkriege, und ein uneiniges Triumvirat sucht mit rhetorischem Geschick nach dem eigenen Machterhalt. Sich selbst wiederholende Machtbestrebungen und ihre Ausuferungen in rohe Gewalt, in Gemetzel, Massaker, Unterdrückung, Hunger und Flucht.

Wien

04.04.2025
19:30 Uhr

Villa Orlofsky

Wien

05.04.2025
19:30 Uhr

Villa Orlofsky

Wien

11.04.2025
19:30 Uhr

Mayröcker (Punkt)

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. Schonungslos beschrieb sie in ihrem uferlosen Werk den Alterungsprozess, ihre wachsende Unsicherheit, aber auch ihre Begeisterung am puren Existieren. Es entstanden faszinierende Sprachbilder berstend voll mit Jugendlichkeit und Frische, mit Härte und Schmerz, mit Lebenslust und Furcht. Regisseurin Luise Voigt bringt sie mit MAYRÖCKER (Punkt), ihrer ersten Inszenierung in Wien, auf die große Bühne.

„zu kurz dieses Leben und wüst und knapp“

„Der Tod ist mein Feind, er ist ekelhaft. Er ist ein Eklat, ein Skandalon, eine Frivolität, eine Schmach, eine Verdammung und eine Herabsetzung des menschlichen Lebens. Und der große Stachel des Todes ist, dass man nicht weiß, wohin es geht.“

100 Jahre alt wäre Friederike Mayröcker heuer geworden. In einer Art Tagebuch schrieb sie in BRÜTT ODER DIE SEUFZENDEN GÄRTEN auf, wie es ihr mit dem Altern ergeht, wie ihre Kräfte versiegen, ihre Sinne schwinden und vor allem, was dieser Verfall in Bezug auf ihre Umwelt und ihre Mitmenschen bedeutet. Selbstsicherheiten lösen sich auf, ein Kippen aus der Welt ist die Konsequenz. Gleichzeitig entsteht so ein Sprechen über jene, die unsicher durch die Welt gehen und Angst haben, in ihr nicht mehr zu Hause zu sein.

Dieses Verhältnis zur Welt steigert sich mit dem Blick auf zeitgenössische Krisen: Alte Narrative haben ausgedient, der Mensch hat sich selbst vom Sockel gestoßen. Stolpern wir bereits alle halbblind und -taub durch eine zu schnelle, zu laute und immer gefährlicher werdende Welt? Friederike Mayröcker zeichnet faszinierende Sinnbilder von Trauer und Kälte, von Härte und Schmerz.

„Ich lebe in Bildern. Ich sehe alles in Bildern, meine ganze Vergangenheit, Erinnerungen sind Bilder. Ich mache die Bilder zu Sprache, indem ich ganz hineinsteige in das Bild. Ich steige so lange hinein, bis es Sprache wird.“

Friederike Mayröcker tanzt durch ihren eigenen Kopf, durch die ihr eigenen Assoziationsketten und Erfindungen, und aus jedem ihrer Sätze springt immer wieder Jugendlichkeit und Frische. Immer dabei eine schier unendlich tiefgreifende Lebenslust, eine Begeisterung am puren Existieren, am Raumzeit- Teilen mit Mensch und Tier, und den Pflanzen natürlich. Und dann kommt die panische Angst, nie mehr schreiben zu können.

„Oder hatte ich mir alles nur ausgedacht, war es bloß Einbildung gewesen … vielleicht habe ich mir das alles nur eingeredet, vermutlich alles erfunden von mir …“

Luise Voigt ist Regisseurin, Autorin, Medienkünstlerin und Hörspielmacherin. MAYRÖCKER (PUNKT) ist ihre erste Arbeit in Wien.

Besetzung

Regie Luise Voigt
Bühne Natascha von Steiger
Kostüm Maria Strauch
Musik Friederike Bernhardt
Videoart Stefan Bischoff
Choreographie Minako Seki
Dramaturgie Ulf Frötzschner

Wien

13.04.2025
18:00 Uhr

Fräulein Else

Auch 100 Jahre nach der Veröffentlichung hat diese Novelle von Arthur Schnitzler nichts an Aussage- und Sprengkraft verloren: die junge Else T. soll während ihrer Sommerfrische auf Bitten ihrer Eltern einen älteren Kunsthändler um dringend benötigtes Geld bitten. Dieser möchte seine Macht über die junge Frau jedoch gewissenlos ausnutzen … Regisseurin Leonie Böhm entwirft in ihrer ersten Wiener Arbeit Schnitzlers Geschichte als Solo für die Schauspielerin Julia Riedler – und denkt Elses Bewusstseinsstrom gemeinschaftlich ins Hier und Heute weiter.

„Aber ich war noch nie so vernünftig.“

Die junge Else T., Tochter aus gutem Hause, ist zur Sommerfrische in einem noblen Kurort in Trentin. Sie vertreibt sich die Zeit mit Tennis, Bergwanderungen und edlen Dinners – bis ein Expressbrief aus Wien alles ändert. Ihre Mutter schreibt; flehend. Else soll, nein, muss die maroden Finanzen ihres Vaters sanieren. Nachdem er sich erneut an der Börse verspekuliert hat, benötigt er 30.000 Gulden, und zwar rasch, sonst droht ihm die soziale Achtung – oder gar das Gefängnis.

Else soll nun einen reichen Freund der Familie um das Geld bitten: den Kunsthändler Dorsday. Dieser, deutlich älter als Else, urlaubt im selben Kurhotel und macht ihr stets Komplimente. Sie findet ihn zwar abscheulich, doch was nützt es? Der gute Ruf der Familie muss bewahrt werden. Dorsday jedoch erkennt die Ausweglosigkeit von Elses Situation – und nutzt sie für ein dunkles Spiel: Er werde die Schuldensumme erst überweisen, wenn er Else eine Viertelstunde lang nackt betrachten darf …

1924 erstmals erschienen, ist Arthur Schnitzlers Novelle FRÄULEIN ELSE auch noch ein Jahrhundert später eine packende und vielschichtige Analyse über Machtmissbrauch, Doppelmoral und die Kommodifizierung weiblicher Körper – konsequent als Gedankenstrom aus der Innensicht Elses verfasst.

Bereits seit vielen Jahren tragen die Schauspielerin Julia Riedler und die Regisseurin Leonie Böhm die Idee in sich, diesen legendären Bewusstseinsstrom in einer gemeinsamen Theaterarbeit auf die Bühne zu bringen – und ihn für das Hier und Jetzt weiterzudenken. Denn genau das ist für Leonie Böhms Arbeiten zentral: Die kanonischen Texte dienen als Anlass, sich neu mit ihnen ins Verhältnis zu setzen und die eigenen Bedürfnisse und Ideen hineinzuschreiben. Über den Weg des Humorvollen, des Verspielten und Hintergründigen entstehen neuartige und mündige Lesarten.

Nun also, kurz nach dem 100. Geburtstag der Novelle, kommt dieses Herzensprojekt als Solo für Julia Riedler auf die Bühne des Volkstheaters – in Leonie Böhms erster Wiener Regiearbeit.

Besetzung

Regie Leonie Böhm
Bühne und Kostüm Helena Eckert
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

16.04.2025
19:30 Uhr

Krankheit oder Moderne Frauen

Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Ernst Jandl und MALINA nach Ingeborg Bachmann widmet sich Regisseurin Claudia Bauer in dieser Spielzeit erneut großer österreichischer Literatur – und wirft 35 Jahre nach der gleichermaßen erfolg- wie skandalreichen österreichischen Erstaufführung am Volkstheater einen neuen Blick auf Elfriede Jelineks aberwitziges, blutrünstiges Sprachspiel über Klischee, Vorurteile und männliche Weiblichkeitsentwürfe. Ein vampirisches Vergnügen! Na, schon Blut geleckt?

„Jetzt bin ich leider tot!“

Dr. Heidkliff ist ein richtiger Mann. Er hat sein Leben im Griff. Zahnarzt, Gynäkologe, geschlechtsreif. Bei ihm ist alles im Lot, er ist die Norm. Frauen hingegen, naja. Frauen sind das Chaos, die Natur, anstrengend beseelt und bedeutsam, seit der Antike mindestens. Aber sie können neues Leben gebären! Vielleicht sogar neues männliches Leben, den Junior-Chef oder den Thronfolger. Amen und Prost.

Bei allen Entbindungen in Dr. Heidkliffs Praxis hilft ihm seine Verlobte, die fleißige Krankenschwester Emily. Allerdings auch schon auf den Geschmack gekommen: Aus ihrer Brust ragen zwei bluttropfende Holzpfahle, ihre Eckzähne sind merkwürdig spitz – aber „das, Emily, stört mich gar nicht, solange du das Haus nicht vernachlässigst.“

Das ändert sich, als das nächste Patient*innenpaar zur Tür hereinschneit. Benno Hundekoffer ist Steuerberater, seine Gattin Carmilla zum sechsten Mal schwanger. Die Geburt scheint zu glücken, der Nachwuchs wird schon eifrig von Benno begrüßt („Hoppla! Da sitzt ja einer im Ausguck! Dieser Ort ist Wien, das heißt Österreich!“). Doch dann stirbt Carmilla bei der Geburt, Benno ist auch kurz ein bisschen traurig deswegen. Emily hingegen – in Flirtlaune und dank all dem Geburtsblut voller Kohldampf – rettet Carmilla durch einen beherzten Biss in ihren Hals. Woraufhin eine vampirische Liebesbeziehung ihren Lauf nimmt – mit zwei Särgen als Ehebett. Als Proviant dienen Blutkonserven aus der Arztpraxis und notfalls geht es den Kindern an den Kragen. Heidkliff und Hundekoffer sind von der unerwarteten Subjektwerdung ihrer Gattinnen jedoch so gar nicht begeistert – und rufen auf zur ultimativen Jagd: „Verschwenderinnen von Saatgut! Ich möchte Krieg sein!“ Doch Untote lassen sich nicht mehr vereinnahmen …

Ein Sprachexzess, eine Diskurs-Anatomie, ein Konventionsfleischwolf: Elfriede Jelineks 1984 erstmals veröffentlichtes KRANKHEIT ODER MODERNE FRAUEN ist ein aberwitziger, Theater- und Moralgrenzen sprengender Kosmos, gegen den weder Knoblauch noch Kruzifix eine Chance haben. Die Aufführung des Stücks 1990 am Volkstheater brachte Jelinek erstmals auf eine große Bühne in Österreich, wurde zum Erfolg und Skandal gleichermaßen, die damalige Direktorin Emmy Werner wurde dafür sogar körperlich attackiert. Nun – eine Generation später – wirft Claudia Bauer einen neuen Blick auf diesen Text. Nach den Erfolgsinszenierungen humanistää! nach Jandl und MALINA nach Bachmann ist es ihre dritte Auseinandersetzung mit sensationeller österreichischer Literatur.

Besetzung

Regie Claudia Bauer
Bühne Patricia Talacko
Kostüm Andreas Auerbach
Dramaturgie Matthias Seier

Wien

17.04.2025
19:30 Uhr

Villa Orlofsky

Wien

20.04.2025
19:30 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

28.04.2025
19:00 Uhr

Camino Real

Ein Luxushotel, eine schäbige Absteige, ein Marktplatz, und hinter dem Stadttor: Nichts als Wüste. Tennessee Williams’ poetisches, selten gespieltes Traumstück über gestrandete Figuren am Ende der Welt. Ein Stück voller Humor und Musik – Calexico, langjährige Wegbegleiter der Regisseurin Anna-Sophie Mahler, schreiben exklusiv neue Musik für die Inszenierung und stehen bei den Aufführungen auch live auf der Bühne.

„Zur Freiheit. Das ist die weiteste Reise, die ein Menschen machen kann.“

Eine Hafenstadt, irgendwo in Lateinamerika. Der Anfang und das Ende der Welt. Hinter dem gewaltigen Stadttor: Nichts als Wüste. Auf dem Marktplatz, zwischen einem Luxushotel und einer schäbigen Absteige, treffen Gestrandete aufeinander: Verlorene Figuren, die nicht wissen, wie sie hierher geraten sind, geschweige denn, wie sie sie wieder verlassen könnten – diese Sackgasse des Camino Real, des Königswegs. Da ist Jacques Casanova, der einsam gewordene Frauenheld. Und Esmeralda, direkt Victor Hugos Roman DER GLÖCKNER VON NOTRE-DAME entstiegen. Don Quixote mit seinem Knappen Sancho Panza. Marguerite, die legendäre „Kameliendame“ aus Alexandre Dumas‘ gleichnamigem Roman. Der Dichter Lord Byron. Und nicht zuletzt ein junger Boxer namens Kilroy, mit goldenem Herzen, groß wie ein „Babykopf“: Mit aufgerissenen Augen blickt er über die Mauer auf das Grenzland. Auch er weiß nicht, was hinter der Grenze wartet – und dennoch träumt er davon, von hier zu verschwinden. „Kilroy was here.“

Tennessee Williams, eigentlich berüchtigt für seine realistischen Theaterstücke, hat mit CAMINO REAL (1953) etwas ganz anderes versucht: ein fantastisches, freies und absurdes Traumstück, voller Humor und Musik – und doch zutiefst nachdenklich, seelenverwandt mit dem Existentialismus Sartres oder den Endstation-Stücken Becketts. Williams beschrieb es als „nicht mehr und nicht weniger als meine Auffassung der Zeit und der Welt, in der ich lebe.“ Und so ringen seine Figuren, in die Existenz dieser mysteriösen, kapitalistischen Grenzstadt geworfen, um Freiheit, Anerkennung und Haltung – zwischen der Angst vor dem sozialen Abstieg und der Sehnsucht nach einem anderen Leben.

Live auf der Bühne des Volkstheaters in dieser Traumwelt stehen Martin Wenk, Joey Burns und John Convertino von der Band Calexico aus Tucson, Arizona. Ihr legendärer Stilmix aus mexikanischem Mariachi, Tex-Mex, Country-Rock, Jazz und Folk hat ein eigenes Genre begründet: „Desert Noir“, das selbst dem Grenzland zwischen Mexiko und der USA entspringt. Ihre Musik erforscht Reiche eindringlicher Melancholie, profunder Schönheit, und ansteckender Euphorie, womit sie seit dreißig Jahren ihr Publikum begeistern.

Für CAMINO REAL schreiben Calexico eigens ganz neue Musik. Regisseurin Anna-Sophie Mahler verbindet mit der Band eine langjährige Freundschaft – auf Calexicos erster Europa-Tournee 1999 stand sie als Geigerin mit auf der Bühne.

Besetzung

Regie Anna-Sophie Mahler
Bühne Katrin Connan
Kostüm Victoria Behr
Komposition und Live-Musik
Paul Wallfisch
Dramaturgie Alexander Kerlin

Wien

29.04.2025
19:30 Uhr

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